DIVAS MEXICANAS. Amparo Ochoa.

AMPARO OCHOA

"El cancionero popular"

1975

Amparo Ochoa la desaparecida cantante sinaloense inició su sufrida y gozosa carrera discográfica con este "Cancionero Popular", sufrida porque eligió el canto que diga algo concreto sobre la realidad, protesta, canción política, canción social o como usted quiera; y gozosa porque Amparo amba a la música, a la del pueblo y a su pueblo, eso la hizo una artista feliz, buscando las canciones que escarbaran las raíces mexicanas, que no guardaran silencio ni maquillaran la realidad, esa elección la llevó a conocer y trabajar con gente de esperanza y con esperanza.

Aparte de mexicana y sinaloense, Amparo se reclamaba latinoamericana y su cancionero popular es latinoamericano con piezas de Julio Solórzano el guatemalteco, Nicomedes Santacruz del Perú, un poema de Nicolás Guillén el poeta cubano, el resto de los autores de la lista son Chava Flores el cantor urbano y humorista con visión sociológica; los compositores que entonces era la nueva generación de compositores mexicanos, Mario López, Jesús Echevarría, Jorge Jufresa, Gabino Palomares, Enrique Ballesté, hay una canción tradicional que es el famoso "Barzón" y "La bola suriana a la muerte de Emiliano Zapata" de Armando Liszt y Graciela Amador, otra canción-poema es del poeta más mexicano que español León Felipe quien era muy mexicano porque se exilió en México donde vivió treinta o más años y donde murió.

 

REINAS DEL DOLOR. Chayito Valdéz.

 CHAYITO VALDÉZ

1945-2016

María del Rosario Valdéz Campos, era sinaloense, del norte mexicano, cuna de muchas y muchos grandes de la canción, su biografía dice que empezó a cantar desde muy niña en fiestas, festivales escolares y concursos de canción ranchera, era de esas privilegiadas que nunca tomaron clases de música ni de canto, nacieron con un oído fino y una voz genéticamente equipada para cantar, como muchas que supieron que su vida iba a ser cantar y lo hacían como respirar.

Dicen que Amalia Mendoza la famosa "Tariácuri" quizo tomarla bajo su tutela, la escuchó en un concurso y pidió a su madre que le permitiera impulsar su carrera pero Doña María no aceptó, antes de eso Chayito trabajó de muchas formas, vendiendo comida, lavando ropa, aseando casas, trabajando en el campo y otras ocupaciones en una familia de doce hermanos y en la que se trabajaba desde la infancia.

Su primer marido hizo todo lo posible por alejarla del canto, la celaba, la maltrataba y el matrimonio no duró mucho, bueno, lo suficiente para tener tres hijas, al separarse su madre le pidió que prometiera a la virgen que iba a dejar el canto, maridos, familia y su madre creían que no era una profesión buena, su segundo marido hizo lo propio para que la diva se retirara del espectáculo.

A principios de los setenta, grabó sus primeras cuatro canciones, dos de ellas fueron sus grandes éxitos, dice la crónica que ella logró que le hicieran un tiraje de 50 discos que vendía en la calle, también llevó "Besos y copas" y "Una noche me embriagué" a una estación radial que empezó a programarla, así fue escuchada y llamó la atención de las disqueras.

Esa difusión hizo que empezara a grabar discos y a vender como pan caliente y Chayito se convirtió en el gran acontecimiento de la música popular mexicana, en esos días el gran acontecimiento varonil fue Vicente Fernández, otro fenómeno, entre los dos vendieron millones de discos, "Chente" tuvo siempre más apoyos y tuvo los reflectores sobre sí, aunque (opinión del que escribe) no tenía ni la mitad del talento de Chayito.

En Septiembre de 1985 sufrió un accidente en carretera cuando se dirigía a una presentación, fue hospitalizada y dos días después no había noticias, el más destructor terremoto de la historia mexicana moderna, ocupó los noticieros y hasta casi un año después se supo que Chayito no iba a caminar nunca más, el hecho le cerró las puertas del trabajo y hasta el año 2000 volvió a tener actividad artística, se presentaba en palenques, teatros y programas de televisión en una silla de ruedas gracias a su lucha por regresar, si su madre no la retiró, un accidente menos. 

En 2003, en el aeropuerto de Guadalajara cayó de un vehículo porque no la aseguraron debidamente, sufrió un golpe en la nuca, ese mismo año hizo su última presentación y en Junio de ese año fue hospitalizada otra vez por una severa deshidratación, según testimonio de su hija por negligencia médica entró en coma tras una convulsión y cuatro minutos en que su cerebro no recibió oxígeno, estuvo en coma durante dos años y desde entonces hasta el presente año siguió hospitalizada, ya no en coma pero en estado vegetativo, sin habla, poco movimiento y severos daños cerebrales hasta el 20 de Junio del presente, cuando termino su sufrida vida, la que vivió con la única alegría que tuvo, cantar.     

Y así más o menos, fue la vida de otra Reina del Dolor, golpeada por la desgracia una y otra vez, pero no depresiva como sus compañeras y tampoco suicida, una guerrera que amó a la vida y enfrentó las adversidades refugiada en la música y el tesoro que tenía en la voz.

DIVAS MEXICANAS. Lila Downs.

LILA DOWNS

"Pecados y milagros"

2011

El penúltimo álbum de Lila Downs se llama "Pecados y milagros", una especie de álbum conceptual que agrupa dos temáticas recurrentes, la vida terrenal y las visiones divinas, la dualidad de la vida humana y especialmente la cosmovisión mexicana a la que se aferra para no perder su oaxacanidad, los mil y un asideros de su tierra, el mágico Oaxaca.

La portada y todo el arte del disco trata de reflejar ese mundo mágico de lo visible y lo no visible como lo define ella en los textos y es evidente que hay una fuerte influencia de la visión kitsch de otra de nuestras divas Astrid Hadad quien es inspirada y escandalosamente afiliada a esa visión artística.

Las piezas elegidas para conformar la temática son en gran medida canciones compuestas por Lila Down y Paul Cohen, y completadas por canciones muy conocidas y clásicas del cancionero popular mexicano: José Alfredo Jiménez, Tomás Méndez, Cuco Sánchez, Macedonio Alcalá y Juan Zaizar.

Los arreglos extrañamente están muy anorteñados, quién sabe por qué razones, Lila está en su etapa norteña con el infaltable acordeón, esencia y alma de la música del norte de México y su también necesaria raíz oaxaqueña con esos arreglos de bandas de metales que caracterizan al sureño estado.

CANCIONES FAVORITAS. Pero no te extraño.

Pero no te extraño

Autora: Liliana Felipe

1996

Liliana Felipe tiene una imaginación, una creatividad, un humor y una sensibilidad poética que no son fáciles de encontrar en otras compositoras de canciones, no todas son fáciles, más bien son pocas las ligeras y fáciles de entender en su asunto o mensaje.

En el 1996, se publicó el disco que se llama "Oh noche" con canciones de Liliana, voz de Eugenia León y acompañamiento de Dimitri Dudin, de entre las canciones del disco de pronto me saltó la letra de "Pero no te extraño" que Liliana grabó en alguno de sus discos y que no conozco, la escucho en la grabación de Eugenia con canciones de Liliana y la otra versión que me es familiar, es la de Susana Zabaleta ("Para darle cuerda al mundo" 2007), otra de las intérpretes fieles a las canciones de la señora Felipe. 

Liliana tiene una habilidad o don que le permiten fusionar el lenguaje cotidiano, los dichos populares y las expresiones muy locales con la poesía, ese sentido que no se compra ni se aprende, parece que es divino y de nacimiento, es también algo que aparece solo en las letras de la compositora, pianista, cantante y teatrera avecinada en el bello Coyoacán.

"Pero no te extraño" es un poema de amor, de soledad, de dolor, de miedos, alucinaciones, sentimientos y emociones al tiempo que es una canción con música muy ad hoc al asunto, el ambiente y lo que dice Liliana, aunque tal vez habría que cambiar por descarra en vez de decir.

Esta puede ser la característica principal de la bella canción, es un grito desgarrado y doloroso pero al mismo tiempo, es también rebelde, de esa rebeldía que suele ser el resultado o tal vez complemento del dolor, la necesidad de rebelarse contra el dolor injusto e irremediable que se nos aparece en la vida con cierta regularidad.

 

PERO NO TE EXTRAÑO.

Pero no te extraño, hay veces que sueltan
dentro de mi cuerpo todos los delfines y
dos lobos marinos y como diez pinguinos
a hacer de las suyas creyéndome tuya.
Y yo no te extraño me dá mucha sed
hasta que las bestias se duermen al bies.


Y me duermo sola, sin piyama en bolas  
como la Inesita, que dormía sola y  
dicen los que la aman yo, yo digo que dicen
los que no pudieron meterse en su cama  
yo creo que Inés quiere dormir sola aunque un regimiento 
se postre a sus pies que es distinto a vos, 
porque esto es de a dos, con tu regimiento me agarra la tos.


Pero no te extraño, deben ser los años o los desengaños, 
los lobos marinos que que comentan siempre no es, 
nuestro desatino y yo no te extraño, estoy como el caño
el caño de un baño, mojada por dentro y seca al revés
Mejor me retiro, te mando un suspiro
repleto de a veces de amor y trasluz
para cuando quieras elegir amores
sin promiscuidades como el avestruz
que come y te traga y esconde el pescuezo
como si no más le cantará yo a eso.

DIVAS MEXICANAS. Carmen Leñero.

CARMEN LEÑERO

"La tierra mía"

2002

 

Carmen Leñero es cantante, es su faceta más conocida (al menos para mí) pero también es poeta, narradora y ensayista, ha ganado varios importantes premios literarios que según su página oficial son:

Premio Nacional de Ensayo Literario 1994 de la Universidad Veracruzana.
Premio Nacional de Cuento Infantil Juan de la Cabada 1996.
Premio Nacional de Poesía Carlos Pellicer 1998.
Mención honorífica en el Concurso de Aforismo "Vicente Huidobro" 2006 (Chile).
Primer Premio al Libro Infantil y Juvenil 2010 de la FILIJ, por parte de CONACULTA.
Nominación al Premio de Literatura en Memoria de Astrid Lindgren (ALMA) 2011, por el Consejo de las Artes de Suecia.

En 1991 grabó su primer disco como cantante "Casas en el aire" y después tiene una discografía de gran calidad y variedad: "Almuerzo en la hierba" (1995), "Más que casi nada" (1999), "La tierra mía" (2002) y "The Perspective of the Cat" (2009).

La perspectiva del gato ya fue comentado aquí es su más reciente grabación, la anterior "La tierra mía" es su disco de música mexicana tradicional, la aclaración tiene que ver con que todos sus discos han contenido a músicos y poetas jóvenes de su país, exeptuando La perspectiva... que son poemas de la poeta canadiense Lorna Crozier, en La tierra... registró canciones muy conocidas y emblemáticas de la tradición mexicana, compositores muy conocidos y canciones que todos hemos escuchado desde niños.

Dice Carmen en su presentación del disco que desde muy niña aprendió esas canciones por medio de su padre o de una monja de su colegio que vió en ella cualidades de cantante y le enseñaba de estas canciones, su debut como artista fue en la escuela primaria cuando cantó "La pajarera" con todo y caracterización que consistía en cargar la jaula de los pájaros y su canto a capella, todo este relato tiene que ver con su raíz y su niñez empapada de las canciones mexicanas, las tradiciones y los juegos, quién sabe por que razones uno de los recuerdos que menciona es que jugaba con un trompo de madera, luego comenta que ha sido viajera y ha ido muchas veces a otros países y en sus palabras "dando vueltas por el mundo como un trompo" y entonces se entiende la portada de su disco, un trompo sobre un mapamundi.

"Pajarera", "El preso número nueve", "La llorona", "La bruja" y "El bejuquito", son canciones tradicionales de autor desconocido; de la trova yucateca hay canciones de Palmerín y Guty Cárdenas, "Pensamiento" y "Granito de sal" del primero y "Nunca" de Guty; dos de Manuel M. Ponce, "A la orilla de un palmar" y "Rayando el sol", también dos de Chucho Monge "La feria de las flores" y "México lindo y querido"; "Estrellita marinera de Esparza Oteo, "La borrachita" de Tata Nacho y "La cama de piedra de Cuco Sánchez completan la lista de canciones y autores.

 

Los arreglos musicales aportan una novedad, no son los arreglos conocidos ni la instrumentación acostumbrada, Carmen como suele pasar, no se repite, no recicla, ni sigue la receta conocida, trata siempre de hacer algo que aporte a la música, a la tradición que no por tradición tiene que ser un objeto de museo muerto y a la satisfacción personal de hacer algo que le gusta y enorgullece, aunque sus discos se vendan poco, casi nadie los conozca y la mayoría no sepa que Carmen Leñero existe, canta y escribe.

DIVAS MEXICANAS. Betsy Pecanins.

BETSY PECANINS

"Lara"

2004

Agustín Lara fue en su tiempo el compositor de canciones más importante de México, porque revolucionó la música popular con una nueva forma de hacer boleros en fusión con danzones, tangos y música folclórica; porque le dió a la canción popular mexicana una nueva lírica, con referencias decimonónicas, con una pizca de las letras peninsulares (de Yucatán) y con la inmortal cultura del "romanticismo" como suele decirse de todo lo que tiene que ver con el amor, sus variantes, problemáticas y estados de desvario.

En los años treinta, cuarenta y cincuenta, Lara fue el acontecimiento más importante en la música popular, con una gran cantidad de cantantes haciendo fila para grabar una canción del "músico poeta" y proyectar su carrera, en las décadas posteriores decayó su popularidad, sobre todo a partir de su muerte en 1970, pero aún así, cantantes de todos los géneros: folclóricos, cumbieros y baladistas incluyeron una o dos canciones de Lara como homenaje y condición para asegurar un disco exitoso.

De los noventa hasta la plenitud del siglo actual, Lara tuvo una resurrección: nuevos estudios biográficos, ensayos sobre su obra y regrabación de sus canciones con una modalidad distinta, discos como álbumes de canciones de Lara exclusivamente y de ellos tengo una trilogía consentida: "Ven acá" (1989) de Eugenia León, un delicioso experimento musical desde la óptica del Jazz; "Mujer divina" (2012) de Natalia Lafourcade, canciones de Lara en un disco de Música Pop, increíblemente bien hecho e insospechadamente posible; y este disco de Blues, Música Caribeña, Jazz, Tango y Música de Cámara.

Los músicos que acompañaron a Betsy son: un guitarrista, un cellista, un bajista, una percusionista, un armoniquista, y complementando piano, teclados electrónicos, acordeón y coros, una mezcla de este tipo habla de la intención del trabajo, eclecticismo y experimentación con resultados muy interesantes e inovadores, los cómplices de la empresa fueron:

   

DISCOS FAVORITOS. Cine.

EUGENIA LEÓN

"Cine"

2009

En 2009 se editó un disco de Eugenia León dedicado al Cine Mexicano, aunque mejor dicho y definido, hizo un disco dedicado a la música en el Cine Mexicano, como suele suceder Eugenia concibio el proyecto, hizo la investigación que consistió en revisar más de 300 películas desde 1931 hasta el año 2000, se puso en contacto con muchos músicos excelsos, la mayoría amigos y cómplices conocidos a lo largo de diversos proyectos que ya son un cuarto de centena.

Entre los compañeros de aventura musical están: Horacio Franco; "Tambuco", el ya muy conocido grupo de percusiones solamente; Enrique Nery, arreglista de gran experiencia y mente siempre inovadora; Omar Guzmán, el arreglista extraordinario en muchos discos de Eugenia; Fernando de la Mora, celebridad en el medio del bel canto; el Cuarteto Latinoamericano, el grupo de cámara con muchas décadas de notable trabajo; la Banda de Música del Estado de Oaxaca y muchos más que yo no conocía, pero que hacen todos un trabajo colectivo y amoroso.

 

 

Lo que caracteriza al trabajo es la elección de canciones sacadas del Cine a partir de dos criterios: la importancia de las películas y el gusto de Eugenia por cada canción que en total son 22 y que por supuesto pudieron ser 100, la gloria del canto mexicano hace una elección de grandes piezas y para no sólo cantarlas tal y como se escucharon en las películas, a todas les hicieron arreglos que convierten al conjunto, canciones, arreglos y voz en un disco extraordinario que según su redactor, en otras latitudes sería ya un clásico conocido en todo el mundo, en mi amada Patria esto no funciona así y nos guardamos nuestras joyas para que sólo conozcan los "espejitos" en el resto del mundo.

Para no guardarse nada Eugenia inicia con "Tierra Brava" de Lorenzo Barcelata y Ernesto Cortázar arreglada por Luis Martínez y grabada por 11 músicos y coristas que hacen con la voz de Eugenia una versión que invita de inmediato a escuchar todo el disco varias veces, sigue la celebrísima "Dios nunca muere" de Macedonio Alcalá uno de nuestros grandes compositores de los siglos XIX y XX, con un arreglo basado en la marimba y las percusiones con apariciones esporádicas de un bandoneón que se escuchan entre la tradición y la posmodernidad.

Una joya de muchos kilates es "El relojito" de Francisco Gabilondo Soler, canción infantil que cantó Tin Tan en "Chucho el remendado" a Eugenia y al maestro Horacio Franco se les ocurrió un arreglo que creó el afamado flautista sólo con sus flautas y la Voz de la señora León, el resultado es genial, después vienen muchas otras, todas arregladas, pulidas y registradas como el trabajo del orfebre, con talento, amor e inspiración, "Pereza" de Juan García Esquivel, con el Cuarteto de Saxofones Anacrúsax y su arreglo es la prueba.

Eugenia León renunció a grabar sus discos con las grandes compañías que aportan el billete grande junto con los condicionamientos y las imposiciones, León lo hace a su modo, se apoya en sus amigos músicos y en las instituciones y empresas que fomentan la cultura, Canal 22, CONACULTA y Radio Universidad pusieron el financiamiento y hasta los estudios de grabación, para completar el paquete, se hizo un DVD de la grabación del disco con una entravista a Eugenia y escenas del registro de las canciones incluído con el CD y al mismo precio.

 

DIVAS MEXICANAS. Amparo Ochoa.

AMPARO OCHOA

"Mujer"

1985

 

Amparo está muy olvidada, en los setenta era una de nuestras grandes divas del canto y además de ser una voz extraordinaria no decidió cantar canciones para vender discos sean cuales fueran, se incorporò al Canto Nuevo, grabó en compañías independientes, siempre en Discos Pueblo y su repertorio era de canciones de lucha, de cuestiones sociales, de la justicia y la injusticia, de la libertad, de los niños y de la mujer.

En su natal Sinaloa empezó a cantar y era maestra rural, la profesión habìa sido elegida para toda la vida pero la música ganó y se trasladó a México para inscribirse en la Escuela Nacional de Música, al tiempo empezó a cantar en las Peñas donde se cantaba folclor y canto nuevo que era canciòn de protesta, de lucha, de fusiòn y otras corrientes no comerciales de consumo masivo.

En el 1985 grabó uno de sus grandes discos, fiel a su espíritu de buscar piezas de calidad y con mensajes significativos, armó el disco con canciones sobre la mujer, sus luchas, sus problemas, su emancipación, todas de autores latinoamericanos de diversos países, integró canciones de Gloria Martìn, Fernando Ubiergo, del grupo "Haciendo punto en otro Son", Ramòn Rodrìguez del canto chicano, Carlos Mejia Godoy el compositor de Nicaragua, y la ya clásica "La Mujer" de Teixeiro.

   

En el disco la voz de Amparo se juntó con excelentes músicos y arreglistas del ámbito del Jazz, del Son, Los Folcloristas y gente que estaba haciendo música distinta rompiendo los acostumbradas formas de hacer y vender lo mismo de siempre, el disco debería ser más conocido por los grandes públicos pero Amparo nunca tuvo el interés de "venderse" como se decía y se creía en los setenta, siguió viajando, cantando donde su canto era solidario con las más distintas luchas y dejó de cantar antes de cumplir los cincuenta años el 8 de Febrero de 1984, escribir esto es recordarla y darla a conocer para quien no sepa que existió la entrañable Amparo Ochoa.

 

Y para concluir, el disco sigue reditándose por Discos Pueblo al igual que toda su discografía, incluso hay una colección con 14 cd que incluye todos sus discos, no ha muerto ni hay que buscar en aire, tierra y mar, se consigue con facilidad


 

 

MUJERES DIVINAS. Margie Bermejo.

MARGIE BERMEJO

"Mamacita del Mayab".

1996.

Margie Bermejo empezó a cantar profesionalmente a los 13 años y formaba parte del grupo de cantantes mexicanas mujeres que hacían música ye-ye, ¿qué qué diablos es eso?, hacían covers de las canciones de cantantes gringas como Doris Day, Brenda Lee, Sue Thompson, Joannie Sommers, Peggy March, Doodie Stevens, Eddie Hodges y otras, la competencia de Margie eran cantantes como Julissa, Angélica María o Mayté Gaos, ésta última fue la más exitosa de las cantantes ye-yé, críticos e historiadores dicen que la mejor cantante era Margie, pero ella nunca se conformó con las baladitas de éxito fácil y recibir apodos como la "Reina de la música Ye-Ye" le producía mucha aversión.

Las distracciones que no le permitían a Margie, ser una cantante pop exitosa eran: el folclor latinoamericano, el bossa nova, el jazz y cualquier otro género que implicara un reto y un aprendizaje, así que "se perdió" para la canción comercial y se dedicó a cantar con sus hermanos en el grupo Contemporáneo, que cultivaba los géneros que a ella emocionaban, a participar en comedias musicales y a la actuación, de modo que su carrera discográfica empezó realmente en1979, cuando Radio Educación produjo "Las cosas sencillas" y desde entonces la señora Bermejo nos regala nuevas producciones con cierta regularidad y con mucha calidad.


Cuando el siglo ya agonizaba, Margie dió un giro a su carrera discográfica, hizo una pausa, puso a descansar al jazz, a los tangos, al folclor latinoamericano y otros géneros recurrentes en su carrera, se volcó hacia los compositores mexicanos más de su gusto e hizo un disco donde reunió a hacedores de canciones como: Jaime López, Jorge Reyes y Liliana Felipe, músicos sinfónicos como Arturo Marquéz y coló a uno de sus autores favoritos que es Astor Piazzola.

El experimento tuvo un resultado redondo, la voz de Margie, habitualmente solemne, un tanto dramática y preocupada por mostrar su "buena educación", se "desolemniza" y se vuelve fresca y despreocupada cuando tiene que abordar piezas como la que inicia el disco y le da título, un rap escrito por Ofelia Medina, la actriz luchadora civil y musicalizada por Jorge Reyes, el autodefinido etnomúsico que falleció hace dos años y que es conocido y admirado en muchos sitios del orbe.


Hay dos canciones de Liliana Felipe, la caústica y humorística compositora favorita de las Divas Mexicanas como Eugenia León, Susana Zabaleta o Astrid Hadad, una letra de la misma Margie con música de Arturo Márquez para presumir a la gente con la que se junta y la muy famosa "Chilanga Banda", rap chilango de Jaime López de su disco clásico "Odio Fonky" y llevada al conocimiento masivo por Café Tacuba.

DISCOS FAVORITOS. La Voz que Cautiva el Alma.

ELIZABETH MEZA

"La voz que cautiva el alma"

2006

Buscar información sobre vida y carrera de Elizabeth Meza en la red, es misión imposible, sólo se pueden encontrar noticias de sus actuaciones, proyectos de grabación o presentación de nuevos trabajos, pasé un buen rato tratando de encontrar algo que se acercara a "página oficial" de la cantante, pero mi búsqueda fue en vano, sólo aparecen vacíos, descuido y desinterés, porque Elizabeth eligió como su modus vivendi ser cantante, pero no de baladas insulsas, ni salsas autoplagiadas hasta el infinito, ella decidió ser cantante de Jazz y supongo que esa es la razón de que sea tan ignorada.

El arduo camino que eligió, la ha llevado, por lo menos a conocer mundo, ha hecho giras por diversos países de Latinoamérica, algunas ciudades de la Unión Americana y vivió varios años en Europa, haciendo presentaciones para promover su arte, luego regresó a su tierra, donde hace esfuerzos muy grandes por ser conocida y reconocida, tiene en el mercado varias grabaciones, ha participado en programas de televisión y se presenta en teatros y foros distintos.

Su pasión mayor es el Jazz vocal pero no es una purista, ha cantado y grabado standards, pero también ha abordado canciones que pasan por el blues, el bolero y hasta el rock, en complicidad con los más importantes músicos mexicanos de Jazz, que les dan siempre un aire permeado de swing.

Antes de conocer este disco llamado "La voz que cautiva el alma", había escuchado "Tenderly" que esta hecho casi totalmente a base de standards de los más conocidos y grabados: "Night and Day", "Autumn Leaves", "God Bless the Child", "How High is the Moon", son algunos de ellos; el otro disco que conocía de ella es el llamado "Nocturnal" que armó también con clásicas del american songbook y la inclusión de "Soñé" de José Mojica y "Cuando vuelva a tu lado de María Grever.

Para La voz que... decidió cantar sólo en castellano, grabando canciones compuestas originalmente en ese idioma, sino sobre todo, versiones castellanas de piezas escritas en inglés, con un trabajo extraordinario de traducción o versión libre, muy cuidado y bien dicho, pero no son los textos lo único a destacar en el disco, están también los arreglos, y por supuesto la voz de la "Diva mexicana del Jazz" como a veces apodan a Meza.

Los videos que se incluyen no son de las piezas del disco, también fue imposible encontrar uno solo, pero son muestras del trabajo de Elizabeth Meza, si ya la conoces vuelve a disfrutarla y si no, entra en su mundo musical. 

MUJERES DIVINAS. Carmen Mondragón.

NAHUI OLIN

1893-1978

En la vieja y tradicional colonia Tacubaya de la ciudad de México, en los años setentas, vivía una anciana demente, en una casa repleta de gatos, andaba por las calles harapienta y extraviada, hablando sola y ordenando al sol que saliera y se ocultara, los vecinos del barrio fundado en tiempos porfirianos, tenían sus reservas para burlarse de la desquiciada mujer quien no era una loca cualquiera, para empezar, tenía unos ojos bellísimos, y para completar, un cuerpo aún hermoso y un aire distinguido, aristocrático e imponente.

 

Pocos sabían que se llamaba Carmen Mondragón, que nació a fines del decimonónico siglo, que era hija de un general famoso y que nació en el seno de una familia aristocrática; muchos menos eran los que sabían que en su niñez fue enviada por sus padres a estudiar a París, que fue famosa por sus poemas y sus pinturas, pero sobre todo, por su belleza, sus inumerables amantes, su pertenencia a la élite intelectual y artística mexicana de los años veintes, treintas y cuarentas y por su comportamiento liberal y escándaloso que retaba a las convenciones de la época.

Uno de sus amantes, el pintor Gerardo Murillo, alias el "Dr. Atl", la bautizó como Nahui Olin y así fue conocida, más que por su verdadero nombre, fue modelo del famoso fotógrafo Edward Weston y gracias a ese hecho, existen muchas fotografías que testimonian la belleza de Carmen, quien incursionó en la poesía y la pintura, pues siempre tuvo inquietudes artísticas, nunca alcanzó las grandes alturas de la creación artística, pero su vida en sí, fue una obra de arte, intensa, provocadora, inquieta y estremecedora.

  

Pero a la distancia temporal, parece ser que la importancia de Carmen Mondragón, radica sobre todo, en su papel de mujer liberada, compañera de Frida Kahlo, Antonieta Rivas y otras mujeres que desafiaron a la rigidez y cerrazón mental de la sociedad mexicana de la época y fueron las precursoras de un tardío movimiento feminista setentero que las tomó como emblema.

MUJERES DIVINAS. Patti Smith.

BABEL

Patti Smith

1978

"Jesús murió por los pecados de alguien pero no los míos" es la primera frase en la primera pieza, en el primer disco que grabó Patti Smith, en el ya lejano 1975 y era parte de una introducción casi hablada de la propia Patti a la célebre "Gloria" de Van Morrison, y desde allí y de entrada, la diva nacida en Chicago, definía su personalidad iconoclasta, provocadora y fuera de serie.

Ese disco debut de Smith, como ya se sabe, fue raya en el agua, revolucionario y paradigmático: no sólo nacía una artista extraordinaria y consistente, en el mundo deleznable de los ídolos que se desmoronan y de los impostores y oportunistas, también aparecía una personalidad compleja y desquiciada, como suele suceder con los artistas verdaderos, alguien que desde la tribuna más salvaje, rabiosa e impune, la de la escena Punk, ofrecía su visión del mundo juvenil y del mundo mundo.

Patti era distinta, mujer en el mundo machista punk, andrógina en el mundo glamoroso del espectáculo, sustanciosa en el mundo del rock que suele ser muy superficial y auténtica en todos los mundos de la apariencia y la falsedad, hija de una cantante de Jazz y poseedora de un talento poético, más que escaso en el mundo del rock y más aún en el mundo del punk, abordó la estética punk con una furia elegante, con clase y sin el aura sufrida y defenestrada de los que habitaban ese ghetto.

Y con el tiempo, se reveló también como una poetisa importante, aceptada por las élites literarias, certificada su calidad poética al tiempo que se volvía emblemática para las distintas manifestaciones de la contracultura y desde principios de los setentas, publica libros de poesía con sostenida constancia. En 1978, apareció uno de sus más famosos volúmenes poéticos, llamado "Babel" con traducción al castellano por parte de Anagrama.

Así que el repaso del personaje, resultó pretexto para recomendar la obra, un tanto dispersa, ya que es una antología de poemas y canciones aparecidas aquí y allá en distintos momentos y tiene sobre todo la cualidad de ser una excelente introducción a la poesía de esta artista excepcional.

MUJERES DIVINAS. Grace Slick.

GRACE SLICK

Hija de inmigrantes, como una gran parte de la población de la Unión Americana, después de vivir en varias ciudades, su familia se estableció en Palo Alto, California muy cerca de San Francisco, la cuna y centro más importante de la cultura hippie, referencia inevitable por haber sido ella, uno de los íconos de ese movimiento.

de espíritu iconoclasta y rebelde, adoptó sin regateos, la nueva moral juvenil y las premisas de la liberación femenina, se relacionó con el ambiente del Rock y en especial con la escena de San Francisco, fue amiga de Janis, Jerry García, Jim Morrison y se dio a conocer como la vocalista de Jefferson Airplane, además de ser la autora de varias de sus más célebres canciones.

A menudo se vió envuelta en líos con la ley de cuyos representantes abominaba instintivamente y se hizo famosa por su comportamiento contrario a las buenas costumbres además de también, por su belleza que le permitía, tener ingresos extras en el modelaje, la Divina Gracia, es una de mis ídolos juveniles más deslumbrantes y entrañables desde mi más tierna juventud cuando conocí la obra del Aeroplano y la herchizante voz de Grace.

MUJERES DIVINAS. Marisa Monte.

MARISA MONTE.

La clausura de los Juegos Olímpicos me resultó demasiado barroca, atiborrada y empalagosa, esperaba de los ingleses algo más sobrio y serio, en realidad parecía una clausura planeada y llevada a cabo "a la gringa", así que la estaba viendo con poco entusiasmo, hasta que se acabó el desfile de nuevas y viejas glorias de la música británica y llegó la refrescante intromisión de la samba y la sonoridad única de los brasileños, pero mi despertar del sopor se volvió entusiasmo cuando apareció la divina Marisa Monte, la cantante amazónica más importante de los años noventas para acá, lugar que se ha ganado a pulmón, delicadeza y una voz de esas que no solo producen sensaciones auditivas, sino que cuando se escucha, hasta la piel se siente estimulada.

Yo la conocí, por medio de este video que forma parte del concierto "desenchufado" que Julieta Venegas hizo para MTV, ni sabía que existía esta artista singular y al escucharla se movieron muchos sentimientos dentro de mí, desde entonces soy su fan incondicional y cazador de sus grabaciones, escucha querido lector la canción que me conmovió, como hacia mucho no me conmovía una canción.

Marisa nació en Rio de Janeiro en 1967 y desde muy joven tuvo la idea de convertirse en cantante de ópera y hacia allá dirigió sus primeros estudios musicales, en 1985, emigró a Italia para continuar sus estudios de canto, pero la atracción que sobre ella tenía la música de su tierra, la hizo decidirse por emprender una carrera de cantante básicamente brasileña, que canta como brasileña, canciones brasileñas, pero que también combina la tradición con la experimentación y la localidad con la globalidad.

En 1989, grabó su primer disco de siete que ha grabado como solista y uno que salió con el nombre de "Tribalistas", con Arnaldo Antunes y Carlinhos Brown, en sus grabaciones y otros proyectos, han participado muchos de los mejores músicos brasileños y de otros países, ha trabajado en sus discos o como invitada con: Ryuchi Sakamoto, John Zorn, David Byrne, Laurie Anderson, Devendra Banhart y Julieta Venegas y con sus paisanos: Gilberto Gil, Paulinho da Viola, Nando Reis, Marcelo Yuca y Se Jorge.

Otra cosa que resulta muy atractiva es que Marisa, suele incursionar en diversos géneros: rock, jazz, funk, blues, soul, bossa nova y samba, moviéndose como pez en el agua, sin importar el género y su voz siempre luce imponente, me hace pensar en la gran italiana Mina, otra dive de voz maravillosa que sabe ir de un género a otro con soltura y naturalidad.

Y así es que, como en la clausura, pocos se dieron cuenta de la presencia de Marisa y ni la prensa la menciona, su fan tecleador de este blog, la resalta y presenta a los lectores que no la conocen.