martes, 10 de diciembre de 2013

DIVAS DEL JAZZ, Ella Fitzgerald.




ELLA FITZGERALD
The American Songbook





La carrera de Ella Fitzgerald había transcurrido entre altibajos, desde sus inicios en Harlem, cuando siendo una desarraigada que vivía en la calle, decidió entrar a los concursos del Apollo, el legendario teatro, de donde surgieron varios consagradísimos del canto negro, cantó con varias orquestas famosas, grabó con Armstrong y Jordan, después se asoció con Parker y Gillespie, con ellos, su voz maduró y se hizo portentosa, pero no pasaba de ser la admiración y el asombro de un reducido grupo de escuchas de la vanguardia que se anunciaba.

Y entonces apareció Norman Granz, quien la llevó a su compañía, la mítica Verve e ideó un proyecto monumental, que haría despegar hasta llegar a alturas insospechadas la carrera de la que ha sido aclamada, casi por unanimidad, la mejor cantante de Jazz de todos los tiempo, el famoso proyecto consistió en la grabación de una serie de discos con las canciones más populares y las de gran inspiración, de todos los grandes compositores norteamericanos.

Empezó con Cole Porter, el más grande y genial de ellos, siguió con Rodgers y Hart, George e Ira Gershwin, Ellington y Strayhorn, Irving Berlin, Jerome Kern, Harold Arlen y Johnny Mercer, la más espectacular colección del cancionero americano (american songbook), que se haya hecho por una sola intérprete; Granz además, contrató a los mejores arreglistas y músicos, unos y otros hicieron resaltar la ya para entonces extraordinaria e inigualable voz de Ella.

El proyecto Granz para Ella Fitzgerald, que por supuesto partía de la certeza de que la diva era la indicada para llevarlo a cabo, es una de las más importantes aportaciones artísticas a la cultura norteamericana y universal, tesoro de coleccionistas, delicia de melómanos y conjunción milagrosa de elementos que estaban allí, pero faltaba el visionario que los uniera.






Louis Armstrong & Ella Fitzgerald - Summertime por kamatrikero

sábado, 7 de diciembre de 2013

LOS DISCOS DE BOWIE. Station to Station.




DAVID BOWIE
"Station to Station"
1976




Según el propio Bowie: "Station to Station", fue "un llamado para volver a Europa" y esto significaba que su furor "soulero" y "funk", habían terminado y volteaba a su continente y lo que estaba sucediendo en el ambiente "roquero" y musical en general y lo que más le impactó de esa actualidad musical, fue el "kraut", como se le llamó a la rebelión roquera, a la invasión bárbara proveniente de Alemania, que cuestionaba al pulcro y elegante y virtuoso rock que estaban haciendo en el Reino Unido, mezcla de sicodelia y "progresión", léase: todo o casi todo el rock británico que volaba en las alturas de la complejidad y la sofisticación y todo el "progresivo" que se hacía en Italia principalmente, muy permeado por el folk, la música de cámara. el Jazz y el toque progre de los instrumentos electrónicos.

El salvaje, primitivo y a la vez, vanguardista y propositivo "kraut rock" impresionó a Bowie y lo acercó a la vieja Germania, donde poco después se refugiaría para hacer su famosa "trilogía de Berlín" y el disco que sugestivamente se llama "Estación a estación", es un parteaguas, la llegada a un sitio y el cambio de ruta en otro sentido, se acabaron las canciones muy convencionales, las armonías "correctas" y los métodos normales de componer y poco a poco se van introduciendo las abigarradas "texturas" sónicas, creadas en el estudio y que serían la característica de la trilogía, creadas por el gran genio de las texturas, Brian Eno.

Con el indispensable Carlos Alomar en la guitarra; Dennis Davis en batería; George Murray en el bajo; el extraordinario tecladista Roy Bittan, quien tocó en grabaciones de una cantidad impresionante de "rock stars" y fue muy conocido como el tecladista de planta de la E Street Band de Bruce Springsteen; y otros músicos menos notables, Bowie hizo uno de sus grandes y aclamados discos, en una época en la que se suponía tendría un bajo rendimiento creativo, por su extrema adicción a las sustancias estimulantes, sacó, como muchas otras veces, ventaja de su situación concreta y convirtió los posibles obstáculos en creatividad.

Para muchos críticos e historiadores, con esta grabación, Bowie dejó de ser un compositor exquisito de canciones "pop" para convertirse en un músico de altura, con todos los merecimientos y con su talento haciendo erupción, al parecer en esa época, empezó a romper ataduras y con la asociación que tuvo con Eno, completó su liberación.





lunes, 2 de diciembre de 2013

LUNÁTICOS.




Almohada de luna en el sueño, 
manzana de miel en el día,*







* Tomado de "Marzo", poema de Juana de Ibarbouroú.

viernes, 29 de noviembre de 2013

GEORGE HARRISON. Décimo segundo aniversario luctuoso.



"What is life?"
Autor e Intérprete: George Harrison




Hace doce años, George Harrison dejó de estar "viviendo en el mundo material" como dice su famosa canción y como cada año, este blog, del que es invitado de lujo siempre, lo recuerda con esta canción de su memorable "All things must pass", una de esas canciones muy "harrisonianas", emotivas y "llegadoras", y puede que también "llagadoras", de esas que ponen el "dedo en la llaga", entre amorosa y filosófica, porque se hace preguntas trascendentes sobre las cosas trascendentes, (signifique lo que signifique la trascendencia). 

Con ese ambiente místico que caracteriza a todo el triple disco original y doble en CD, Harrison hizo esta bella y gozosa canción de un hombre enamorado que siente, como todo aquel que está tocado por la gracia del amor, que la vida es insufrible, insuficiente e infinitamente triste, sin el ser amado, al tiempo que hace una reflexión sobre el amor en general y su naturaleza, entre humana y divina.

Y como de costumbre, cada vez que se da la ocasión, recomiendo este excelentes àlbum de canciones, las mejores del mejor Harrison compositor e intérprete.





¿QUÉ ES LA VIDA?

Lo que yo siento, no lo puedo decir
Pero mi amor está allí para ti en cualquier momento del día
Pero si no es amor lo que tu necesitas
Entonces voy a intentar mi mejor esfuerzo para hacer que todo tenga éxito

Dime, ¿qué es mi vida sin tu amor?
Dime, ¿quién soy yo sin ti, a mi lado?

Lo que yo sé, lo puedo hacer
Si yo le doy mi amor ahora a cada quien como tú
Pero si no es amor lo que tu necesitas
Entonces voy a intentar mi mejor esfuerzo para hacer que todo tenga éxito

Dime, ¿qué es mi vida sin tu amor?
Dime, ¿quién soy yo sin ti, a mi lado?
Dime, ¿qué es mi vida sin tu amor?
Dime, ¿quién soy yo sin ti, a mi lado?

Lo que yo siento, no lo puedo decir
Pero mi amor está allí para tí en cualquier momento del día
Pero si no es amor lo que tu necesitas
Entonces voy a intentar mi mejor esfuerzo para hacer que todo tenga éxito

Dime, ¿qué es mi vida sin tu amor?
Dime, ¿quién soy yo sin ti, a mi lado?
Oh, dime, ¿qué es mi vida sin tu amor?
Dime, ¿quién soy yo sin ti, a mi lado?

¿Qué es mi vida sin tu amor?
Dime, ¿quién soy yo sin ti, a mi lado?

Oh, dime, ¿qué es mi vida, sin tu amor?
Dime quién soy yo sin ti a mi lado?.





WHAT IS LIFE?


What I feel, I can't say
But my love is there for you anytime of day
But if it's not love that you need
Then I'll try my best to make everything succeed

Tell me, what is my life without your love
Tell me, who am I without you, by my side

What I know, I can do
If I give my love now to everyone like you
But if it's not love that you need
Then I'll try my best to make everything succeed

Tell me, what is my life without your love
Tell me, who am I without you, by my side
Tell me, what is my life without your love
Tell me, who am I without you, by my side

What I feel, I can't say
But my love is there for you any time of day
But if it's not love that you need
Then I'll try my best to make everything succeed

Tell me, what is my life without your love
Tell me, who am I without you, by my side
Oh tell me, what is my life without your love
Tell me, who am I without you, by my side

What is my life without your love
Tell me, who am I without you, by my side

Oh tell me, what is my life without your love
Tell me who am I without you by my side






martes, 26 de noviembre de 2013

CANCIÓN AMIGA. Las Malas Compañías.



"LAS MALAS COMPAÑÍAS"
Autor e Intérprete: Joan Manuel Serrat




En Tránsito es uno de los discos mejor logrados de Serrat y de los más exitosos, contiene tres piezas que ya son clásicas en el repertorio del barcelonés genial: "Esos locos bajitos", "No hago otra cosa que pensar en tí" y "Hoy puede ser un gran día", pero todos los "tracks" son de primer nivel.

Pero es además, el disco del amor, el optimismo y la fantasía, todas las canciones hablan de cosas y situaciones comunes, pero tratadas desde una óptica crítica, que pretende que el escucha, aborde estas cuestiones de la vida diaria con otro lente, un lente que resalta los sentimientos y las emociones, por encima de las cosas materiales.

Ejemplos: en "A quien corresponda", simulando una carta, le da a conocer al mundo las situaciones con las que está inconforme, y no creas que se refiere a las guerras, el hambre o la explotación del hombre por el hombre, sino al mundo del dinero y el consumo que relega las emociones y los sentimientos que él más valora; en "A usted", se dirige al hombre que vive siendo "exitoso" y "ganador", porque tiene lujos y está dispuesto a todo para seguir así, preguntándole, ¿no le gustaría, no ir a trabajar y no pedirle a nadie excusas? o ¿no le gustaría, ser capaz de renunciar a todas sus pertenencias, y ganar la libertad y el tiempo que pierde en defenderlas?.

"Esos locos bajitos" es una crítica a la educación de los niños, seres incomprensibles e incomprendidos con los que lo único que procede es, domesticarlos y moldearlos a imagen y semejanza nuestra; "Uno de mi calle me ha dicho que tiene un amigo que dice conocer a un tipo que un día fue feliz" es una de las grandes obras de Serrat, en donde con humor e ironía, sitúa a la felicidad como algo extraño en las sociedades modernas, al grado que, si alguien afirma haber alcanzado tan raro bien, es considerado loco peligroso y para cerrar está la optimista "Hoy puede ser un gran día", un llamado para ser optimista y amar la vida.

Las Malas Compañías es una verdadera oda a la amistad, una canción que decribe en forma bella, sentida y poética, este valor que para Serrat es insustituible, pero en vez de decirnos que la amistad es... y poner palabras huecas, se dispone a hablar de sus amigos, quienes podrán ser vulgares, maleducados, poco refinados y viciosos, pero son también seres sensibles incapaces de traicionar a un amigo, otra vez, los sentimientos por encima de tantas cosas superficiales con las que queremos vestir el cuerpo y la personalidad, para mí, es esta y sin duda la canción de Serrat que más me conmueve, por lo bien escrita, por la poesía que contiene y por la emoción conmovedora que produce.

En lo musical, el disco es uno de esos del Serrat más inspirado, grandes melodías arregladas por Ricard Miralles, el arreglista de cabecera que siempre ha revestido las canciones de este autor con ropajes de gran efectividad y belleza, más el acompañamiento de grandes músicos, hacen del álbum una obra redonda, bien hecha por donde se le quiera ver. 




LAS MALAS COMPAÑÍAS.

Mis amigos son unos atorrantes.
Se exhiben sin pudor, beben a morro,
se pasan las consignas por el forro
y se mofan de cuestiones importantes.

Mis amigos son unos sinvergüenzas
que palpan a las damas el trasero,
que hacen en los lavabos agujeros
y les echan a patadas de las fiestas.

Mis amigos son unos desahogados
que orinan en mitad de la vereda,
contestan sin que nadie les pregunte
y juegan a los chinos sin monedas.

Mi santa madre
me lo decía:
"cuídate mucho, Juanito,
de las malas compañías".

Por eso es que a mis amigos
los mido con vara rasa
y los tengo muy escogidos,
son lo mejor de cada casa.

Mis amigos son unos malhechores,
convictos de atrapar sueños al vuelo,
que aplauden cuando el sol se trepa al cielo
y me abren su corazón como las flores.

Mis amigos son sueños imprevistos
que buscan sus piedras filosofales,
rondando por sórdidos arrabales
donde bajan los dioses sin ser vistos.

Mis amigos son gente cumplidora
que acuden cuando saben que yo espero
Si les roza la muerte disimulan.
Que pa' ellos la amistad es lo primero. 







lunes, 25 de noviembre de 2013

CANCIONES FAVORITAS. White bird.



"WHITE BIRD"

Autor: Linda LaFlamme-David LaFlamme

Intérprete: It´s a beautiful day




White Bird es una canción monumental, representante magnífica del rock sicodélico, del sonido "costa oeste" o del rock ácido, pónla donde quieras, no importa, con cualquier etiqueta o incluso, en cualquier momento de la Historia del Rock, es majestuosa.
 Fue escogida para abrir el disco debut de uno de los grupos leyenda de fines de los sesentas, It's A Beautiful Day, el grupazo hermano de Jefferson Airplane, por las cosas en común que tenían sus sonidos y que en varios momentos de su carrera discográfica, superaron con creces a la divina Grace y compañía. uno de esos momentos es precisamente "White Bird", la primera canción de su primer disco.
 En esta gran pieza, están presentes todos los requisitos de una obra maestra, belleza melódica, perfección armónica, largos pasajes "ambientales" llenos de virtuosísmo, letra sencilla, no simple, sencillamente bella y poética, todo dentro de la magia que tenían esas largas piezas del rock sicodélico, sugerentes, relajantes, energizantes, evocadoras y esperanzadoras.

PÁJARO BLANCO

Pájaro blanco
en una jaula dorada
en un día invernal
bajo la lluvia
pájaro blanco
en una jaula dorada
solitario.

Las hojas arrastradas por el viento
cruzan a lo largo del camino negro
desde los cielos oscurecidos
en estado de furia
pero el pájaro blanco
sólo se posa en su jaula
ignorado.

Pájaro blanco, debes volar
o ella morirá.

Pájaro blanco
soñando al álamo
con sus hojas muriendo
volviéndose doradas
pero el pájaro blanco
sólo se posa en su jaula
envejeciendo.

Pájaro blanco, debes volar
o ella morirá.
Pájaro blanco, debes volar
o ella morirá.

El atardecer viene
el atardecer va
las nubes flotan
la tierra se vuelve lenta
y los ojos de los jóvenes pájaros
brillan siempre
y ella debe volar.


WHITE BIRD

White Bird
In a golden cage
On a winter's day
In the rain
White bird
In a golden cage
Alone

The leaves blow
Cross the long black road
To the darkened skies
In it's rage
But the white bird
Just sits in her cage
Unknown.

White bird must fly
Or she will die

White bird
Dreams of the aspen tree
With their dying leaves
Turning gold
But the white bird
Just sits in her cage
Growing old.

White bird must fly
Or she will die
White bird must fly
Or she will die

The sunsets come
The sunsets go
The clouds Float by
And The Earth Turns slow
And the Young Birds Eyes
Do always Glow
And She must fly
She must fly
She must fly

White bird
In a golden cage
On a winter's day
In the rain
White bird
In a golden cage
Alone

White bird must fly
Or she will die
White bird must fly
Or she will die
White bird must fly
Or she will die
White bird must fly.



viernes, 15 de noviembre de 2013

CON LA LUNA. Hombre que mira la Luna.






"HOMBRE QUE MIRA LA LUNA"
Mario Benedetti








HOMBRE QUE MIRA  LA LUNA.
Mario Benedetti.

Es decir la miraba porque ella
se ocultó tras el biombo de nubes
y todo porque muchos amantes de este mundo
le dieron sutilmente el olivo

con su brillo reticente la luna
durante siglos consiguió transformar
el vientre amor en garufa cursilínea
la injusticia terrestre en dolor lapizlázuli

cuando los amantes ricos la miraban
desde sus tedios y sus pabellones
satelizaba de lo lindo y oía
que la luna era un fenómeno cultural

pero si los amantes pobres la contemplaban
desde su ansiedad o desde sus hambrunas
entonces la menguante entornaba los ojos
porque tanta miseria no era para ella

hasta que una noche casualmente de luna
con murciélagos suaves con fantasmas y todo
esos amantes pobres se miraron a dúo
dijeron no va más al carajo selene

se fueron a su cama de sábanas gastadas
con acre olor a sexo deslunado
su camanido de crujiente vaivén
y libres para siempre de la luna lunática
fornicaron al fin como dios manda

o mejor dicho como dios sugiere.


miércoles, 13 de noviembre de 2013

LA CANCIÓN DE UN HOMBRE ENAMORADO. Más que a nadie.



"MÁS QUE A NADIE"
Autores: Luis Cernuda y Joan Manuel Serrat  
Intérprete: Joan Manuel Serrat





Bella canción del barcelonés genial, de esas que lo distinguen como un hombre sensible, de nobles sentimientos y atinado criterio, hasta para elegir un poema que va a musicalizar, en el caso presente, un poema de Luis Cernuda y como otras canciones de esta sección, suena inequívocamente, a la canción de un hombre enamorado, de esas que salen quién sabe de donde, pero dudo que de la razón, de esas que estallan y se salen por los poros.

También es de esas que se antoja robar y dedicar a la mujer amada, porque dice lo que quieres decir, pero nunca vas a poder decirlo como este poeta extraordinario, que dibuja al amor como una fatalidad "...que te quiero y no hay nada que hacer...", o como el estado emocional que te descubre la belleza donde en otras circunstancias no la ves "...con el sol y los cometas...con el viento y la veleta...con el agua luminosa...".

Y por si aún no estás convencido, remata con una declaración absoluta que sólo el que desvaría, el que no sabe lo que dice, el que está perdido en ese estado de gracia insuperable "...que te quiero más que a nadie, más que a nada...".






MÁS QUE A NADIE.

Que te quiero más que a nadie y más que a nada, 
te lo he dicho con mis ojos centinelas, 
te lo he dicho con mis manos que te celan, 
te lo he dicho con mi lengua enamorada. 

Que te quiero más que a cualquier otra cosa 
te lo he dicho con el sol y los cometas, 
te lo he dicho con el viento y la veleta, 
te lo he dicho con el agua luminosa. 

Que te quiero, te quiero, mujer. 
Que te quiero y no hay nada que hacer. 

Que te quiero sobre todas las mujeres, 
te lo he dicho con el pan de cada día, 
te lo he dicho con el miedo y la alegría, 
con el tedio que nos mata y que nos muere. 

Que te quiero como nunca te han querido, 
te lo he dicho recreándome en la suerte, 
más allá de la vida con la muerte, 
más allá del amor con el olvido. 

Que te quiero, te quiero, mujer. 
Que te quiero y no hay nada que hacer. 

Más que a nadie y más que a nada.




jueves, 7 de noviembre de 2013

CANCIÓN LIBRE. Parte del milagro.



PARTE DEL MILAGRO
Autor e intérprete: Alejandro Lerner.







Canción sencilla pero de gran efectividad, con una declaración libertaria rotunda y clara: "nací para ser libre", como el derecho más irreductible, el más básico y la deslumbrante revelación de una verdad.

En el contexto, se abordan dos formas de negación de la libertad: la propia esclavitud que se asume por miedo y las distintas formas de coacción social, Lerner es un experto en esto, piezas con gran energía, melodías atractivas, letras sencillas, siempre muy emotivas y una visión del mundo siempre optimista.











PARTE DEL MILAGRO

Y ya no quiero estar callado, 
anulado, sin voz... ... 
Y ya no quiero ser esclavo del miedo a ser yo. 

Si yo nací para ser libre, 
si yo nací para crecer, 
quiero ser parte del milagro y tener fe.

 
Y ya no quiero que me mientan, ni dar examen de moral. 
Yo quiero ser un ser humano 
y aprender, nada más...



Si yo nací para ser libre, 
si yo nací para crecer, 
quiero ser parte del milagro y tener fe.




http://www.goear.com/listen/3c09889/parte-del-milagro-alejandro-lerner-



martes, 29 de octubre de 2013

LOS DISCOS DE BOWIE. Young Americans.




DAVID BOWIE
"Young Americans"
1975




A Bowie se le acusó de mercenario, comercialista, calculador y perseguidor de billetes cuando salió a la venta "Young Americans", venía de hacer una serie de discos muy personales, honestos, novedosos y en muchos momentos innovadores, cuando tuvo la ocurrencia de hacer un disco empapado hasta la médula de funk, en momentos en que el género tenía un resurgimiento con tintes muy comerciales.

Resulta que estaba nuestro protagonista haciendo gira norteamericana para presentar ante el público estadounidense, su álbum "Diamond Dogs", que era entonces el más reciente y resurgió en su interior, una vieja afición por la música soul-funk, acostumbrado a hacer lo que tenía ganas de hacer, llamó a Tony Visconti, su productor de cabecera y se pusieron a grabar el disco 

Dicen las crónicas de la época, que el disco casi en su totalidad, fue grabado en diez días de Agosto de 1974 y las posteriores sesiones fueron para afinar detalles, mezclar o completar la grabación de alguna canción, lo mismo se dice de la composición de las piezas que fueron creadas por David en corto tiempo.

La ruptura estilística fue contundente, y Bowie baila y nada en aguas hipotéticamente desconocidas como pez en "su agua", crea su propia concepción del funk y hasta encontró un estilo adecuado para cantar, con su característica maleabilidad, pero con una teatralidad exagerada, interpretando la pasión dolida de la música soul desde sus múltiples habilidades histriónicas.

"Fascination" es la joya del disco, febril, con un Bowie apasionado y un impulso potente de los coros ortodoxamente "funk", es una composición de David y Luther Vandross, aún muy joven participando como co autor de la pieza y en los coros de la mayoría de las canciones que Bowie cuidó y potenció como la sustancia "funkera" que le estremecía cada célula desde su más tierna adolescencia.

Hay un "cover" "Across the Universe" con la participación del mismísimo Lennon en guitarra y coros y una pieza estelar, el primer número uno en las listas americanas que alcanzó Bowie, la famosa, estaba destinada a serlo "Fame", compuesta por David, John Lennon y Carlos Alomar, que como siempre, aportaba un porcentaje significativo de la calidad del sonido Bowie, tanto como el extrañado Mike Ronson, aunque con un estilo guitarrístico muy diferente.

"Young Americans" tuvo ventas extraordinarias, fue destrozado por las críticas periodísticas, los seguidores más rígidos del camaleón abjuraron de él y de su obra y a Bowie le importó muy poco, tal vez sabía que con el tiempo sería un clásico rotundo que iría desplegando sus encantos ocultos sin prisa, año tras año, renovándose en el tiempo, como si fuera regrabado cada que fuera necesario.



martes, 22 de octubre de 2013

POESÍA Y MÚSICA. Benedetti - Offenbach.





MARIO BENEDETTI
"Sólo mientras tanto"





ÉSTA ES MI CASA.

No cabe duda. Ésta es mi casa
aquí sucedo, aquí
me engaño inmensamente.
Ésta es mi casa detenida en el tiempo.

Llega el otoño y me defiende,
la primavera y me condena.
Tengo millones de huéspedes
que ríen y comen,
copulan y duermen,
juegan y piensan,
millones de huéspedes que se aburren
y tienen pesadillas y ataques de nervios.

No cabe duda. Ésta es mi casa.
Todos los perros y campanarios
pasan frente a ella.
Pero a mi casa la azotan los rayos
y un día se va a partir en dos.

Y yo no sabré dónde guarecerme
porque todas las puertas dan afuera del mundo. 





SÓLO MIENTRAS TANTO.


Vuelves, día de siempre,
rompiendo el aire justamente donde
el aire había crecido como muros.

Pero nos iluminas brutalmente
y en la sencilla náusea de tu claridad
sabemos cuándo se nos caerán los ojos,
el corazón, la piel de los recuerdos.

Claro, mientras tanto
hay oraciones, hay pétalos, hay ríos,
hay la ternura como un viento húmedo.
Sólo mientras tanto.







JACQUES OFFENBACH
"Belle Nuit, Ô Nuit D'amour"






jueves, 17 de octubre de 2013

CANCIÓN LIBRE. Blues de la Libertad.



BLUES DE LA LIBERTAD
Autor: Carlos A. Solari
Intérprete: Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota



Entre las bandas del Rock Argentino, hay varias de mi agrado y una de esta categoría es Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, mejor conocidos como "Los Redondos", para abreviar e intimar con ellos, los Redondos son una leyenda del Rock platense, por la fidelidad de sus seguidores, por su inquebrantable defensa de la independencia artística y por su estilo inconfundible que no se parece a ninguna otra banda argentina o hispanoparlante en general.

Algo que los caracteriza son sus letras, además de su sonido hard rock y blusero, textos surrealistas y caóticos, pero no carentes de sentido, siempre se sabe con los Redondos, de qué se trata el asunto. El Blues de la Libertad es muy claro, entre esperanza y decepción, muy típico de las letras de Solari, no ser políticamente correctos, no estar en la "corriente principal" cuestionar hasta lo que parece incuestionable.





BLUES DE LA LIBERTAD.

Mi amor, la libertad es fiebre, 
es oración, fastidio y buena suerte 
que esta invitando a zozobrar. 
otra vulgaridad social igual, 

siempre igual, todo igual, todo lo mismo... 



Mi amor, la libertad no es fantástica, 
no es tormenta mental que da el prestigio loco; 
es mar gruesa y oscuridad, 
y el chasquido que quiere proteger 
ese grito que no es todo el grito. 


Mi amor, la libertad es fanática; 
ha visto tanto hermano muerto, 
tanto amigo enloquecido, 
que ya no puede soportar 
la pendejada de que todo es igual, 

siempre igual, todo igual, todo lo mismo... 



Mi amor, la libertad es fiebre, 
es oración, fastidio y buena suerte 
que esta invitando a zozobrar. 
Otra vulgaridad social igual, 
siempre igual, todo igual, todo lo mismo...






domingo, 13 de octubre de 2013

ARTE. Dorotea Tanning.




DOROTHEA TANNING
1910 - 2012




El siglo veinte más que su antecesor, fue el tiempo de la ruptura y continuidad más importante en la historia del arte pictórico, el cuestionamiento a la hegemonía de la concepción clásica del arte, con antecedentes desde la antigüedad griega y romana, hasta entonces se había considerado al arte como una actividad creativa bien reglamentada y fue en el siglo XX, cuando surgieron los movimientos vanguardistas que crearon estéticas alternativas, formas de explicar al universo que iban más allá de la descripción o la representación fiel de las cosas.

El surrealismo es una de estas vanguardias, una de las más influyentes, extendidas y con repercusiones y trascendencia, nacida del dadaísmo y de las ideas revolucionarias de Freud, impactante, extendida a otras manifestaciones artísticas y cuestionada en su carácter revolucionario, Breton, el poeta francés autor del manifiesto surrealista, lo describió así:

"... Automatismo psíquico puro, por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral"

Puede decirse que es una interpretación de la realidad a partir de la experiencia onírica, esa parte del pensamiento que escapa a las reglas de la lógica y la razón, por eso muchos cuadros surrealistas son, no representaciones de la realidad, sino sueños y poseen ese ambiente mágico y fantasioso de ellos.

Dorothea Tanning, nacida en Chicago, acudió a mediados de los años veinte, a una exposición de arte dadaísta y surrealista y después de la experiencia decidió quedarse en ese lugar para convertirse en artista surrealista.

En los años cuarenta, los nazis ocuparon París, Meca del arte vanguardista y los artistas de ideas revolucionarias, fueron perseguidos como suelen hacer los totalitarios que viven aterrorizados por todo lo que sea distinto y libre y los pintores surrealistas, tuvieron que huir, la mayoría se exilió en Estados Unidos, que por supuesto, daba asilo a los perseguidos por Hitler.

Por esta azarosa circunstancia, Tanning conoció a Max Ernst y se convirtió en su seguidora primero y su esposa después y en esa época se afilio al surrealismo, posteriormente experimentó otras perspectivas artísticas y también fue considerada expresionista, de su época surrealista nació "La habitación del amigo" que representa, como muchas otras obras de Tanning, temores convertidos en sueño-pesadillas y que remiten a su infancia.