miércoles, 29 de agosto de 2012

REINAS DEL DOLOR. Edith Piaf.



EDITH PIAF.
1915 - 1963




Las reinas del dolor suelen serlo desde su nacimiento y el de Edith está de novela, fue hija de un acróbata y una cantante callejera, es decir: no familia, no casa, no hogar, puro vacío y estructuras emocionales deleznables, antes de que ella naciera, su padre abandonó a su madre y ésta, sin apoyo ni medios económicos, trató de llegar a un hospital, pero no lo consiguió y la niña Edith Giovanna Gassion, nació en la calle, ¿así o más dramático?

Anetta la pobre y abandonada madre, la dejó con su progenitora, de quien se dice que en vez de darle leche como sus primeros alimentos, le daba vino, según ella para eliminar microbios y en cuanto pudo la entregó al reaparecido padre, quien a su vez, la dejó con la otra abuela, ahora la paterna y ésta última la crió en un ambiente distinguido y altamente educativo: el prostíbulo que poseía, teniendo como institutrices a las empleadas de la susodicha casa de prostitución.

Al finalizar la "Gran Guerra", como se le llamó a la Primera Guerra Mundial, el padre de Edith fue liberado del servicio de las armas y regresó por su hija y a la vida de cantante, actor y acróbata callejero, allí en las calles, la que iba a ser el icono más emblemático de la canción francesa, reveló sus condiciones especiales para el arte de cantar canciones y empezó a llamar la atención, de la calle pasó a los teatros, bares, cafés y otros centros de entretenimiento y no se detuvo hasta ser la gran Edith Piaf (gorrión), que en principio fue un apodo y después se convirtió en nombre.

Como todas estas reinas que nacen bajo el amparo del dolor, tuvo muchos amores desgraciados, perdió al amor de su vida, el boxeador Marcel Cerdan en un accidente y ante el dolor insoportable se volvió adicta a la morfina, sin ser la gran belleza ni el sex symbol de la época, tenía sus encantos que conquistaron a conquistadores como Marlon Brando, Yves Montand, Charles Aznavour y Georges Moustaki, pero nunca superó sus temores e inseguridades y cada nueva relación era un nuevo fracaso.

A fines de la década cincuentera (1959), se presenta el primer aviso de que su salud estaba colapsando, cuando se desplomó en medio de una presentación en NY, en los años siguientes, siguió actuando en un estado cada vez más deplorable de salud, apenas se sostenía en pie y traía en las venas, siempre, importantes cantidades de morfina, hasta que el 11 de Octubre de 1963, terminó sus sufrimientos y se fue de este mundo, con un diagnóstico de cáncer hepático, a los 47 años de edad, pero aparentando 60.

El testimonio de su sufrida vida quedó como legado para el mundo, en sus grabaciones, llenas de emoción, pasión y un terrible e interminable dolor.




jueves, 23 de agosto de 2012

TRES VERSIONES DE UNA CLÁSICA. You Can't Hurry Love.




YOU CAN'T HURRY LOVE.
Autores: Brian Holland, Lamont Dozier y Edward Holland




En 1966 se dió a conocer esta canción, interpretada por The Supremes, escrita y producida en la que en ese tiempo era la fabrica más grande de éxitos musicales en serie y en serio, La Motown que tenía el catálogo más impresionante de artistas negros que le metían con fé al soul, el blues, el R&B y el Funk, todo aderezado con fuertes dosis de gospel, la canción fue un exitazo mundial que no tuvo problemas para llegar a los lugares más altos de las listas de ventas en Estados Unidos, El Reino Unido y muchos países.

Dieciseis años después, volvió a llegar a los primeros lugares de popularidad en la versión de Phil Collins, el cantante británico que fue voz y batería de la fabulosa banda Genesis y que se pintaba solo para cantar como negro la música negra y después cobrar como blanco.

Y hace muy poco, me encontré con esta italiana que es una retro girl y compone y canta como en los sesentas británicos, pero también como los sesentas italianos, es una Mina, Gigiola, Rita y varios etcéteras que grabó esta versión italiana de la clásica "supremista" y que se llama "L'more verra". disfrútenlas, las tres te ponen a bailar y a pensar que el mundo no es tan deprimente como parece.



YOU CAN'T HURRY LOVE.
(B. Holland/L. Dozier/E. Holland, Jr.)


I need love, love
To ease my mind
I need to find, find someone to call mine
But mama said

You can't hurry love
No, you just have to wait
She said love don't come easy
It's a game of give and take

You can't hurry love
No, you just have to wait
You got to trust, give it time
No matter how long it takes

But how many heartaches
Must I stand before I find a love
To let me live again
Right now the only thing
That keeps me hangin' on
When I feel my strength, yeah
It's almost gone
I remember mama said:

You can't hurry love
No, you just have to wait
She said love don't come easy
It's a game of give and take

How long must I wait
How much more can I take
Before loneliness will cause my heart
Heart to break?

No I can't bear to live my life alone
I grow impatient for a love to call my own
But when I feel that I, I can't go on
These precious words keeps me hangin' on
I remember mama said:

You can't hurry love
No, you just have to wait
She said love don't come easy
It's a game of give and take

You can't hurry love
No, you just have to wait
She said trust, give it time
No matter how long it takes

No, love, love, don't come easy
But I keep on waiting
Anticipating for that soft voice
To talk to me at night
For some tender arms
To hold me tight
I keep waiting
I keep on waiting
But it ain't easy
It ain't easy
But mama said:

You can't hurry love
No, you just have to wait
She said to trust, give it time
No matter how long it takes

You can't hurry love
No, you just have to wait
She said love don't come easy
It's a game of give and take 





martes, 21 de agosto de 2012

MURIÓ EL CANTOR DEL VERANO DEL AMOR.




MURIÓ EL QUE LE CANTÓ AL VERANO DEL AMOR





Ayer falleció Scott McKenzie, el hombre que se hizo famoso con una sola canción, había estado en varios grupos sin que tuvieran un mínimo de éxito y no pasaba de ser un cantante del montón, hasta que se reencontró con John Phillips, el que se hizo famoso en The Mama's and Papa's, se conocían porque sus padres eran amigos y porque habían estado antes en un grupo musical, entonces Phillips, compuso la inmortal canción y produjo su grabación, que ni siquiera era de todo un LP, era solo un extender.

Esto sucedió en 1967, año en el que llegó a su apogeo el movimiento hippie, el flower power y estaba a punto de darse el famoso "verano del amor", cuando se concentraron en San Francisco la mayor cantidad de adeptos al "jipismo" en un festival de música y se creó una macro comuna, donde el sueño hippie de vivir en paz, amor y armonía, pareció más posible que nunca.

Para cuando esto sucedió, ya se había grabado la canción y rápidamente se convirtió en el himno del movimiento, también fue usada para promover el famoso Monterey Pop Festival y desde entonces es la canción más emblemática de la gran utopía jipiosa.


SAN FRANCISCO.

Si tú vas a San Francisco
asegúrate de usar flores en el pelo
si tú vas a San Francisco
te vas a encontrar con mucha gente amable allí.

Para aquellos que vengan a San Francisco 
allí habrá un verano de amor
en las calles de San Francisco
gente amable con flores en el pelo

A través de la nación como una vibración extraña
gente en movimiento
hay toda una generación con una nueva explicación
gente en  movimiento, gente en movimiento.


Para aquellos que vengan a San Francisco 
asegúrense de usar flores en el pelo
si tú vienes a San Francisco
allí habrá un verano de amor.



SAN FRANCISCO.

If you're going to San Francisco
Be sure to wear some flowers in your hair
If you're going to San Francisco
You're gonna meet some gentle people there

For those who come to San Francisco
Summertime will be a love-in there
In the streets of San Francisco
Gentle people with flowers in their hair

All across the nation such a strange vibration
People in motion
There's a whole generation with a new explanation
People in motion people in motion

For those who come to San Francisco
Be sure to wear some flowers in your hair
If you come to San Francisco
Summertime will be a love-in there

If you come to San Francisco
Summertime will be a love-in there


sábado, 18 de agosto de 2012

Poesía y Música. Sabines / Zilber-Manor-Cohen.






LOS AMOROSOS
(Jaime Sabines)



Los amorosos callan. 
El amor es el silencio más fino, 
el más tembloroso, el más insoportable. 
Los amorosos buscan, 
los amorosos son los que abandonan, 
son los que cambian, los que olvidan. 
Su corazón les dice que nunca han de encontrar, 
no encuentran, buscan. 

Los amorosos andan como locos 

porque están solos, solos, solos, 
entregándose, dándose a cada rato, 
llorando porque no salvan al amor. 
Les preocupa el amor. Los amorosos 
viven al día, no pueden hacer más, no saben. 
Siempre se están yendo, 
siempre, hacia alguna parte. 
Esperan, 
no esperan nada, pero esperan. 
Saben que nunca han de encontrar. 
El amor es la prórroga perpetua, 
siempre el paso siguiente, el otro, el otro. 
Los amorosos son los insaciables, 
los que siempre -¡que bueno!- han de estar solos. 

Los amorosos son la hidra del cuento. 

Tienen serpientes en lugar de brazos. 
Las venas del cuello se les hinchan 
también como serpientes para asfixiarlos. 
Los amorosos no pueden dormir 
porque si se duermen se los comen los gusanos. 

En la oscuridad abren los ojos 

y les cae en ellos el espanto. 

Encuentran alacranes bajo la sábana 

y su cama flota como sobre un lago. 

Los amorosos son locos, sólo locos, 

sin Dios y sin diablo. 

Los amorosos salen de sus cuevas 

temblorosos, hambrientos, 
a cazar fantasmas. 
Se ríen de las gentes que lo saben todo, 
de las que aman a perpetuidad, verídicamente, 
de las que creen en el amor como una lámpara de inagotable aceite. 

Los amorosos juegan a coger el agua, 

a tatuar el humo, a no irse. 
Juegan el largo, el triste juego del amor. 
Nadie ha de resignarse. 
Dicen que nadie ha de resignarse. 
Los amorosos se avergüenzan de toda conformación. 

Vacíos, pero vacíos de una a otra costilla, 

la muerte les fermenta detrás de los ojos, 
y ellos caminan, lloran hasta la madrugada 
en que trenes y gallos se despiden dolorosamente. 

Les llega a veces un olor a tierra recién nacida, 

a mujeres que duermen con la mano en el sexo, 
complacidas, 
a arroyos de agua tierna y a cocinas. 
Los amorosos se ponen a cantar entre labios 
una canción no aprendida, 
y se van llorando, llorando, 
la hermosa vida.









AGADA YAPANIT
Autores: (Ariel Zilber-Ehud Manor)
Intérprete: Anat Cohen



viernes, 17 de agosto de 2012

CORAZONADAS.

Tu corazón, ya terciopelo ajado,
llama a un campo de almendras espumosas
mi avariciosa voz de enamorado.*









*Tomado de "Elegía", poema de Miguel Hernández.


miércoles, 15 de agosto de 2012

Historias de México. El Conejo y la Luna.


MITOS ANCESTRALES: EL CONEJO EN LA LUNA.



Cuando vemos la Luna llena, los relieves de la superficie lunar crean sombras que los humanos que desde épocas milenarias las observamos, imaginamos diversas figuras: unos dicen que se ve a una anciana que carga un haz de leña, otros que una cara regordeta y muchos individuos y pueblos han visto a un conejo, nuestros antepasados de la vasta Mesoamérica también lo vieron y crearon un mito maravilloso, que no solo explica la presencia del conejo en la cara visible de la Luna, sino toda una cosmovisión acerca de la creación del Universo.

La historia comienza cuando el mundo estaba en tinieblas y hubo una reunión urgente y extraordinaria de todos los dioses en Teotihuacan para tomar una decisión fundamental ¿quién y cómo se va a iluminar al mundo?, Tecuziztécatl, un dios apuesto y rico (hasta en el ámbito divino hay clases sociales) se ofreció para la misión, pero el consejo de dioses quería que no fuera solo, sino que algún otro dios lo acompañara, se le hizo la propuesta a varios, pero se excusaban y le sacaban a la responsabilidad, entonces llegaron a Nanahuatzin (el buboso), un dios feo, pobre y enfermo que estaba lleno de bubas o tumores en todo el cuerpo, éste aceptó y pasaron a decidir el método para la iluminación.

Y fueron a la C.F.E., pero como el trámite era muy engorroso y tardaba demasiado, decidieron hacerlo más fácil y por su cuenta: primero permanecieron cuatro días en penitencia, perforándose distintas partes del cuerpo, Tecuziztécatl, con puntas de piedras preciosas y Nanahuatzin con puntas de maguey, al tiempo que entregaban ofrendas a lo divino para facilitar el trámite, el primero, plumas preciosas y bolas de filamento de oro, además de resinas finas para quemarse y producir deliciosos aromas, el segundo, manojos de cañas verdes y bolas de heno.

Terminada la penitencia, se encendió una gran hoguera que fue alimentada durante otros cuatro días y al término de ellos, se pusieron los dos sacrificados frente a la hoguera a la que debían lanzarse, Tecuziztécatl por su posición social, tuvo el honor de lanzarse primero, pero a la hora de la hora, tuvo miedo y de cuatro veces que hizo intento de lanzarse, cuatro veces se rajó y puesto que el reglamento de competencia no permitía un quinto intento, quedó descalificado.

Entonces vino el turno para el dios buboso, quien sin dudar, cerró los ojos y se lanzó al primer intento, el dios rico avergonzado por el ejemplo, se lanzó también y ambos fueron consumidos por las llamas, después los demás dioses se sentaron a esperar la salida del Sol, mientra hacían apuestas sobre la dirección en que aparecería el astro rey, de pronto y por el oriente apareció Nanahuatzin convertido en un astro brillante y cegador, poco tiempo después también apareció Tecuziztécatl, convertido en la Luna, con igual brillo y esplendor.

Entonces los dioses pensaron que no podía haber dos astros con brillo idéntico y decidieron atenuar la luminosidad de la Luna, tomaron un conejo y lo arrojaron a la cara de la Luna para opacarla y allí quedó la figura del animal, marcada para la eternidad.




lunes, 13 de agosto de 2012

MUJERES DIVINAS. Marisa Monte.



MARISA MONTE.




La clausura de los Juegos Olímpicos me resultó demasiado barroca, atiborrada y empalagosa, esperaba de los ingleses algo más sobrio y serio, en realidad parecía una clausura planeada y llevada a cabo "a la gringa", así que la estaba viendo con poco entusiasmo, hasta que se acabó el desfile de nuevas y viejas glorias de la música británica y llegó la refrescante intromisión de la samba y la sonoridad única de los brasileños, pero mi despertar del sopor se volvió entusiasmo cuando apareció la divina Marisa Monte, la cantante amazónica más importante de los años noventas para acá, lugar que se ha ganado a pulmón, delicadeza y una voz de esas que no solo producen sensaciones auditivas, sino que cuando se escucha, hasta la piel se siente estimulada.


Yo la conocí, por medio de este video que forma parte del concierto "desenchufado" que Julieta Venegas hizo para MTV, ni sabía que existía esta artista singular y al escucharla se movieron muchos sentimientos dentro de mí, desde entonces soy su fan incondicional y cazador de sus grabaciones, escucha querido lector la canción que me conmovió, como hacia mucho no me conmovía una canción.






Marisa nació en Rio de Janeiro en 1967 y desde muy joven tuvo la idea de convertirse en cantante de ópera y hacia allá dirigió sus primeros estudios musicales, en 1985, emigró a Italia para continuar sus estudios de canto, pero la atracción que sobre ella tenía la música de su tierra, la hizo decidirse por emprender una carrera de cantante básicamente brasileña, que canta como brasileña, canciones brasileñas, pero que también combina la tradición con la experimentación y la localidad con la globalidad.

En 1989, grabó su primer disco de siete que ha grabado como solista y uno que salió con el nombre de "Tribalistas", con Arnaldo Antunes y Carlinhos Brown, en sus grabaciones y otros proyectos, han participado muchos de los mejores músicos brasileños y de otros países, ha trabajado en sus discos o como invitada con: Ryuchi Sakamoto, John Zorn, David Byrne, Laurie Anderson, Devendra Banhart y Julieta Venegas y con sus paisanos: Gilberto Gil, Paulinho da Viola, Nando Reis, Marcelo Yuca y Se Jorge.

Otra cosa que resulta muy atractiva es que Marisa, suele incursionar en diversos géneros: rock, jazz, funk, blues, soul, bossa nova y samba, moviéndose como pez en el agua, sin importar el género y su voz siempre luce imponente, me hace pensar en la gran italiana Mina, otra dive de voz maravillosa que sabe ir de un género a otro con soltura y naturalidad.

Y así es que, como en la clausura, pocos se dieron cuenta de la presencia de Marisa y ni la prensa la menciona, su fan tecleador de este blog, la resalta y presenta a los lectores que no la conocen.



sábado, 11 de agosto de 2012

CANCIONES FAVORITAS. It's all over now baby Blue.




"It's All Over Now, Baby Blue".

Autor: Bob Dylan

Intérprete: Bob Dylan




  
Primera parte de la trilogía con que inicia el "Dylan Eléctrico", alejado un tanto del folk y acercándose al rock, éste primer disco roquero y eléctico, muestra a un Dylan ya instalado cómodamente en su nuevo estilo, su característica exhuberancia lingüística se desarrolla sin trabas ni contatiempos, sus historias terrenales y sus referencias celestiales, se vuelven más enfáticas en el acentuado ritmo del rock.

En "Bringing  it all...se puede encontrar a una de las mejores colecciones de canciones de calidad, que fueron exitosas, que se volvieron clásicas y que por sus temáticas resultan entrañables, las letras con su dosis de surrealismo, rebeldía, misticismo y delirante poesía, han sido pocas veces superadas en otros discos de Dylan, con tal profusión

"It's All Over Now Baby Blue", es un antecedente de la más famosa de todas "Like A Rolling Stone", con el mismo tema: la separación, el fin de la relación, la pasada de la cuenta, y la enorme nostalgia de lo pasado, hay un sentimiento de catástrofe y de infinita tristeza retratada entre letras y escenas de extremo surrealismo, parábolas que dicen y no dicen, al final de cada escena: la lapidaria: "y ya todo se acabo, niña triste", inseparables premisas que son causa y efecto, ésta canción de Dylan ha causado tal impacto a lo largo del tiempo, que es una de las más versionadas, lo que es mucho decir en el caso de Mr. Zimmerman, una que me gusta y recomiendo es la de Dave's True Story.




TODO HA TERMINADO, NIÑA TRISTE.

Debes irte, toma lo que necesitas, lo que pienses que te durará

Pero agarra pronto aquellas cosas que quieres conservar
allá está tu huérfano con su arma
llorando como un fuego en el sol,
ten cuidado, que los santos han logrado llegar,
y todo ha terminado, niña triste.

La carretera está hecha para vagos, mejor usa tus sentidos,
llévate todo lo que por coincidencia has acumulado,
el pintor de tus calles con las manos vacías
dibuja extrañas figuras en tus sábanas,
incluso el cielo se dobla bajo tus pies,
y todo ha terminado, niña triste.

Todos tus mareados marineros reman de vuelta a casa,
todos tus ejércitos desarmados se retiran a su hogar,
el amante que acaba de salir
ha recogido todas sus mantas del suelo,
incluso el tapete se mueve bajo tus pies,
y todo ha terminado, niña triste.

Deja atrás tus apoyos, algo te está llamando,
olvida los muertos que has dejado, ellos no te seguirán,
el vagabundo que llama a tu puerta
está vestido con la ropa que tú algún día usaste,
prende otro cerillo, ve y empieza de nuevo,
y todo ha terminado, niña triste.




IT'S ALL OVER NOW, BABY BLUE.

You must leave now, take what you need, you think will last.
But whatever you wish to keep, you better grab it fast.
Yonder stands your orphan with his gun,
Crying like a fire in the sun.
Look out the saints are comin' through
And it's all over now, Baby Blue.

The highway is for gamblers, better use your sense.
Take what you have gathered from coincidence.
The empty-handed painter from your streets
Is drawing crazy patterns on your sheets.
This sky, too, is folding under you
And it's all over now, Baby Blue.

All your seasick sailors, they are rowing home.
All your reindeer armies, are all going home.
The lover who just walked out your door
Has taken all his blankets from the floor.
The carpet, too, is moving under you
And it's all over now, Baby Blue.

Leave your stepping stones behind, something calls for you.
Forget the dead you've left, they will not follow you.
The vagabond who's rapping at your door
Is standing in the clothes that you once wore.
Strike another match, go start anew
and it's all over now, Baby Blue.


viernes, 10 de agosto de 2012

LUNÁTICOS.



Voy por tu frente como por la luna,
como la nube por tu pensamiento,
voy por tu vientre como por tus sueños.*








*Tomado de "Piedra de sol", poema de Octavio Paz.


miércoles, 8 de agosto de 2012

MÚSICA SINFÓNICA MEXICANA. Suite Huasteca / Suite Tarasca.




JESÚS ECHEVARRÍA Y CUARTETO RUSO - AMERICANO
"Suite Huasteca / Suite Tarasca"
2002







Hace poco comentamos en este espacio, el gusto que nos daba la edición en CD de los dos discos de On' ta (Tharsis Records 2010), que originalmente se editaron en 1976 y 1979 y calificábamos el hecho como "acto de justicia" para este trío formado por Marisa Echevarría, Jorge Jufresa y Jesús Echevarría, que mezclaban el folclor mexicano y latinoamericano con músicas no tan tradicionales (rock, jazz y música de cámara) y complementaban con letras y temáticas poco comunes en la canción popular mexicana.

Ya he encontrado en el ciberespacio distintas referencias a este grupo que nos llenó el oído a muchos melómanos inconformes con lo que había al alcance de todo mundo y buscábamos bajo la tierra propuestas distintas, no ha pasado mucho tiempo desde que me topé con esa agradable sorpresa y ya apareció otra (al menos para mí), acabo de encontrar este disco de 2002 que es música compuesta por Jesús Echevarría ex miembro del On' ta y que consiste en música compuesta para grupos de los llamados "de cámara", pequeños grupos que no llegan a la decena y muy a menudo son cuartetos de cuerdas, con la novedad de que esta música está basada en el son huasteco y la música tarasca.

La ejecución de las dos suites, está a cargo del Cuarteto Ruso-Americano y el propio Echavarría quien toca jarana que es el instrumento que marca los ritmos de son, fandango y otros de corte folclórico, mientras que el cuarteto formado por Oleg Gouk, violín; Beata Kukawska, violín; Mikhail Gourfinkel, viola y Alain Durbecq, violonchelo, aportan la parte cameral.

Para la composición de las dos suites, Echavarría, llevó a cabo una importante investigación etnomusical, además de sus estudios de composición y de diversos instrumentos folclóricos y sinfónicos que alterna con su labor docente y de difusión musical.



martes, 7 de agosto de 2012

CANCIÓN ENAMORADA. Lucía.




LUCÍA
Autor: Joan Manuel Serrat
Intérprete: Joan manuel Serrat






A Serrat se le dan las canciones amorosas porque es un compositor amoroso, ha escrito canciones de amor al barrio, a los amigos, a sus amigos, a su ciudad, a su tío, al viento, al mar y hasta a su perro, entre muchos otros objetos amorosos y por supuesto que tiene canciones "de amor", dedicadas a una persona amada, como se entiende el término "canción amorosa".

"Paraules d'amor", es el ejemplo más citado, pero hay muchas de gran calidad y belleza, además de que algunas de ellas también nos son entrañables, porque son parte del soundtrack de nuestras vidas, a mí me gustan: "Cuando me vaya", "La mujer que yo quiero", "Amigo mío", "De cartón piedra", "Piel de manzana", "No hago otra cosa que pensar en tí" y muchas más, pero mi favorita serratiana que tiene temática enamorada, no de la vida ni del amor sino de alguien concreto, real y posible, es "Lucía.

Lucía es una de esas canciones que sólo se pueden escribir si se está perdidamente enamorado, de otro modo ni la más fina inspiración provocada por otro estado de ánimo, puede tejer ideas, versos e imágenes tan plenas de luz y exaltación, en Lucía hay versos tan bellos y rotundos como este que es de los más agraciados, inspirados y bellos que haya escrito un hombre que se caracteriza por escribir versos con esas características: "Si alguna vez fuí un ave de paso, / lo olvidé pa´anidar en tus brazos, / si alguna vez fuí bello y fuí bueno, / fue enredado en tu cuello y tus senos, / si alguna vez fuí sabio en amores, / lo aprendí de tus labios cantores."

Y esta es solo una muestra, pero toda la canción tiene versos y manejo de las palabras con esa magia que hace que al escucharlos algo se mueva, algo se rompa, algo se recuerde o algo se desborde y no sea posible escucharlos o leerlos con indiferencia.



Vuela esta canciónpara ti, Lucía.La más bella historia de amorque tuve y tendré.Es una carta de amorque se lleva el vientopintado en mi voza ninguna partea ningún buzón.
No hay nada más belloque lo que nunca he tenido.Nada más amadoque lo que perdí.Perdóname sihoy busco en la arenauna luna llena quearañaba el mar.
Si alguna vez fui un ave de paso,lo olvidé para anidar en tus brazos.Si alguna vez fui bello y fui bueno,fue enredado en tu cuello y tus senos.Si alguna vez fui sabio en amores,lo aprendí de tus labios cantores.Si alguna vez amé.Si algún díadespués de amar, amé,fue por tu amor, Lucía.Lucía...
Tus recuerdos soncada día más dulces.El olvido sólose llevó la mitad,y tu sombra aúnse acuesta en mi camacon la oscuridad,entre mi almohaday mi soledad.


lunes, 6 de agosto de 2012

MURIÓ CHAVELA VARGAS.


MURIÓ CHAVELA VARGAS



Ayer domingo 5 de Agosto, murió la legendaria Chavela Vargas, quien era una de las cantantes de música ranchera más importantes desde los años treintas en que empezó su carrera profesional, apadrinada ni más ni menos que por José Alfredo Jiménez, con quien mantuvo una gran amistad hasta la muerte del más importante compositor de canciones vernáculas mexicanas.

Chavela no nació en México (era costarricence), pero emigró a nuestro país a los 14 años, buscando oportunidades de hacerse cantante profesional, pues en su país natal escaseaban dichas oportunidades, ya en tierras mexicanas cantó en las calles hasta que llegó su oportunidad de grabar un disco que fue la revelación de una cantante fuera de serie, de apariencia "marimacha", con ropa de hombre, pistola al cinto y voz agresiva, rasposa y ronca, toda una provocación a la conservadora moral de la sociedad mexicana de la primera mitad del siglo.

Desde entonces su vida fue un continuo escándalo exitoso, escandalizaba al público con sus actitudes varoniles, al tiempo que lo conquistaba con el increíble sentimiento que comunicaba su voz que encontró en la música ranchera mexicana su mejor expresión, fue amiga de parrandas de Frida y Diego y por supuesto de José Alfredo, fue Chavela la que reveló el acontecimiento que, dió origen al famoso corrido del "Caballo Blanco", que en realidad era un auto en el que ya muy ebrios, los dos protagonistas y otros compañeros de parranda, se fueron hacia el norte hasta que el auto no pudo dar más.

Alcohólica y cansada, se retiró en los años setentas para luchar contra su enfermedad, refugiándose en Tepoztlán o alguno de esos pueblos famosos que hoy son certificados como "mágicos", en los años noventa, regreso a los foros invitada por las famosas regenteadoras del sitio de perdición llamado "El Hábito" y casi junto con está resurrección por conducto de Jesusa Rodríguez  y Liliana Felipe (otras escandalizadoras profesionales), el famoso director de cine español Pedro Almodóvar (un loco más, adicto al escándalo), volvió al cine e hizo muchas giras por la península ibérica, donde los viejos la recordaron y los jóvenes la conocieron.

A la sombra de esa resurrección, volvió a grabar discos, aunque ya con la voz muy mermada y fue objeto de muchos homenajes, que afortunadamente se dieron cuando estaba viva y pudo disfrutarlos, a partir de hoy y seguramente durante toda la semana o todo el mes, será homenajeada post mortem y ya ni Almodóvar la va a resucitar, ¡descanse en paz Chavela la grande!, después de 93 años de agitada y sufrida vida y que me perdone Lola por plagiarle el apelativo.



sábado, 4 de agosto de 2012

TRES FAMOSAS ÓPERAS ROCK.


TRES ÓPERAS-ROCK FAMOSAS
Tommy, Jesus Christ Superstar y S.F.Sorrow
1969, 1970 y 1968





El rock empezó siendo una música pop, entendiéndose con esto que era una moda, un producto comercial, con destinatario concreto que eran los adolescentes y de extrema sencillez musical y lírica, apelando a una fórmula de probada eficacia. pero también poseía una semilla de rebeldía contestataria cuando mezclaba géneros blancos y negros, atacando al status racista y cuestionando la moral, las costumbres y el conformismo de las sociedades desarrolladas.


Y fue esa semilla de rebeldía, la que lo proyectó como fenómeno social y cultural, aún vivo casi 60 años después de su nacimiento, el rock está a punto de ser sexagenario, gracias a su capacidad para estirarse, transformarse, reinventarse y experimentar con audacia mezclándose con cualquier género musical que se le ponga enfrente.

Una de estas audacias trascendentes ha sido, crear obras "rockeras", con la intención y la estructura de las óperas, llamadas por eso "óperas rock" y que a menudo se confunden con los "albums conceptuales" que se parecen pero no son lo mismo, la diferencia radica en que los discos conceptuales contienen  una serie de canciones que van desarrollando un mismo tema o que en su secuencia van narrando una historia con sus personajes, situaciones, tramas y desenlace, pero contadas en primera o tercera persona por un solo narrador.

En cambio las "rocóperas", narran también una historia, pero a través de diálogos o monólogos, donde los diversos personajes, cantan y actúan sus partes alternadamente, tal cual como en la ópera, pero a ritmo de rock y con instrumentos propios del rock. La primera de estas híbridas creaciones que tuvo resonancia mundial, fue un gran acontecimiento para el mundo del rock y por mucho tiempo fue considerada la pionera del género, fue "Tommy" (1969) de Pete Townshend, interpretada por su banda The Who y relata la historia de Tommy, el niño que por un suceso traumático se vuelve ciego sordo y mudo y posteriormente al ser curado, se transforma en una especie de gurú o líder carismático.


Townshend se da gusto mezclando cuentos, leyendas y lugares comunes ya visitados, para crear su alucinada historia que musicalmente es extraordinaria, pero que revela que Pete, el hombre hábil para textos destinados a canciones sueltas, se pierde cuando trata de armar una historia de formato largo, "Tommy" tuvo tal éxito que, fue llevada al cine por Ken Russell en 1975 y las canciones que lo conforman se convirtieron en clásicas del repertorio de The Who, infaliblemente tocadas en sus presentaciones de los setentas en adelante.

En 1970, se editó "Jesus Christ Superstar" de Tim Rice y Andrew Loyd Webber, los creadores de óperas rock en el sentido estricto, con una gran cantidad de músicos y cantantes para cada uno de los personajes, además de coros, overtura inicial y toda la estructura de una ópera, para su grabación, contaron con una buena cantidad de los mejores músicos británicos del momento y los papeles principales se encomendaron a Ian Gillan (Jesus), Murray Head (Judas) e Yvonne Elliman (Magdalena).

Pero el mérito de haber sido los creadores de la primera ópera rock de la historia, les corresponde a The Pretty Things, grupo londinense poco conocido fuera de Gran Bretaña que hizo discos de calidad inmensa, pero que por circunstancias extrañas, nunca alcanzaron la fama y reconocimiento de críticos y público y sólo después de varias décadas empezaron a ser reivindicados, la citada primera "rocópera" fue S.F.Sorrow (1968) reeditada recientemente, esta obra, al igual que Tommy, se grabó con lo que tenía el grupo, sin invitados y haciendo en muchos casos, dobles o triples papeles cada miembro de la banda.