jueves, 30 de mayo de 2019

DISCOS. Glenn Gould Suona Bach.




GLENN GOULD TOCA A BACH
GLENN GOULD
2016





Gould es considerado el gran intérprete de Bach, por su amor a la música de este autor y además porque a partir de la nueva visión de la obra de J.S. que mostró con su forma revolucionaria de abordarla, inauguró una escuela Bachgouliana que dejó constancia en sus grabaciones, tanto las primeras como aquellas que realizó, ya retirado de los conciertos, en su laboratorio musical que eran los estudios de grabación.

Esta reedición italiana de 2016 incluye todas las grabaciones de Bach que hizo en la vida, empezando por las muy célebres Variaciones Goldberg de 1956, que fueron el gran acontecimiento musical, porque Gould grabó una obra muy versionada por los grades pianistas pero siempre respetando la forma ortodoxa y el artista canadiense retó a la tradición con la hoy sacralizada grabación con la que inició su carrera discográfica.






Este primer registro se complementa con aquellas grabaciones que hizo sin la premura del tiempo y la presión de los conciertos, cuando dedicaba todo su tiempo y concentración a grabar cada disco nuevo, en estas grabaciones echó mano de la tecnología existente como hacer varias tomas que en algunos casos no eran del todo satisfactorias para Glenn y de las que tomó las partes mejores y las unió en la edición, creando versiones musicales casi perfectas, que en las salas de concierto eran imposibles, para el genio del piano era vital una interpretación perfecta sin importar si esta sólo se lograba en un estudio.

No está incluida la segunda grabación de las Variaciones (1968) pero al parecer es la única ausencia en esta retrospectiva bachiana para que no le falte nada al fanático de Bach o al melómano que no es capaz de resistir tentaciones como estas.

domingo, 26 de mayo de 2019

Vida y arte de Glenn Gould.



 
¨Vida y Arte de Glenn Gould¨
Kevin Bazzana (2003)



  


¨Kevin  Bazzana tiene el mérito de haber escrito la biografía, insuperable hasta hoy del genial pianista canadiense que asombró al mundo entero, aquel que un día fue elogiado por un director de orquesta europeo, de cuyo nombre sí quiero acordarme pero no puedo, diciendo palabras más, palabras menos...Impensable que un joven canadiense viniera a enseñarnos como se toca a Bach¨

La minuciosidad de Bazzana es una de las cualidades de la investigación y de la obra, que va de la ambientación en el Toronto de la infancia de Gould; su niñez y el papel de sus padres en ella y su vida adulta; sus manías tan celebradas o repudiadas; su desparpajada y heterodoxa forma de tocar; sus gustos musicales; su erudición musical que lo llevó a ser un conferencista extraordinario; su corta vida como concertista; su dedicación obsesiva a las grabaciones; sus cualidades de músico de otro mundo; su papel de revolucionario intérprete de Bach;  sus enfermedades y su temprana muerte.

Hijo único de una maestra de piano y un empresario peletero, quien también era músico amateur, fue un estudiante medio que empezó a tocar el piano desde niño, siendo como estudiante de música muy destacado e incluso insuperable, su único maestro de piano, además de su madre, fue muy pronto superado por el alumno y desde entonces, fue autodidacta, no sólo por el celo para practicar muchas horas al día, sino por ser un estudioso obsesivo de las partituras elegidas por él para ser interpretadas.

Y así fue como, el estudioso de la obra de sus músicos favoritos y sus partituras, se convirtió en el controversial intérprete de Bach que ¨enseño¨ una forma diferente de abordar al maestro, quien por siglos fue tocado de una única manera que era para muchos ¨la correcta¨, de modo, que sus interpretaciones fueron en un principio rechazada por los puristas y convertidas con el tiempo, en audiciones y grabaciones veneradas por los oyentes de mente más abierta.

Otro aspecto abordado ampliamente por Bazzana es el de sus gustos musicales, casi exclusivos de la música ¨culta¨ y aún más, no de toda la música sinfónica, decía odiar al romanticismo, al tiempo que idolatraba y enaltecía a Schönberg, como buen provocador iconoclasta hacía declaraciones del tipo de ...adoro a Petula Clark y aborrezco a Los Beatles que son insoportables...

Hasta en los escenarios más exclusivos se presentaba siempre con abrigo, bufanda y guantes, con su desvencijada silla, fabricada por su padre y diseñada por Gould, tocaba exageradamente encorvado con la nariz casi pegada al teclado, tocando con una mano mientras la otra dirigía como director de orquesta y tarareando mientras tocaba, y por supuesto que en los conciertos y ¡las grabaciones! se escucha el murmullo de su canturreo.

Después de una corta carrera de concertista, sólo hasta que obtuvo reconocimiento universal, empezó a rechazar contratos e incluso a suspender los ya concertados, con las pérdidas económicas consecuentes, hasta que se retiro totalmente de las presentaciones en vivo, rechazando conciertos de ¡un millón de dólares!, porque odiaba los conciertos y al público patético y falso que asistía, en su retiro se dedicó a las grabaciones de estudio que no eran como las que había hecho bajo la dirección y producción de las disqueras, sino a unas hechas con un espíritu de perfección exasperante, nadie era capaz de contemplar tantos detalles, aspectos e innovaciones tecnológicas para la grabación de sus discos.

Así era el genio, esto y una gran cantidad de información forma esta obra indispensable para fans de Gould, melómanos de cualquier filiación y hasta para adictos a las biografías, Publicada por Turner y en nustro idioma.



jueves, 12 de abril de 2018

CANCIONES FAVORITAS. Ara que tinc vint anys.




JOAN MANUEL SERRAT
"Ara que tinc vint anys"
1966





Es una canción de 1966 con más de cincuenta años de haber sido creada, "Ahora que tengo veinte años" es una clásica de la canciografía serratiana y de sus años veinte cuando a los veintitrés cantaba a la juventud y a las posibilidades infinitas que da esa edad.

Con la sensibilidad de siempre y la mirada aguda que ve los detalles más ocultos pero más significativos, el arte serratiano fue siempre un arte humanista, descubriendo los sentimientos más nobles, los que contradicen la idea de la maldad congénita humana, los que estremecen hasta al más duro, bueno, eso quisiera creer, en un mundo que a los veinte años creí posible de arreglar  y que ahora, cuarenta años después aún creo redimible.

Con esa facilidad para resaltar las cosas bellas del hombre y la naturaleza, el joven Serrat, ya hecho un maestro cancionero, dejó para la posteridad esta joya que el tiempo no borra ni supera, tal vez porque la belleza no muere y mientras haya artistas sensibles y amantes, va a sobrevivir.


Ara que tinc vint anys

Ara que tinc vint anys,
ara que encara tinc força,
que no tinc l'ànima morta,
i em sento bullir la sang.

Ara que em sento capaç
de cantar si un altre canta.
Avui que encara tinc veu
i encara puc creure en déus (Déu)...

Vull cantar a les pedres, la terra, l'aigua,
al blat i al camí, que vaig trepitjant.
A la nit, al cel, a aquest mar tan nostre,
i al vent que al matí ve a besar-me el rostre.

Vull alçar la veu, per una tempesta,
per un raig de sol,
o pel rossinyol
que ha de cantar al vespre.

Ara que tinc vint anys,
ara que encara tinc força,
que no tinc l'ànima morta,
i em sento bullir la sang.

Ara que tinc vint anys,
avui que el cor se m'embala,
per un moment d'estimar,
o en veure un infant plorar...

Vull cantar a l'amor. Al primer. Al darrer.
Al que et fa patir. Al que vius un dia.
Vull plorar amb aquells que es troben tots sols,
sense cap amor van passant pel món.

Vull alçar la veu, per cantar als homes
que han nascut dempeus,
que viuen dempeus,
i que dempeus moren.

Vull i vull i vull cantar.
Avui que encara tinc veu.
Qui sap si podré demà.

Però avui només tinc vint anys.
Avui encara tinc força,
i no tinc l'ànima morta,



Ahora que tengo veinte años.*

Ahora que tengo veinte años
ahora que aún tengo fuerza
que no tengo el alma muerta
y me siento hervir la sangre

Ahora que me siento capaz
de cantar si otro canta
hoy que aún tengo voz
y aún puedo creer en dioses.

Quiero cantar a las piedras, a la tierra, al agua
al trigo y al camino que voy pisando
a la noche, al cielo, a este mar tan nuestro
y al viento que por la mañana viene a besarme el rostro.

Quiero alzar la voz por una tempestad, por un rayo de sol,
o por un ruiseñor que ha de cantar al atardecer
 
Ahora que tengo veinte años
ahora que aún tengo fuerza
que no tengo el alma muerta
y me siento hervir la sangre

Ahora que tengo veinte años
hoy que el corazón se me dispara
por un instante de amar
o al ver a un niño llorar.

Quiero cantar al amor
al primero, al último
al que te hace padecer
al que vives un día.

Quiero llorar con aquellos que se encuentran solos
y sin amor van pasando por el mundo
quiero alzar la voz para cantar a los hombres
que han nacido de pie,
que viven de pie, 
y que de pie mueren.

Quiero y quiero y quiero cantar
hoy que aún tengo voz
quién sabe si podré mañana 
pero hoy sólo tengo veinte años
hoy aún tengo fuerza
y no tengo el alma muerta
y me siento hervir la sangre.

*Traducción tomada de "Cancionero Serrat" Editorial Aguilar. Madrid 2000.  

 

sábado, 7 de abril de 2018

Cecil Taylor. Adiós Cecil y gracias.



CECIL TAYLOR
(Se fue un genio)
1929-2018





Si un científico descubre o inventa algo que nadie había hecho antes, es considerado un genio, un benefactor de la humanidad o un ser especial y extraordinario, Si un músico crea una forma de música que a nadie se le había ocurrido y esa música nueva suena a creación de otra galaxia y por lo tanto incomprensible para los humanos, su creador es considerado a menudo un loco, un charlatán embaucador o un músico deficiente que hace eso por lo limitado que es su talento.

Eso le sucedió a Cecil Taylor, el genio musical que falleció el Jueves pasado a los 89 años, después de dejar honda huella en el Jazz, mucha incomprensión, momentos muy difíciles en los que tuvo que trabajar de lo que fuera porque la música en la que él creía no le daba para comer, el tiempo como a muchos genios incomprendidos les dió su lugar cuando otros músicos siguieron su ruta y sus enseñanzas reconociéndolo como maestro y eso cambió la percepción de los críticos y un público más amplio.

Cuando Cecil tenía cinco años, empezó a tomar clases de piano, su madre le dijo cuales eran sus obligaciones a lo largo de la semana y el Domingo podía hacer lo que quisiera, Cecil dijo en una entrevista que los Domingos se dedicó a inventar sonidos, nada más que decir sobre el nacimiento de un genio, un crebro fuera de serie, de esos que no ven al mundo y su realidad como la mayoría de los comunes y por eso puden crear cosas insólitas.

martes, 13 de febrero de 2018

CINCUENTA AÑOS DE LA PORTADA MÁS FAMOSA DE LA HISTORIA.




HISTORIA DE LA PORTADA DEL SARGENTO PIMIENTA

 




El pasado año, se celebró el primer medio siglo de la aparición del disco más famoso del rock y con él, su también celebrísima portada, "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" nombre completo del disco se grabó durante cuatro meses, tiempo extraordinario para grabar un disco de rock, pero para entonces, los liverpulenses famosos se daban los lujos y gustos que les venían en gana.

Todo en él marcó época: los arreglos musicales, la tecnología utilizada en el estudio, los trucos en la grabación que ideó George Martin, las letras surrealistas, la estructura de las mismas canciones, luego al publicarse, se convirtió en modelo para hacer discos de rock y el Sargento fue imitado de todas las formas posibles.

Pero no sólo la música sirvió de inspiración para hacer nuevas producciones, también la portada, dechado de imaginación y creatividad, se convirtió en un ícono cultural. Se dice que la idea original de la cubierta fue de Sir Paul quien se asesoró con el comerciante de arte Robert Fraser y éste contrató a Peter Blake y a Jann Haworth, creadores y armadores del set que fué fotografiado por Michael Cooper, famoso fotógrafo que terminó siendo reconocido como el autor de la portada y poseedor de las fotografías que hoy pertenecen a su hijo, nadie sabe para quién trabaja.

Esbozo original de McCartney para la portada.



La idea era la de una banda dentro de la otra, El Club de Corazones Solitarios que es la banda del Sargento Pimienta, es la autora de la música, los arreglos medio circenses, los uniformes entre militares y de circo también y toda la cultura musical de los beatles y Martin volcadas en un disco de Rock que se saltaba todas las reglas y convenciones roqueras para crear una obra inmortal.

Cooper y Haworth les pidieron a los Beatles una lista de personajes que desearan que aparecieran en la portada, algunos como Gandhi o Hitler fueron eliminados, el primero para no herir susceptibilidades del pueblo hindú y el segundo, por obvias razones y seguro imaginas quién lo propuso, ¡claro! el gran provocador que era Lennon, las figuras de cera, las fotografías, los objetos y el montaje fueron obra del gran trabajo de Cooper y Haworth, los verdaderos creadores de la famosa cubierta.

 Lista de personajes aparecidos en la cubierta.


Después de la aparición del disco y en los cincuenta años transcurridos, la portada ha sido imitada, satirizada, caricaturizada, homejaneada de mil formas acrecentando su imagen icónica, símbolo cultural e histórico.



 

jueves, 7 de diciembre de 2017

MÚSICA MEXICANA. Duda Mata.





DUDA MATA
José Fors y Carlos Esegé
1987



Hace 30 años el Rock Mexicano tenía futuro, tenía esperanzas, creía que un gran movimiento iba a despegar; el Rock Pop producía mucho, las disqueras transnacionales apoyaban a las bandas nacionales y en todo el país nacían pequeños núcleos de creación roquera.

Pero también en las ciudades tradicionalmente cunas del mejor, más libre y artístico rock, como Guadalajara se hacían grabaciones de música electrónica, textos de vanguardia y propuestas atrevidas.









En 1987 conocimos a un artista que habría de hacer carrera importante buscando cosas nuevas y provocadoras, ha estado en el rock, la ópera rock, la música experimental y fusiones como la de su disco con Santiago Auserón, este es su primer disco o uno de los primeros, en asociación con Carlos Esegé crearon en "forma independiente" como se dice cuando se hace con recursos propios y por tanto mucha libertad el que se volvió un disco de culto.






Duda Mata es hoy una de las grabaciones más importantes de la música electrónica mexicana, sus discos son muy codiciados por coleccionistas y melómanos en busca de viejas grabaciones no valoradas en su tiempo, Alguien se ha tomado el trabajo de meterlo en un "video" para que sea escuchado por quien tenga interés por conocer la joya.

Se incluye información que acompaña al vinil original que hasta donde sabemos nunca fue reeditado en formato CD.




lunes, 27 de noviembre de 2017

MÚSICA MEXICANA. "Agua"



 MARGARITA BAUCHE
"Agua"
1972






A Margarita le tocó vivir una época rica en experiencias colectivas a fines de los sesenta y principios de la siguiente década, nació en una familia de artistas, cineastas, escritores, es decir permeada por la cultura y el arte, padre escritor relacionado con el cine, madre pianista, abuela cantante, etc, desde muy joven se sintió atraida por la música y el canto

La familia Bauche era además gente de pensamiento progresista y revolucionario, por eso Margarita desde muy chamaca ya estaba aprendiendo las canciones "protestosas" como eran conocidas entonces las canciones críticas y sociales, ya en la prepa estaba aprendiendo a tocar guitarra y tomando clases de canto y teatro.


 

Queriendo ser artista llegó a las disqueras y allí le cambiaron el nombre y la hicieron grabar "covers" de roquitos y baladas, el gran despertar de Margarita llegó con el mivimiento estudiantil de 1968, en él participó activamente, sobretodo cantando en mítines y marchas.

Con el fin del movimiento, truncado con violencia por el gobierno mexicano, los jóvenes que habían participado en él, no encontraban el rumbo, si el movimiento había sido un motivo de vida y de ser, ¿ahora cuál era el camino?

Bauche se dejó cautivar por el movimiento hippie, primero escuchando las canciones jipis y luego militando en la jipiada, Margarita no era persona de medias tintas, cuando le entraba, le entraba a algo, se incorporó a la Comuna que creó Carlos Baca, el "gurú" del movimiento jipiteca, escribía la revista que muchos leíamos y el se la creyó de verdad y fundó su comuna.

De esa época es este disco que grabó Margarita, canciones jipis y de protesta que grabó en Orfeón, el disco tuvo un tiraje discreto, pasó el tiempo y por extraños azares se volvió en un disco "de culto" que a la fecha es muy codiciado y los pocos ejemplares que están en buen estado en una pocas manos se cotizan muy caros.

martes, 21 de noviembre de 2017

JAZZ MEXICANO. Somos y seguiremos siéndonos




 MITOTE JAZZ
"Somos y seguiremos siéndonos"
2006






Mitote Jazz es sin ocios, sin sobrevaloraciones y sin nacionalismos, una de las propuestas musicales más importantes en México, he escuchado a muchos grupos de Jazz haciendo su lucha, con enorme calidad, con poca, mediana o mucha imaginación, pero parece que es algo ya escuchado, con Cipriano y el Mitote hay algo nuevo, es decir algo entre lo que no puede ser nuevo.

Su cualidad principal es el desperjuicio, la valentía para hacer fusión y la otra es una visión clarade las posibilidades de la fusión, lo mismo sucede con las letras, entre dichos, lecturas, viajes, culturas actuales y ancestrales y no pocas palabras inventadas por la demencia cipriana.

Hay piezas maravillosas que no tienen fin, pueden escucharse mil veces y siempre habrá alguna maravilla, ejemplo: Un piano introductorio que acompaña una tonada casi monologada lenta y sabia; termina la historia que se inventó Arturo y viene otro pasaje, el piano se aviva y el ritmo cambia, la historia continua por rumbos inimaginables, luego vuelve la distensión y la monologación otra vez hasta desenbocar en un solo extraordinario del mismo piano en ritmos llenos de vida y paz al mismo tiempo, vuelve el coro disparatado que dice mil y una cosas, creadoras de imágenes extraordinarias, esta es una de mis favoritas "Semillas Tonales".

Otra aportación de la banda son las inimaginables combinaciones de los instrumentos que no cree uno que combinen hasta que los escuchamos en los discos de Mitote. que difícil es conseguir esta música, en especial este álbum maravilloso, en la red buscando con tesón es posible encontrarlo y descargarlo.

  

viernes, 17 de noviembre de 2017

JAZZ MEXICANO. Gerardo Bátiz.



CRISTAL
Gerardo Bátiz y Arturo Cipriano
1980




¿Qué fue de Gerardo Bátiz? sin buscar ex profeso las noticias de este músico van apareciendo: En 2016 encontré en la inconmensurable red una noticia del "olvidado" Gerardo, músico mexicano olvidado en su país y rescatado por un DJ japonés; Este año se editó un disco en vivo de Malena Durán, grabado en 2011 en donde Gerardo actuó.

Hoy le toca a este disco de Bátiz una revisión, la estrella es él y el invitado Cipriano y "nopaleros acompañantes", para su redactor es una joya apreciada desde su nacimiento revalorada cada vez que vuelve a escuchar, con el lamento correspondiente por su olvido, su imposible reedición y el absurdo de que los oyentes nuevos y viejos no tengan acceso a su escucha, porque ni saben que existe.



En la foto están todos los participantes, jóvenes y entusiastas músicos que creían en una música nueva, desprejuiciada, sin etiquetas y sin que importara si se vendía, (era obvio que los tirajes que se hacían no eran para grandes ventas) los productores fueron Enrique Velasco y Gerardo Bátiz, la mayoría de las letras de Cipriano, las músicas de Bátiz.




Fernando y Enrique son los Toussaint, Eniac es Martínez, Chucho es Mendoza y César Vera tocaba bajo, el personal es casi una copia del que hizo "Tremendo Alboroto" de La Nopalera editado un año antes.





Una muestra de las letras, la música muy difícil de conseguir, no hay de esos videos que tienen la música y si se pone a disposición del público subiéndola a la red, nos desaparecen el Blog, la única forma de conseguirla es en la red, el disco se ha vuelto de "culto" y tiene precios prohibidos para melómanos pobres.


 


 

martes, 25 de julio de 2017

JAZZ. Miles y Gil.





MILES DAVIS Y GIL EVANS
Las grabaciones de la belleza




 



Revisando las listas que hacen para destacar los discos más importantes de la Historia del Jazz, aparece sin excepción Miles Davis y también indefectiblemente; "Kind of Blue", "Bitches Blue", "Birth of the Cool" y a veces "In a silent Way" pero los discos que miles hizo con Gil Evans son siempre desestimados.

Los cuatro discos en cuestión son todos de una calidad que no le piden nada a la obra famosa de Davis, las orquestaciones escritas por Gil son de una creatividad, finura y elegancia extraordinarias, eran los tiempos en los que Miles había perdido virulencia, economizaba notas, ya no creía que era necesario atiborrar el espacio con notas, buscaba las necesarias, las que provocaban emociones, las que tensaban y destensaban y las que mostraban a un Miles con un dominio de la técnica instrumental cimera.


Por su parte Gil, vivía momentos de creatividad ilimitada, pero siempre productora de una música extraordinaria, se dice que el orquestador extraordinario y el improvisador genial unieron talentos de forma pocas veces lograda. ¡Qué ambientes creaba Evans!, conmovedores, bellos y sensibles y sobre esos tapetes de colorido y elegancia, Miles hacía sus improvisaciones maestras de los momentos y las emociones requeridas, con notas que se estiraban y sostenían con técnica perfecta, sin duda estos son discos que no van a ser olvidados y algún día estarán en el lugar y el reconocimiento que merecen, pero mientras tanto, un ejercicio placentero es revisarlos, escucharlos otra vez o la primera si es el caso, lo mismo para melómanos que escuchas ocasionales.



jueves, 6 de julio de 2017

MÚSICA MEXICANA. Nueva Canción.




 LA NOPALERA
"Nueva Canción"
1976





La historia de La Nopalera, el grupo musical que está en la música mexicana por mérito propio, contra todo, contra todos y muy a pesar de la ignorancia, empezó en 1976 con su disco de la disquera independiente "Nueva Cultura Latinoamericana" lo bautizaron como "Nueva Canción" y si esto no decía mucho, la música grabada era más que elocuente.





Eran los tiempos en los que los jóvenes universitarios amantes de la música sintonizaban con la canción de protesta y el folclor latinoamericano; eran también los tiempos de un continente convulso: los golpes militares en Sudamérica, la difícil sobrevivencia de lsa Revolución Cubana, los movimientos revolucionarios en todo el continente, las guerrillas y todo esto generó un movimiento musical al que se etiquetó como ya mencionamos y era en síntesis, la canción de protesta con el folclor latinoamericano.

Por esos días también llegaron a México un buen número de cantores y músicos que huían de la persecusión en sus países y los grupos mexicanos incluían en sus repertorios canciones de Violeta Parra, Atahualpa, Zitarrosa y muchos otros, era lo común. Pero el grupo de Arturo Cipriano, Marcial Alejandro, Roberto Cárdenas y Maru Enríquez veían desde otro ángulo.

La Nopalera tenía a dos compositores principiantes pero avezados a su edad, después el tiempo los revelaría como maestros en el arte de la composición de canciones, Roberto Cárdenas en menor medida, también reforzaba el trabajo de Marcial y Arturo, el grupo se completaba con Maru Enríquez quien cantaba y años después también hizo discos y composiciones propios.



 

El repertorio no sólo incluye composiciones propias, está la versión del "Huapango" de Moncayo, "Veracruz" de Milton Nascimento y "Manantial" del pianista Alejandro Corona, el resto es de Cipriano, Marcial y Cárdenas, aparecen también en el apoyo: Arturo Chamorro (percusiones), Héctor Alcázar (guitarra), Germán García (jarana t percusiones), Raymundo Moro (violín) y Alejandro Corona (piano).


viernes, 24 de febrero de 2017

POESÍA Y MÚSICA. No vayamos a irnos sin el mar.




ARTURO MEZA
"No vayamos a irnos sin el mar"
1984





Arturo Meza dejó su pueblo mágico como todo su Estado, una de las regiones mexicanas más tradicionales, con menor penetración de la modernidad y el progreso, llegó a la capital como muchos provincianos a ampliar sus horizontes, los de él eran los del arte y la música, en Tocumbo tocaba música folclórica y norteña pero cuando llegó a la Cd. de México, ya había escuchado otras cosas y lo habían permeado otras influencias, otras inquietudes y otras lecturas.

Allí y en el año 1984, publicó el primero de una larga serie de discos como solista que a la fecha son varias decenas, en ese primero las letras fueron textos de los grandes poetas prehispánicos, Nezahualcóyotl, textos huexotzincas y tradiciones orales recogidas por los hispanos cultos que llegaron en los primeros años de la conquista.





El trabajo de investigación y recolección de textos incluyó a Alva ixtlixóchitl, Miguel León Portilla, Garibay, Sahaún, José María Vigil,  canciones como "Canto por niño" tienen un texto que proviene de la selva lacandona, otros textos provienen de la sabiduría Kobda que aparece muchas veces en sus canciones posteriores.






Los músicos participantes fueron además de Meza quien tocó varios instrumentos (tiple venezolano, mandolina, guitarra, tambor rarámuri, sonajas, teclados y voz):

Alejandro González: Tambora
Julio Sandoval: bajo
José Luis Fernández Ledezma: teclados
Octavio Patiño: sax
Jesús Aguilar Pamil: trombón:
Juan Wolfgang: cello y bajo
Carmen Leñero: voz

Después de haber participado en grupos de Rock Progresivo como Decibel, empezó a delinear los rumbos de su quehacer musical, canciones de rock urbano, canciones con música medieval, electrónica, prehispánica y folclor.





miércoles, 8 de febrero de 2017

JAZZ MEXICANO. Bugambilia.




 GERARDO BÁTIZ
"Bugambilia"
1987





Ya es hora de revisar la obra de Gerardo Bátiz y me gustaría decir que es muy conocida, es muy probable que algunos lectores piensen o digan ¿y ese quién es? por si acaso y como mera información dire que: el Bátiz en cuestión no tiene ningún parentesco con Javier Bátiz, el sin discusión de sobra conocido roquero y bluesman; varias generaciones los separan, pues Gerardo es bastante más joven que "El Brujo"; mientras el tijuanense nació y se casó para toda la vida con el Blues y el Rocanrol, Gerardo ha sido atraido por musicas experimentales, de origen caribeño, de sonidos urbanos y rancheros de su patria y especialmente de ese género que ya no tiene nación y es ya universal, El Jazz.






También hay que decir que Gerardo se dió a conocer en México entre los setenta y los ochenta, en un momento en que apareció un movimiento de música subterránea, como se decía y aún se dice de la música que no se vende mucho, que poco se conoce y que es escuchada por grupos muy minoritarios de melómanos.






El disco de Bátiz de 1987 se distingue de "Arlequín" de 1982 en que deja el Jaz Fusión sólo instrumental con piezas cantadas y extraordinarios resultados, las canciones suenan frescas y sinceras, con sus pinceladas de intelectualidad inevitables, los músicos son gente culta que lee y se instruye, el mencionado grupo de artistas ya nos sorprendían en esos años ochentados con su creatividad y libertad: Severo Viñas quien sería muy conocido después con Real de Catorce, Juan Carlos Novelo en batería, Armando Montiel, participante de muchos proyectos en esos días, Montserrat Revah, percusionista notable y muy injustamente ignorada, Agustín Bernal, bajista con amplio reconocimiento en el mundo del Jazz, Cecilia Engelhart cantante en muchos discos y proyectos, y Felipe Souza entre otros.







martes, 17 de enero de 2017

MÚSICA MEXICANA. Cancionero de la Intervención Francesa.




VARIOS INTÉRPRETES
"Cancionero de la Intervención Francesa"
1982





El Instituto Nacional de Antropología e Historia desde hace varias décadas está haciendo un muy interesante trabajo de investigación musical, teniendo como asunto principal la música étnica de las zonas más resistentes a la pérdida de las tradiciones, entre estos trabajos está este de 1982, un rescate de canciones escritas en tiempos de la Intervención Francesa (1862-1867), canciones escritas como propaganda política por los Liberales de Juárez contra los conservadores bautizados como "Cangrejos" por marchar hacia atrás

La investigación, selección de canciones, las notas que acompañan al disco y la producción fueron un trabajo de Irene Vázquez Valle y María del Carmen Ruiz Castañeda, los músicos y cantantes de estos tesoros muchas veces ya casi olvidados, fueron Amparo Ochoa y Mili Bermejo como cantantes principales, Arturo Alegro, Mario Ardila, Ricardo Pérez Montfort y Raúl Díaz, los últimos después de las damas fueron además los músicos.



 


Las letras se caracterizan además de exaltar a la lucha de los juaristas, a hacer burla de los conservadores, soldados invasores y mexicanos que se aliaron a los intervencionistas y que desde entonces y hasta la fecha quedaron en la historia y el imaginario popular como traidores, los peronajes más mencionados son Juan Nepomuceno Almonte, aliado de los invasores, el mismísimo Napoleón, el general Saligni, Tamariz, Márquez y Miramón, generales conservadores, mención especial tiene la Emperatriz Carlota, a quien el pueblo ya veía desde desvariada hasta loca rematada.

 

martes, 10 de enero de 2017

DISCOS FAVORITOS. Viaje Fantástico.





PÁJARO ALBERTO Y CONJUNTO SACROSAURIO

"Viaje Fantástico"

1974


Alberto Isordia nació en Tijuana en los años cincuentas, de modo que a fines de los sesentas y principios de los setentas, le tocó vivir la época dorada del Rock Tijuanense, fue miembro de uno de los grupos de rock pioneros en esa ciudad, Los Tijuana Five, que tocaban "covers" de los éxitos o no éxitos anglosajones que gustaban a los "fives".

A fines de los sesentas y principios de los setentas, se produjo una explosión roquera en esa ciudad fronteriza, como resultado de la onda expansiva de la sicodelia y el rock-jazz del estilo de Chicago, Blood, Sweat and Tears, Cold Blood, Electric Flag, Flock y otras bandas de ese tipo y entonces "El Pájaro", formó la mítica banda Love Army, una de las más emblemáticas de la llamada "onda chicana", como se llamaba a la gran cantidad de grupos que surgieron en el país, principalmente en la mencionada Tijuana, Guadalajara y el D.F.

Con Love Army grabó la famosa "Caminata Cerebral" que incluso fue programada en las estaciones radiales, con esta pieza Isordia se dió a conocer como el cantante, compositor principal y "frontman" del Ejército del Amor, la famosa pieza que no es de la autoría de él, se convirtió en un clásico instantáneo e histórico del rock nacional y sonaba así:





Al desintegrarse Love Army, el Pájaro Alberto, como se le identificó en adelante, desarrolló todo su potencial como compositor e incluso arreglista y con su nuevo grupo llamado Conjunto Sacrosaurio, grabó "Viaje Fantástico", un extraordinario disco de folk-rock-acústico-sicodélico, muy cercano a lo que hacía Donovan, para tener referencia y no porque Isordia fuera una copia del escocés, las piezas del álbum presentan una rica variedad de estructuras, orientaciones y propuestas extraordinarias en el rock mexicano de la época y de toda su historia, además de que se reveló a un letrista excepcional, que sin pretensiones intelectuales, ni surrealismo barato, armaba sus textos con sencillez y calidad idiomática y créeme lector, que esa conjunción no es fácil.