CON LA LUNA. Sabines.

LA LUNA.
(Jaime Sabines)


la luna se puede tomar a cucharadas
o como una cápsula cada dos horas.
Es buena como hipnótico y sedante
y también alivia
a los que se han intoxicado de filosofía.
Un pedazo de luna en el bolsillo
es mejor amuleto que la pata de conejo:
sirve para encontrar a quien se ama, para ser rico sin que lo sepa nadie
y para alejar a los médicos y a las clínicas.
Se puede dar de postre a los niños
cuando no se han dormido,
y unas gotas de luna en los ojos de los ancianos
ayudan a bien morir.

Pon una hoja tierna de la luna
debajo de tu almohada
y mirarás lo que quieras ver.
Lleva siempre un frasquito del aire de la luna
para cuando te ahogues,
y dale la llave de la luna
a los presos y a los desencantados.
Para los condenados a muerte
y para los condenados a vida
no hay mejor estimulante que la luna
en dosis precisas y controladas.

Canción Libre. Inconciente Colectivo.

INCONCIENTE COLECTIVO

Autor: Charly García.

Intérpretes: Mercedes Sosa y Charly García.

En 1982  Charly García, uno de los iconos más importantes del Rock Argentino, dió a conocer su segundo disco como solista, después de haber sido el líder de tres bandas fundamentales: Sui Generis, La Máquina de Hacer Pájaros y Seru Giran, el disco como su obra anterior, era un parteaguas en el Rock Argentino y en la música argentina, Charly dejaba atrás la canción panfletaria, tan socorrida en esos años de represión y falta de libertad e inventaba un nuevo código para decir que estaba hasta la madre y a punto de vomitar sobre el mundo en que vivía, de modo que podía burlar a la censura que estaba en la paranoia total contra todo.

Y la canción que resume con mayor claridad ese espíritu libertario e inconforme es "Inconciente Colectivo", la tierna y combativa canción que proclama como la conquista de la libertad en un ambiente ultra represivo: llevarla en el corazón, como el escudo, el amuleto y la esperanza, mientras el mundo mejor, el tan esperado mundo mejor llega.

INCONCIENTE COLECTIVO.

Nace una flor, todos los días sale el sol 
de vez en cuando escuchas aquella voz. 
Cómo de pan, gustosa de cantar, en los aleros de mi mente con las chicharras. 
Pero a la vez existe un transformador 
que te consume lo mejor que tenés 
te tira atrás, te pide más y más 
y llega un punto en que no querés. 

Mamá la libertad, siempre la llevarás 
dentro del corazón 
te pueden corromper 
te puedes olvidar 
pero ella siempre está. 

Mamá la libertad, siempre la llevarás 
dentro del corazón 
te pueden corromper 
te puedes olvidar 
pero ella siempre está.

 
Ayer soñé con los hambrientos, los locos, 
los que se fueron, los que están en prisión 
hoy desperté cantando esta canción 
que ya fue escrita hace tiempo atrás. 
Y es necesario cantar de nuevo, una vez más.

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MUJERES DIVINAS. Grace Slick.

GRACE SLICK

Hija de inmigrantes, como una gran parte de la población de la Unión Americana, después de vivir en varias ciudades, su familia se estableció en Palo Alto, California muy cerca de San Francisco, la cuna y centro más importante de la cultura hippie, referencia inevitable por haber sido ella, uno de los íconos de ese movimiento.

de espíritu iconoclasta y rebelde, adoptó sin regateos, la nueva moral juvenil y las premisas de la liberación femenina, se relacionó con el ambiente del Rock y en especial con la escena de San Francisco, fue amiga de Janis, Jerry García, Jim Morrison y se dio a conocer como la vocalista de Jefferson Airplane, además de ser la autora de varias de sus más célebres canciones.

A menudo se vió envuelta en líos con la ley de cuyos representantes abominaba instintivamente y se hizo famosa por su comportamiento contrario a las buenas costumbres además de también, por su belleza que le permitía, tener ingresos extras en el modelaje, la Divina Gracia, es una de mis ídolos juveniles más deslumbrantes y entrañables desde mi más tierna juventud cuando conocí la obra del Aeroplano y la herchizante voz de Grace.

POESÍA Y MÚSICA. Vallejo - Evans.

ESPERGESIA,

(César Vallejo)

Yo nací un día
que Dios estuvo enfermo.

Todos saben que vivo,
que soy malo; y no saben
del diciembre de ese enero.
Pues yo nací un día 
que Dios estuvo enfermo.

Hay un vacío
en mi aire metafísico
que nadie ha de palpar.
el claustro de un silencio
que habló a flor de fuego.

Yo nací un día
que Dios estuvo enfermo.

Hermano, escucha, escucha...
Bueno. Y que no me vaya
sin llevar diciembres. sin dejar eneros.

Pues yo nací un día
que Dios estuvo enfermo.

Todos saben que vivo,
que mastico...Y no saben
por qué en mi verso chirrian,
oscuro sinsabor de féretro,
luyidos vientos
desenroscados de la Esfinge
preguntona del Desierto.
Todos saben...Y no saben
que la Luz es tísica,
y la Sombra gorda...
y no saben que el misterio sintetiza...
que él es la joroba
musical y triste que a distancia denuncia
el paso meridiano de las lindes a las Lindes.

Yo nací un día
que Dios estuvo enfermo,
grave.

WALTZ FOR DEBBY.

Autor e intérprete: Bill Evans.

LUNÁTICOS.

No hay luna, locos,
desde hace siglos.
Sólo un breve milagro cuando hace frío.











Tomado de "Vieja la noche..." poema de Jaime Sabines.

Las Damas del Rock. Suzi Quatro.

SUZI QUATRO

Después de Janis, a quien nunca consideré una dama del Rock, la primera mujer que al menos tenía pretensiones de ser rocker y que cautivó mis sentidos, sobre todo la vista fue Susan Kay Quatro, mejor conocida como Suzi Quatro y a quien se le considera cantante y compositora, la Suzi tiene el mérito de haber sido una de las primeras mujeres rockers que no estaban de adorno en una banda o solamente cantaban.

La adorable Suzi componía a veces sola y a veces acompañada por Chris Norman, el músico más competente de su banda, y sin grandes pretensiones, consiguieron colocar varios éxitos en las listas y tener sus años de fama entre 1973 y 1980 aproximadamente.

Yo no conocía a Suzi, pero un día vi su disco "Suzi...and other four letter words" y quedé alucinado con la divina Suzi en portada, como cantando y en la pose más sexy del mundo, me enamoré de ella y me dije: me vale madre como cante, pero está divina y yo me la llevo a casa, el disco no resultó tan malo e incluso varias piezas llegaron a gustarme bastante, tal es el caso de "She's in love with you", "Hollywood", "Four letter words" y alguna otra.

Y así, treinte y tantos años después, sigo venerando mi disco de Suzi, el único que tuve y quise tener y que nunca vi en formato CD, y ahora hasta le hago homeneje en la gustada sección "Las Damas del Rock".

REINAS DEL DOLOR. Janis Joplin.

JANIS JOPLIN

1943 - 1970

Janis Lyn Joplin, nacida el 19 de Enero de 1943 en Port Arthur, Texas, no sabía que sería la gran reina del Blues Blanco, pero sus circunstancias, la tenían marcada desde pequeña para ser la gran reina del dolor que simbolizó los setentas, Llegó al lugar incorrecto y en un momento inapropiado, el lugar, la sociedad ultra conservadora texana; el momento, en el que ese conservadurismo estaba siendo cuestionado y por ende, se defendía con uñas y dientes.

No era guapa, como se le exige a una mujer, no se comportaba como una mujer, era huraña, decía lo que pensaba sin medir consecuencias, se vestía mal, escuchaba música de negros y su refugio de un mundo hostil y absurdo que no entendía, era el Blues, esa música del alma, hecha por y para: dolidos, abandonados, segregados, derrotados, malamados, explotados, condenados y vilipendiados, además de todo tipo de parias.

Y su afición por el Blues, la llevó al único sitio donde era aceptada como cualquier otro, amada por ser y no por estar, e incluso idolatrada por su don divino de cantar el Blues: la gran oleada del hippismo, de fines de los sesentas, la república amorosa de las flores y la nueva moral que promovía el amor, la paz, la convivencia y la solidaridad como valores supremos, allí la triste Janis floreció y se marchitó; fue adorada y repudiada; amada y abandonada; seguida y criticada, pero al final, nunca desterró la tristeza infinita que vivía en su corazón.

Pasado el "verano del amor" y el festival de festivales, momentos máximos de su gloria, volvió a sus traumas y persecuciones, a sus fantasmas y sus abandonos, que invariablemente la llevaban al alcohol y las drogas, hasta que el 4 de Octubre de 1970, en una de sus frecuentes noches depresivas, se fue de este mundo que nunca dejó de rechazarla, se dice que murió por una sobredosis de drogas y alcohol, pero sus cercanos y sus fans, sabemos que murió de una sobredosis de dolor.

CANCIÓN LIBRE. Para la Libertad.

"PARA LA LIBERTAD"

Autores: Miguel Hernández y Joan Manuel Serrat

Serrat es un compositor de probada maestría, pero además tiene un don que no cualquiera presume, sabe, no poner, sino encontrar la música que está oculta en un poema y la prueba fehaciente está en la serie de poemas de Miguel Hernández que musicalizó en 1972, (recientemente grabó una segunda parte), una obra maestra compuesta de pequeñas joyas trabajadas con las letras de Hernández y las músicas de Serrat, que parecen haber nacido juntas.

De esa grabación histórica, siempre me gustó sobremanera "Para la Libertad", una oda libertaria, del genial poeta nativo de Orihuela, quien además era un amante y luchador por la preciada condición, que no siempre tenemos y que siempre anhelamos y me parece que la gran aportación de Hernández a las miles de visiones cantadas, escritas, pintadas, esculpidas o filmadas que el hombre ha hecho de la libertad, es esa idea de la libertad como generadora de vida, en la vida misma y aún desde la muerte.

PARA LA LIBERTAD.

Para la libertad sangro, lucho y pervivo.  
Para la libertad, mis ojos y mis manos,  
como un árbol carnal, generoso y cautivo,  
doy a los cirujanos.  
 
Para la libertad siento más corazones  
que arenas en mi pecho. Dan espumas mis venas  
y entro en los hospitales y entro en los algodones  
como en las azucenas.  
 
Porque donde unas cuencas vacías amanezcan,  
ella pondrá dos piedras de futura mirada  
y hará que nuevos brazos y nuevas piernas crezcan  
en la carne talada.  
 
Retoñarán aladas de savia sin otoño,  
reliquias de mi cuerpo que pierdo en cada herida.  
Porque soy como el árbol talado, que retoño  
y aún tengo la vida.

DIVAS DEL JAZZ. Stacey Kent.

STACEY KENT

"Breakfast on the Morning Tram"

2007

Desde mediados de los noventa y durante el presente siglo, se ha dado una renovación muy vigorosa del Jazz Vocal cantado por mujeres y la nueva oleada de Divas que enamoran con sus voces, no sólo proviene de la Unión Americana, sino que tiene el signo de la globalización, ejemplos como el de Sophie Milman, quien nació en Rusia, vivió su adolescencia en Israel e hizo su carrera en Canadá, ya no son insólitos y sí, cada vez más comunes.

La diva homenajeada hoy en este espacio, nació en el emblemático '68, después de hacer estudios en su patria, se trasladó, a principios de los noventa al Reino Unido, para realizar estudios en Londres, en una prestigiada escuela de música, conoció al saxofonista Jim Tomlinson y con él empezó a hacer proyectos semiprofesionales y profesionales y la estrecha unión y colaboración, terminó en matrimonio.

Desde esa época (1991), ha ido construyendo una carrera sólida, con una decena y media de grabaciones y presentaciones por todo el mundo, impactando a públicos diversos con sus muy variadas cualidades vocales: colorido tonal, extraordinaria dicción, apasionado abordaje de las piezas y visionaria elección de su repertorio, que no se restringe a los standards, sino que aborda todo género, época y autores, sin prejuicios.

Este disco, el único que conozco, es el antepenúltimo de su carrera y data de 1997 y tiene un repertorio muy globalizado, en procedencias y géneros, hay música de diversos puntos terrestres y distintos géneros: piezas de su marido, de Stevie Nicks, de Gainsbourg, de autores brasileños, arreglos sobrios y brillantes y la voz de Kent, con todas las gracias que posee.

CANCIONES FAVORITAS. Stormy Monday.

"STORMY MONDAY"

T-Bone Walker

Uno de los blues más famosos, sentidos, interpretados y grabados por medio mundo es el "Lunes Tormentoso" de T-Bone Walker, considerado entre los más importantes intérpretes de la guitarra eléctrica en el Blues, multinstrumentista y compositor, características que lo llevaron al Olimpo de los blues masters, lo más selecto y conspícuo de los intérpretes y compositores de la música enraizada. Compuesto en 1947 y desde entonces convertido en un clásico del género del alma, con una cadencia lenta y melancólica, "Stormy Monday" es el lamento de un hombre enamorado que sufre como la muerte, la pérdida de su amada.

T-Bone utilizó para componer su clásico blues, el recurso de retratar la vida miserable del sufrido amante, a través de su paso por los días de la semana, todos angustiosos, tristes e infernales, para por fin llegar al Domingo, ir a la Iglesia, arrodillarse y pedir a su Dios, que tenga piedad de él y haga lo que a él le es imposible hacer, que su amada regrese a su lado.

LUNES TORMENTOSO.
Me llaman Lunes Tormentoso, pero el Martes es igual de malo
Me llaman Lunes Tormentoso, pero el Martes es igual de malo
El miércoles es peor, y el Jueves es también triste.

El águila vuela el viernes, y el sábado salgo a tocar
El águila vuela el viernes, y el sábado salgo a tocar
el domingo voy a la iglesia y entonces me arrodillo a orar

Y digo

Señor ten piedad, señor, ten piedad de mí
señor, ten piedad, mi corazón está en la miseria
loco por mi nena, sí, mándala de vuelta conmigo.


STORMY MONDAY.

They call it stormy Moday, but Tuesday's just as bad
They call it stormy Moday, but Tuesday's just as bad
Wednesday's worse, and Thursday's also sad

Yes the eagle flies on Friday, and Saturday I go out to play
Eagle flies on Friday, and Saturday I go out to play
Sunday I go to church, then I kneel down and pray

Lord have mercy, Lord have mercy on me
Lord have mercy, my heart's in misery
Crazy about my baby, yes, send her back to me

REINAS DEL DOLOR. Edith Piaf.

EDITH PIAF.

1915 - 1963

Las reinas del dolor suelen serlo desde su nacimiento y el de Edith está de novela, fue hija de un acróbata y una cantante callejera, es decir: no familia, no casa, no hogar, puro vacío y estructuras emocionales deleznables, antes de que ella naciera, su padre abandonó a su madre y ésta, sin apoyo ni medios económicos, trató de llegar a un hospital, pero no lo consiguió y la niña Edith Giovanna Gassion, nació en la calle, ¿así o más dramático?

Anetta la pobre y abandonada madre, la dejó con su progenitora, de quien se dice que en vez de darle leche como sus primeros alimentos, le daba vino, según ella para eliminar microbios y en cuanto pudo la entregó al reaparecido padre, quien a su vez, la dejó con la otra abuela, ahora la paterna y ésta última la crió en un ambiente distinguido y altamente educativo: el prostíbulo que poseía, teniendo como institutrices a las empleadas de la susodicha casa de prostitución.

Al finalizar la "Gran Guerra", como se le llamó a la Primera Guerra Mundial, el padre de Edith fue liberado del servicio de las armas y regresó por su hija y a la vida de cantante, actor y acróbata callejero, allí en las calles, la que iba a ser el icono más emblemático de la canción francesa, reveló sus condiciones especiales para el arte de cantar canciones y empezó a llamar la atención, de la calle pasó a los teatros, bares, cafés y otros centros de entretenimiento y no se detuvo hasta ser la gran Edith Piaf (gorrión), que en principio fue un apodo y después se convirtió en nombre.

Como todas estas reinas que nacen bajo el amparo del dolor, tuvo muchos amores desgraciados, perdió al amor de su vida, el boxeador Marcel Cerdan en un accidente y ante el dolor insoportable se volvió adicta a la morfina, sin ser la gran belleza ni el sex symbol de la época, tenía sus encantos que conquistaron a conquistadores como Marlon Brando, Yves Montand, Charles Aznavour y Georges Moustaki, pero nunca superó sus temores e inseguridades y cada nueva relación era un nuevo fracaso.

A fines de la década cincuentera (1959), se presenta el primer aviso de que su salud estaba colapsando, cuando se desplomó en medio de una presentación en NY, en los años siguientes, siguió actuando en un estado cada vez más deplorable de salud, apenas se sostenía en pie y traía en las venas, siempre, importantes cantidades de morfina, hasta que el 11 de Octubre de 1963, terminó sus sufrimientos y se fue de este mundo, con un diagnóstico de cáncer hepático, a los 47 años de edad, pero aparentando 60.

El testimonio de su sufrida vida quedó como legado para el mundo, en sus grabaciones, llenas de emoción, pasión y un terrible e interminable dolor.

TRES VERSIONES DE UNA CLÁSICA. You Can't Hurry Love.

YOU CAN'T HURRY LOVE.

Autores: Brian Holland, Lamont Dozier y Edward Holland

En 1966 se dió a conocer esta canción, interpretada por The Supremes, escrita y producida en la que en ese tiempo era la fabrica más grande de éxitos musicales en serie y en serio, La Motown que tenía el catálogo más impresionante de artistas negros que le metían con fé al soul, el blues, el R&B y el Funk, todo aderezado con fuertes dosis de gospel, la canción fue un exitazo mundial que no tuvo problemas para llegar a los lugares más altos de las listas de ventas en Estados Unidos, El Reino Unido y muchos países.

Dieciseis años después, volvió a llegar a los primeros lugares de popularidad en la versión de Phil Collins, el cantante británico que fue voz y batería de la fabulosa banda Genesis y que se pintaba solo para cantar como negro la música negra y después cobrar como blanco.

Y hace muy poco, me encontré con esta italiana que es una retro girl y compone y canta como en los sesentas británicos, pero también como los sesentas italianos, es una Mina, Gigiola, Rita y varios etcéteras que grabó esta versión italiana de la clásica "supremista" y que se llama "L'more verra". disfrútenlas, las tres te ponen a bailar y a pensar que el mundo no es tan deprimente como parece.



YOU CAN'T HURRY LOVE.
(B. Holland/L. Dozier/E. Holland, Jr.)

I need love, love
To ease my mind
I need to find, find someone to call mine
But mama said

You can't hurry love
No, you just have to wait
She said love don't come easy
It's a game of give and take

You can't hurry love
No, you just have to wait
You got to trust, give it time
No matter how long it takes

But how many heartaches
Must I stand before I find a love
To let me live again
Right now the only thing
That keeps me hangin' on
When I feel my strength, yeah
It's almost gone
I remember mama said:

You can't hurry love
No, you just have to wait
She said love don't come easy
It's a game of give and take

How long must I wait
How much more can I take
Before loneliness will cause my heart
Heart to break?

No I can't bear to live my life alone
I grow impatient for a love to call my own
But when I feel that I, I can't go on
These precious words keeps me hangin' on
I remember mama said:

You can't hurry love
No, you just have to wait
She said love don't come easy
It's a game of give and take

You can't hurry love
No, you just have to wait
She said trust, give it time
No matter how long it takes

No, love, love, don't come easy
But I keep on waiting
Anticipating for that soft voice
To talk to me at night
For some tender arms
To hold me tight
I keep waiting
I keep on waiting
But it ain't easy
It ain't easy
But mama said:

You can't hurry love
No, you just have to wait
She said to trust, give it time
No matter how long it takes

You can't hurry love
No, you just have to wait
She said love don't come easy
It's a game of give and take 

MURIÓ EL CANTOR DEL VERANO DEL AMOR.

MURIÓ EL QUE LE CANTÓ AL VERANO DEL AMOR

Ayer falleció Scott McKenzie, el hombre que se hizo famoso con una sola canción, había estado en varios grupos sin que tuvieran un mínimo de éxito y no pasaba de ser un cantante del montón, hasta que se reencontró con John Phillips, el que se hizo famoso en The Mama's and Papa's, se conocían porque sus padres eran amigos y porque habían estado antes en un grupo musical, entonces Phillips, compuso la inmortal canción y produjo su grabación, que ni siquiera era de todo un LP, era solo un extender.

Esto sucedió en 1967, año en el que llegó a su apogeo el movimiento hippie, el flower power y estaba a punto de darse el famoso "verano del amor", cuando se concentraron en San Francisco la mayor cantidad de adeptos al "jipismo" en un festival de música y se creó una macro comuna, donde el sueño hippie de vivir en paz, amor y armonía, pareció más posible que nunca.

Para cuando esto sucedió, ya se había grabado la canción y rápidamente se convirtió en el himno del movimiento, también fue usada para promover el famoso Monterey Pop Festival y desde entonces es la canción más emblemática de la gran utopía jipiosa.

SAN FRANCISCO.

Si tú vas a San Francisco

asegúrate de usar flores en el pelo

si tú vas a San Francisco

te vas a encontrar con mucha gente amable allí.

Para aquellos que vengan a San Francisco 

allí habrá un verano de amor

en las calles de San Francisco

gente amable con flores en el pelo

A través de la nación como una vibración extraña

gente en movimiento

hay toda una generación con una nueva explicación

gente en  movimiento, gente en movimiento.

Para aquellos que vengan a San Francisco 
asegúrense de usar flores en el pelo
si tú vienes a San Francisco
allí habrá un verano de amor.

SAN FRANCISCO.

If you're going to San Francisco
Be sure to wear some flowers in your hair
If you're going to San Francisco
You're gonna meet some gentle people there

For those who come to San Francisco
Summertime will be a love-in there
In the streets of San Francisco
Gentle people with flowers in their hair

All across the nation such a strange vibration
People in motion
There's a whole generation with a new explanation
People in motion people in motion

For those who come to San Francisco
Be sure to wear some flowers in your hair
If you come to San Francisco
Summertime will be a love-in there

If you come to San Francisco
Summertime will be a love-in there

Poesía y Música. Sabines / Zilber-Manor-Cohen.

LOS AMOROSOS

(Jaime Sabines)

Los amorosos callan. 
El amor es el silencio más fino, 
el más tembloroso, el más insoportable. 
Los amorosos buscan, 
los amorosos son los que abandonan, 
son los que cambian, los que olvidan. 
Su corazón les dice que nunca han de encontrar, 
no encuentran, buscan. 

Los amorosos andan como locos 
porque están solos, solos, solos, 
entregándose, dándose a cada rato, 
llorando porque no salvan al amor. 
Les preocupa el amor. Los amorosos 
viven al día, no pueden hacer más, no saben. 
Siempre se están yendo, 
siempre, hacia alguna parte. 
Esperan, 
no esperan nada, pero esperan. 
Saben que nunca han de encontrar. 
El amor es la prórroga perpetua, 
siempre el paso siguiente, el otro, el otro. 
Los amorosos son los insaciables, 
los que siempre -¡que bueno!- han de estar solos. 

Los amorosos son la hidra del cuento. 
Tienen serpientes en lugar de brazos. 
Las venas del cuello se les hinchan 
también como serpientes para asfixiarlos. 
Los amorosos no pueden dormir 
porque si se duermen se los comen los gusanos. 

En la oscuridad abren los ojos 
y les cae en ellos el espanto. 

Encuentran alacranes bajo la sábana 
y su cama flota como sobre un lago. 

Los amorosos son locos, sólo locos, 
sin Dios y sin diablo. 

Los amorosos salen de sus cuevas 
temblorosos, hambrientos, 
a cazar fantasmas. 
Se ríen de las gentes que lo saben todo, 
de las que aman a perpetuidad, verídicamente, 
de las que creen en el amor como una lámpara de inagotable aceite. 

Los amorosos juegan a coger el agua, 
a tatuar el humo, a no irse. 
Juegan el largo, el triste juego del amor. 
Nadie ha de resignarse. 
Dicen que nadie ha de resignarse. 
Los amorosos se avergüenzan de toda conformación. 

Vacíos, pero vacíos de una a otra costilla, 
la muerte les fermenta detrás de los ojos, 
y ellos caminan, lloran hasta la madrugada 
en que trenes y gallos se despiden dolorosamente. 

Les llega a veces un olor a tierra recién nacida, 
a mujeres que duermen con la mano en el sexo, 
complacidas, 
a arroyos de agua tierna y a cocinas. 
Los amorosos se ponen a cantar entre labios 
una canción no aprendida, 
y se van llorando, llorando, 
la hermosa vida.

AGADA YAPANIT
Autores: (Ariel Zilber-Ehud Manor)
Intérprete: Anat Cohen

CORAZONADAS.

Tu corazón, ya terciopelo ajado,
llama a un campo de almendras espumosas
mi avariciosa voz de enamorado.*









*Tomado de "Elegía", poema de Miguel Hernández.