lunes, 9 de marzo de 2015

POESÍA Y MÚSICA. Atlántica y el Rústico.




Atlántica y el rústico.
MARÍA BARANDA






1.
Mi Amigo es de la tribu de los hombres solos.
Ve el mar. Mira su cinta sílex, su oscura bolsa varonil. Lo admira.
Vive en el Arboritum de las cosas simples. Sabe el origen de lo epidérmico, el número de vértebras de las serpientes, el tronco descastado de los pipirigallos y las formas incomprensibles de los ranúnculos. Señala siempre el vértigo capilar de la palabra mar.
Busca en mapas Las Indias, sus frescos álamos de tinta.
Su juego es el látigo que lo consuela, lo provoca y lo pone profético a girar.
Mi Amigo ve el mar, su quemazón en la tiniebla, su leche consumida, su labio terminado en ojo. Su infancia, luz perdida entre las patas de un arácnido, una herida abierta a la piedad. Pasto amargo y la ceniza.
Su oficio, fósil flor que lo despeña cuando tiembla, su paso lapidado hacia nosotros, ¡niños que no sabemos recordar!
¿Celda branquial, opérculo? ¿El Sol un buche gástrico, la Luna un ácido en su cuerpo?
Mi Amigo dice el mar altivo y confidente, salaz en su extensión con mil plumas de elegía con mil pájaros que lo recorren y aparecen y vuelven siempre a aparecer.
Su vida: un órgano en reserva, una sustancia adventicia. Mi Amigo se tiende improvisado, frugal.
Una raíz se hace por sus barbas, le crece el mar y su humareda, su rápida sonrisa de adivino con cien máscaras de bronce, abismal.
Se designa en el género del Felis. Catafalco, colmenar, se llama indistintamente: Felis catus, Felis pardus, Felis tigris, Felis mar.
Su vida empieza con el cálculo de la aventura, con el último errar de la embriogenia. Pifa y lanza piedras a la orquesta de pájaros acuáticos que lo molestan.
Para mi Amigo la palabra amor no tiene anatomía, no conoce ahí tipo animal. Su cuerpo es una materia córnea, calcárea, donde alisa el verbo, se enracima y comienza un sueño.
Soñé, me dijo, que había flores sin albura, de un solo corazón abierto. Los radiolarios con sus cuerpos melancólicos vertían sobre ellas la constancia del agua, como una especie de boca nocturna en el frescor de sus sentidos.
¡Libéluas! El cuerpo, la simbiosis en la nudosidad de las leguminosas. De las plantas -piensa- el muérdago chupador, las humícolas.
Mi Amigo habla ahora de microbios. Su ojo, dice, es una vibración tan luminosa, que no hay oído de por medio, no hay ventana oval para un secreto. Yo podría ser un Miembro Superior de aquella especie, un ciliar.
Se hace una cura con una flor de púrpura y una yerba semejante a sus testículos. Sabe que eso le quitará el encendimiento.
Los rayos de la luz ya están gastados. Mi Amigo deja el cuerpo, se abraza como un gallo a los pedúnculos. Se frota el cuero con la lengua.
A veces lo profundo es un viso de luz en sus entrañas.
Mi Amigo ahora está en el limbo dividido: tiene una escotadura y una dentada. Pronuncia la sangre que procura, sus sílabas ventrales, sus escamas. Animal para él significa una penumbra. La espora de su sed es el fuego que lo cruza.
Su cuerpo es el del hombre solo. Su tribu, una larva.



3
Venus lava sus genitales en la selva. Los purifica.
De púrpura su vista se engaña a la advertencia.
Siete veces bebe la pócima de cola seca con miel ática
y una onza de azafrán para henchir su cuerpo.
Es el ascenso.
Sabe que en su tribuna de siemprevivas y girasoles
el grito es un rastrojo que se acrecienta.
Toda la claridad en la inmundicia que lo separa del avispero.
Son los signos sutiles lo que no enfrenta.
La potencia del ojo es el límite de su fuerza.
Coloca suavemente cordones blancos junto a unos bulbos.
Iridisciones. Recuerda el vermis formado en periferia. La sustancia dispuesta
en el árbol de la vida. Y por delante, la parábola superior: colmadamente.
Su frescor es el del vino maduro, su olor el de los collados pedregosos. La copa
de succión son sus anhelos, en células de asombro el índigo es una
página de vidrio. Apunta.
Ojo pendiente, visible, pecíolo. Todo para nadar es superficie.
Mi amigo se prolonga al fondo del mar en formación de greda.
Sucede que se asocia con la vida individual. Va con lombrices,
blanda simetría de dos puntos.
En la barranca una ordalía de cardos de desploma. Su voz delira. Percute
la batalla de quien calla. Mi Amigo ama.
Lo sé porque pinta en láminas de uranio: redivivus.
Pronuncia suavemente el nombre del endrino, ha dicho que bajo el mar
hay una arena muy fresca y tan porosa.
Arriba hay una cerca. Subimos por un camino de gruesas costras y lajas
Escocidas. Culebras.
El sol quema la yerba en la ceniza. La aventura de la lluvia es la alquimia
del aire, dice, y yo en sus partículas sé que ama.
Mi Amigo mira el mar en su escritura.

 

El pájaro de fuego.
IGOR STRAVINSKY
 
 






lunes, 2 de marzo de 2015

Blues. Betsy Pecanins canta Blues.






BETSY PECANINS.
"Canta Blues".
1985.


 
En 1985, Betsy Pecanins, grabó el primero de los tres discos que cubrían el contrato que hizo con WEA, la transnacional tratando de aprovechar el boom del rock en español, arriesgó con ésta artista poco conocida por las grandes audiencias y muy dada a la independencia, la no comercialidad, la marginalidad, y otras extravagancias.




Para este inicio de una nueva etapa en su carrera Betsy escogió hacer un disco de Blues, el género que siempre le ha apasionado, hizo una selección de sus blues favoritos y buscó a los cómplices adecuados, que tenían que ser músicos con gran oficio, conocedores de la música del alma y la tristeza, y se apoyó en un bluesman de nombre Dwight Carroll, guitarrista y compositor de quien aparecen en el disco dos piezas, además de ser el arreglista y director musical.

Para comenzar, despejar los oídos y entrar en confianza, están dos super clásicas del Blues "I'm a man" de Muddy Waters" que en la versión de Betsy es "I'm a woman" y la favorita de favoritas de su servidor "Stormy Monday" de Chester Burnett, el famoso "Howlin' Wolf", ambas piezas son interpretadas impecablemente por Betsy y compañía.



Después se presentan las dos piezas de Carroll, la primera un blues-reggae y la segunda un blues lento de excelente manufactura, después vienen piezas de Leroy Carr, el gran J.B. Lenoir y una pieza tradicional, buen blues con buenos músicos, buenos arreglos y una voz excepcional, moraleja: no sólo los norteamericanos y no sólo los afroamericanos pueden hacer blues de calidad impecable.

Ni éste ni ninguno de los otros dos, discos de WEA con la voz de Betsy, fueron jamás reeditados, ni en LP, y mucho menos en CD, tres discos que son medulares en la carrera de una artista y muy probablemente en la historia de la música mexicana: un disco perfecto de Blues hecho en México, una reunión armoniosa de la música y la literatura y un en vivo impecable donde hay de todo blues, compositores mexicanos, poetas en unión con músicos y hasta standards del jazz, olvidados y menospreciados por la disquera que probablemente ya tiró los masters a la basura, pero eso, sucede a menudo en éste México surrealista.




domingo, 22 de febrero de 2015

Jazz. Ahmad Jamal.





THE AHMAD JAMAL TRIO
"The Awakening"
1970





Entré en el mundo de la música de Jamal, por una recomendación que no podía dejar pasar, la de Miles Davis, quien en innumerables ocasiones declaró ser admirador de este pianista extraordinario, nacido en 1930 en la ciudad de Pittsburgh, cuna también de unos cuantos pianistas excelsos del Jazz: Errol Gardner, Mary Lou Williams, Billy Strayhorn y Earl Hines, nada más y a los tres años, antes de saber leer, ya tocaba el piano, empezó a tomar clases formales a los siete años y a los once, ya tocaba profesionalmente, el típico caso de un niño genio, superdotado para la música.

Jamal se hizo notar como artista único y extraordinario, por su virtuosismo, su manejo de los tiempos y por su concepción "orquestal" de la música, aun tocada por pequeños grupos como los tríos que fueron sus preferidos, Jamal no usaba el piano como instrumento de acompañamiento, ni se iba hacia el otro extremo de convertirlo en solista tan destacado que borre a los demás instrumentos, tiene una forma de abordar las piezas envolvente, creando un "ambiente", un fondo que da sustento a sus increíbles estructuras armónicas y a sus desarrollos melódicos, al tiempo que da "espacios" amplios y seguros, para los encargados de la sección rítmica.







En 1970, mientras el Rock se ampliaba en diversos rumbos y abría deslumbrantes vetas para explorar, músicos como Ahmad Jamal, hacían discos de extraordinaria factura como éste, con piezas de su autoría y sus acostumbradas recreaciones de éxitos populares del mismo Jazz o de otros ámbitos, en esta grabación hay dos piezas compuestas por él, la famosa "The Awakening", obra maestra de todos los tiempos y "Patterns"; una de Herbie Hankcock, una de Oliver Nelson, una de Jobim, variado en repertorio, variado en abordaje de géneros jazzísticos, variado en técnicas pianísticas y una cátedra de como hacer discos de Jazz con recursos minimalistas, ideas musicales maximalistas y virtuosismo instrumental sin protagonismos fatuos ni pretensiones no alcanzadas, solo talento y genio, al servicio, no del lucimiento personal, sino de la creación artística colectiva.




miércoles, 28 de enero de 2015

TEXTOS. Ray Bradbury.




RAY BRADBURY 
Introducción de "Cuentos Espaciales"







Si alguna vez te has preguntado cómo es que Ray Bradbury era capaz de escribir lo que escribía y como lo escribía, con la desbordante imaginación que poseía, la sensibilidad que tenía para ver lo que los demás no veíamos si él no nos lo hacía ver, y la intuición poética que tuvo siempre al escribir, en este texto que es parte de la introducción del libro "Cuentos Espaciales", el mismo Bradbury lo explica.




Julio Verne fue mi padre.
H.G. Wells fue mi tío sabio.
Edgar Allan Poe era el primo con alas de murciélago que guardábamos en lo alto del desván.
Flash Gordon y Buck Rodgers fueron mis hermanos y amigos.
Ahí tienen mi linaje.
Añadiendo, por supuesto, el hecho de que, muy probablemente, Mary Wollstonecraft Shelley, la autora de Frankenstein , era mi madre.
Con una familia así, de que manera podría haber salido distinto a como salí: un escritor de extrañas fantasías y cuentos de ciencia ficción.
Viví en lo alto de los árboles, junto a Tarzán, buena parte de mi vida, con mi héroe Edgar Rice Burroughs. Cuando abandoné el follaje de un envión, pedí una máquina de escribir de juguete de Navidad, durante mi duodécimo año. En esa máquina destartalada escribí mis primeros episodios imitando John Carter, jefe de los guerreros de Marte, y episodios enteros de Chandú el Mago, de memoria.
Envié cupones y creo que me asocié a todas las sociedades secretas de radio que existían. Guardaba tiras cómicas, la mayoría las tengo todavía... Iba a las matinales de cine. Devoraba las obras de H. Rider Haggard y Robert Louis Stevenson. En medio de mis veranos infantiles, saltaba alto y me sumergía profundamente en el vasto océano del Espacio, mucho, mucho antes de que la Era Espacial misma fuera más que una motita de mosca en el telescopio de doscientas pulgadas de Monte Palomar.
En otras palabras, estaba enamorado de todo lo que hacía. Mi corazón no latía, explotaba. Yo no me entusiasmaba con un tema, yo desbordaba, Siempre he corrido ligero y gritado fuerte a causa de una lista de cosas grandiosas y mágicas sin las cuales sabía, simplemente, que no podía vivir.


RAY BRADBURY. 









lunes, 29 de diciembre de 2014

LIBROS. Bob Dylan.




EL COMPLEMENTO PERFECTO DE LA MÚSICA.

Hay personas que se conforman con escuchar una vez cada disco y decir: sí, conozco ese disco, hay también gente que escucha los discos con atención muchas veces y puede decir con cierta razón que conoce esos discos y por último, hay quienes además de conocer el contenido musical, desean información acerca de los músicos participantes, las circunstancias de la grabación, el contexto histórico y cualquier detalle que le permita adentrarse en la historia de cada grabación.

Para este último tipo de melómanos esta hecho un libro que recientemente llegó a México, a pesar de que se editó en 2006 en los Estados Unidos, se trata de: Bob Dylan, complete discography de Brian Hinton, editado por casa editorial
Universe.
 

En el libro este, están todos los discos de Dylan, con portada, datos técnicos exhaustivos, del tipo de la fecha de grabación, fechas en que se editaron la versión mono, la estéreo y la de CD, el productor, los músicos, las claves para cada edición, la disquera y hasta las diferencias, si las hubo entre las ediciones gringas e inglesas.

Después viene un comentario sobre el disco, la lista de canciones y un comentario particular sobre cada canción, es decir, información completísima para el detallista que quiere saber todo sobre sus discos favoritos, la discografía incluye, todas las recopilaciones, grabaciones en vivo y las famosas latas, de reciente publicación, la información discográfica dylaniana llega hasta Love and Theft, más las mencinadas latas y el soundtrack de No direction home, el documental fabuloso de Scorsese.



Por último, está una sección de todos los discos en donde Dylan ha participado como invitado en conciertos del tipo de Bangladesh o The last waltz, soundtracks donde esté una canción cantada por él, sencillos editados en Estados Unidos, sencillos editados en Inglaterra, ¿así o más obsesivo? una delicia para el melómano lector y lo venden en Ghandi.

Hay otro libro que muy bien podría ser el complemento de este, Bob Dylan, lyrics 1962-1985, un libro que contiene las letras de todas las canciones grabadas por Mr. Zimmerman en esos años, en orden cronológico por álbum y de acuerdo al orden en que están en cada álbum, si juntas los dos libros con tu discoteca de Dylan, puedes escuchar una vez más cada disco mientras te deleitas con estas lecturas, cuando hayas escuchado todos los discos, revisado la información y leído la letra, entonces puedes morir tranquilo.



viernes, 19 de diciembre de 2014

POESÍA Y MÚSICA. Carmen Leñero.



CARMEN LEÑERO Y LA PERSPECTIVA DEL GATO.





El arte no tiene fronteras ni límites, salvo los que le impongan los propios creadores, no ve fronteras entre disciplinas, ni naciones, ni idiomas y la prueba de que esto es así, está en el  disco de Carmen Leñero de 2009 "La Perspectiva del Gato". Leñero es escritora, pero también es cantante con cinco discos grabados, de modo que le interesan la literatura y la música, un día leyó a Lorna Crozier, poetiza canadiense muy conocida en su país, además de multipremiada, o sea, una celebridad de las letras en Canada.

Carmen quedó muy impresionada y el día en que conoció a Lorna le propuso traducirla al español, pues antes no había nada de Crozier traducido a nuestro idioma y de ese modo hicieron amistad y en estos días ya está impreso el libro con poemas de Lorna Crozier, en versión bilingue, traducidos por Carmen Leñero.

Pero allí no paró el asunto, pues a Carmen se le ocurrió musicalizar los poemas y hacer un disco con ellos, es decir, una segunda traducción, ahora de poema a canción, consiguió cómplices para musicalizar, arreglar y tocar, mientras que ella además de participar en todos estos procesos, canta las poemacanciones divinamente.

El producto final es una maravilla, excelentemente bien musicalizado, arreglado y tocado, cantado en dos idiomas y en el libro que acompaña al disco los poemas en inglés y castellano, miles de pequeños esfuerzos de personas talentosas y amantes de la belleza para acceder a ella y permitirnoa a otros también ese acceso. 

miércoles, 17 de diciembre de 2014

ROCK ARGENTINO. Juan Carlos Baglietto.




JUAN CARLOS BAGLIETTO.
"Tiempos Difíciles".
1982.



El primer disco de Juan Carlos Bglietto está sostenido firmemente, además de en la voz excepcional del cantante rosarino, en las canciones que integran el repertorio, todas compuestas por paisanos de Baglietto (Fito Páez, Adrián Abonizio, Jorge Fandermole, y Rubén Goldin), además de que Goldin y Páez, hacían los arreglos y eran parte de la banda con la que se presentaban.

Hoy a está camada de músicos rosarinos que cambiaron el panorama de la música argentina a principios de los ochentas, se les conoce como "La trova rosarina" y son iconos de la cultura, pero no era así en 1981, cuando se presentaron en el Encuentro de Música Popular, en Buenos Aires y dejaron asombrado a medio mundo, pues ni en el rock, ni en la música folk, y mucho menos en el pop, se podían escuchar estas historias profundas, bellas y conmovedoras que además estaban escritas con exquisitez y elegancia e interpretadas por un grupo de excelentes músicos y arreglistas y por si no fuera suficiente, cantadas por una voz verdaderamente excepcional, la de el que habria de ser conocido en adelante, simplemente como Baglietto. 

Aquí aparecen varias piezas compuestas por Fito Páez, cuando aún no cumplía veinte años pero ya era un "niño prodigio" de la composición de canciones y como tecladista.




martes, 16 de diciembre de 2014

DISCOS FAVORITOS. "A long time coming".



THE ELECTRIC FLAG.
"A Long Time Comin'"
1968.





Después de su fructífera sociedad con Al Kooper, y de producir una obra maestra del blues blanco, Mike Bloomfield, fundó esta banda que es una de las pioneras del Rock-Jazz, sin la sofisticación y complejidad de los debuts de Chicago y Blood Sweat & Tears, "A Long Time Comin'", es rock, blues y toques de jazz en estado puro, sin sutilezas, sólo la fuerza y la pasión de un grupo de amantes de esos géneros.
 




Este es el disco con el que debutó The Electric Flag, fue grabado en 1967 y apareció en las tiendas al año siguiente, abajo del nombre del grupo aparece la leyenda: An American Music Band. y es una especie de advertencia de lo que el público va ha escuchar.

La leyenda apuntaba en dos sentidos, advertir que la grabación contenía música nacida en los Estados Unidos, jazz, blues y rock, además de distinguirse, de algún modo, de la avalancha de grupos ingleses que invadía a la Unión Americana.



La banda fue formada por Mike Bloomfield y la inició, invitando al tecladista Barry Goldberg y a Harvey Brooks, que también tocaba guitarra como Bloomfield, pero que allí sería el bajo, Bloomfield había conocido a ambos cuando grabaron Highway 61 revisited, el famoso disco de Dylan.

 Los invitados de Mike, invitaron a su vez, a un baterista excepcional que a pesar de tener sólo 19 años, ya tenía un curriculum impresionante, su nombre: Buddy Miles, la alineación se completó con Nick Gravenites, el que sería después un compositor de canciones excepcional, para que cantara y en la sección de metales entraron al quite, Peter Strazza y Marcus Doubleday.






Todos los miembros de la banda tenían, unos más que otros, habilidades como compositores y la unión de todos los talentos, crearon muy buenas canciones, además de los tratamientos sonoros que le dieron a cada una, la grabación es ya una clásica de la música americana y del blues hecho por blancos.







viernes, 12 de diciembre de 2014

CANCIONES FAVORITAS. ¡Maldición! va a ser un día hermoso.





¡MALDICIÓN! VA A SER UN DÍA HERMOSO
Autor: Carlos Alberto Solari
Intérprete: Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota




Los "Redondos", como son conocidos por sus fieles seguidores para ahorrarse el kilométrico nombre: Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, es una de las bandas más importantes de la Argentina, creada en La Plata a mediados de los setentas, por Carlos Alberto Solari, alias "El Indio" y Skay Bellinson, quienes han sido siempre la columna vertebral del grupo, el uno con la voz, el otro con la guitarra.

Dice la historia que provienen de "La Cofradía de la Flor Solar", mítico grupo pionero del rock argentino y que en un principio eran un grupo extenso que hacía "instalaciones" con música, teatro y danza, hasta que en 1978, se conformaron como banda de rock, también corre la leyenda de que en sus primeros conciertos, repartían buñuelos conocidos como "redonditos de ricota" y había una cocinera y  repostera famosa que daba sus recetas en la tele, una "Chepina" que se llama Patricia Rey, de allí el sarcástico nombre de la banda.

Y es que el sarcasmo es una de las principales características de las canciones de Los Redondos, quienes además han mantenido una posición contracultural e independiente inquebrantables, que los han hecho célebres: nunca han aceptado grabar para las grandes disqueras, nunca han hecho giras fuera de Argentina y no promocionan sus conciertos, sus seguidores se encargan de avisar con el método de "boca en boca".

Maldición!... fue grabada en "¡Bang! ¡Bang!... estás liquidado" su disco de 1989 y es una de mis favoritas en la obra redonda, con letra surrealista, casi en la mecánica de la "escritura libre", que consiste en dejar salir las palabras libremente, sin "intervención de la razón", y esto no es fácil, se nota cuando es pose y cuando hay talento para decir y jugar con las palabras.

Con ese estilo muy "redondo", de un rock duro con riffs muy atinados y la irónica expresión del título y el estribillo, que es una muestra del humor caústico, la irreverencia y la libertad con las que los Redondos hacen sus canciones, sin otra pretensión que la de hacer canciones.




¡MALDICIÓN! VA A SER UN DÍA HERMOSO.

Se de alguien que ha declarado
contra su moscardón imaginario
impecable testigo de caricias
que se esfumaron cuando dejó la guardia.

Pintan mal las cosas para él, mi viejo
pintan mal
¡Maldición! Va a ser un día hermoso.
¡Maldición!


Se de alguien que obliga a su aventura
a pagar los platos rotos de la gira
es el rufián arrepentido de los días
el único grito que sabía.


Pintan mal las cosas para él, mi viejo
pintan mal 

¡Maldición! Va a ser un día hermoso.
¡Maldición!

Se de alguien que enturbia sus sentidos
para tener lugar en la balanza
de las brutales risotadas hemorragias
de la pavada celestial de la avalancha.


Pintan mal las cosas para él, mi viejo
pintan mal
¡Maldición! Va a ser un día hermoso.

¡Maldición!

Maldición! va a ser un día, como los demás.



miércoles, 15 de octubre de 2014

LUNÁTICOS.




Luz de luna de bahía
luz que bebía tu boca
con las ansias de los aires
y la inquietud de las olas*








*Tomado de "Absoluto amor", poema de Efraín Huerta.

lunes, 1 de septiembre de 2014

LIBROS. Black Music.



LEROI JONES 
"Black Music"
(Free Jazz y conciencia negra 1959-1967)





En Enero de este año, murió en New Jersey Leroi Jones, escritor, poeta, ensayista, crítico musical, amante conocedor erudito del Jazz y activista por los derechos de la población afroamericana; nacido en 1934, estudió en varias universidades sin obtener nunca un título y en 1954 se alistó en la fuerza aérea, un día su comandante recibió una carta anónima donde se acusaba a Jones de ser comunista y el hecho de tener en su poder escritos relativos a la Unión Soviética, fue suficiente para que fuera dado de baja de forma deshonrosa.



A partir de entonces realizó una labor incansable en defensa de la cultura negra, escribió poemas, obras de teatro, ensayos, artículos de crítica musical, siempre desde una posición de rabiosa defensa de su cultura y su grupo étnico, la vehemencia y pasión con que escribía y hablaba lo llevó muchas veces a ser acusado de extremista, violento, racista y muchas descalificaciones más, en el '65, tras la muerte de Malcom X, radicalizó sus posiciones y se convirtió al islam como muchos negros activistas que así, se distanciaban hasta religiosamente de sus opresores blancos.

Amante del Jazz, por mucho tiempo se dedicó a la crítica musical en ese ámbito, distinguiéndose por su desacuerdo con los críticos blancos que analizaban a la música de Jazz, desde sus parámetros culturales y sin entender a cultura y la historia de los afroamericanos.

El año pasado, la editorial Caja Negra, editó algunos de estos artículos escritos entre 1959 y 1967, traducidos por Patricio Orellana y gracias a esa acción, podemos acercarnos a los escritos de Jones que resultan interesantísimos: porque nos permiten conocer su obra; porque son un testimonio de la lucha ideológica en esos momentos de auge de la reivindicación de los afroamericanos y porque nos muestran otra cara del apasionante género musical, sus protagonistas, sus caminos e innovaciones, en el momento en que estaban sucediendo, no es historia, es crónica y crítica periodística al día.


martes, 26 de agosto de 2014

CANCIÓN LIBRE. El niño que volaba.




"El niño que volaba"
Autor e intérprete": Víctor Manuel San José



Agonizaba la década de los setentas, la dictadura franquista había llegado a su fin con la muerte del "Caudillo", la represión hacía todas las manifestaciones artísticas no oficiales ya no existía y los cantores de "protesta", artistas militantes de la oposición que sobrevivieron engañando a la censura con metáforas ingeniosas u obvias referencias que creaban códigos especiales que establecían complicidad entre cantores y su auditorio disfrutaban, de la libertad conquistada en años difíciles, tesón y esperanza.

Víctor Manuel, uno de estos cantores que vivieron la censura y la persecución, estaba en un momento especial de creatividad desbordante, en este estado de gracia, hizo uno de sus mejores discos, favorito de quien esto escribe, "Soy un corazón tendido al sol", con canciones extraordinarias y entrañables como la homónima del disco, "Sólo pienso en tí", "Digo amor y digo libertad y otras como "El niño que volaba".

En ella Víctor Manuel, rescata la muy usada metáfora del vuelo para hablar de la libertad, pero la combina con la niñez, así al niño que es un ser libre por naturaleza, le salen alas en el lugar de sus brazos y al volar, hace lo que le place que es en esencia, ir contra lo acostumbrado, contra todas las convenciones y lo justifica ante la persecución y el asombro de la gente común, presa de su propia vida social, de la siguiente manera: "Todo su afán consistía / En sentirse muy libre, romper las amarras, / Beberse la vida, pasar de ataduras / De casa y familia y sólo regirse / Por leyes no escritas". 

Y es tan insólito el niño volador, que despierta la curiosidad de los científicos y la codicia de los millonarios dueños de los capitales globales, quienes al fin lo atrapan y al tiempo que se libran de su amenaza, que es la amenaza de la libertad, lo exhiben como rareza de circo y ganan algunos dólares más, como suele suceder con muchos símbolos y movimientos libertarios que terminan siendo vendibles.



EL NIÑO QUE VOLABA.

Todos volaban tan bajo 
Y él se remontaba a las nubes más altas, 
Crecieron sus alas, menguaron los brazos 
Y fue construyendo su nido en un árbol. 

Vaya sorpresa en las caras 
Cuando una mañana por la chimenea 
Se fue de la casa y al ver cielo abierto 
Extendiendo las alas como mariposa 
En el aire volaba. 

Fueron muy sabios doctores 
Los que le pidieron la pluma de un ala 
Para analizarla pero al separarla 
La oyeron quejarse convertida en agua. 

Pronto se fue de la escuela 
Porque distraía la clase y al dar la lección 
Se subía a la araña del techo y sin ser necesario 
Salía al recreo revoloteando. 

Le visitaron museos de todos los mundos, 
La jaula de oro le ofrecen algunos, 
Fortunas inmensas maltratan su orgullo 
Y un jeque le quiso hacer novio suyo. 

Todo su afán consistía 
En sentirse muy libre, romper las amarras, 
Beberse la vida, pasar de ataduras 
De casa y familia y sólo regirse 
Por leyes no escritas. 

La fundación Rockefeller 
Son sus propietarios porque le cazaron 
Remontando el tajo y todo Manhattan 
Respira aliviado, al fin consiguieron 
El niño tan raro.



El niño que volaba (haz click para escucharla).



miércoles, 13 de agosto de 2014

JAZZ. Bill Evans.





BILL EVANS

1929-1980




Bill Evans es uno de los grandes pianistas que ha tenido el Jazz, nacido en 1929 en Plainfield, New Jersey, después de realizar sus estudios básicos, ingresó a la Souhteastern Louisiana University, para estudiar flauta, estos estudios le aportaron la teoría musical que le sirvió de cimiento para desarrollar su gran talento para la música. En 1950 se graduó como pianista y empezó a tocar con la Orquesta de Herbie Fields, pero en ese mismo año, fue llamado por el "Tío Sam" a cumplir su servicio militar durante tres años, durante su estancia en las fuerzas armadas y al igual que otros músicos famosos, formó parte de una banda militar, como forma de no perder la práctica.

En 1954, al terminar su servicio militar, se trasladó a New York tocando en el cuarteto de Tony Scott , por esa época hizo estudios musicales en el Mannes College y allí conoció a George Russell y entró en contacto con las teorías del Jazz Modal por primera vez, a mediados de la década cincuentera, grabó su primer disco como líder ("New Jazz Conceptions", 1957), grabación que hasta la fecha sigue siendo un "clásico" y que a pesar de haber sido recibido con excelentes críticas, no vendió ni mil copias en su primer año.

A partir de allí, Evans fue requerido para acompañar a varios "pesos pesados": Mingus, Art Farmer y Lee Konitz, además del fino saxofonista Oliver Nelson, en 1958, fue nombrado "pianista revelación" y en ese mismo y muy importante año, se integró al sexteto de Miles Davis, precisamente en los meses anteriores a la grabación de "Kind Of Blue", para Evans fue su estrella curricular y un período de aprendizaje muy importante, pero también se convirtió en pieza clave del sexteto, aportando ideas, componiendo música e influyendo definitivamente en las ideas y rumbos musicales de Davis.

Ocho meses después de haber entrado al grupo de Miles, lo dejó para formar sus propios grupos, tríos casi siempre, con su piano bajo y batería, sus acompañantes más notables y con quienes consiguió la "química" más perfecta fueron Paul Motian en la batería y Scott LaFaro en el contrabajo, considerado como uno de los grandes tríos de la historia del Jazz.

Su asociación con LaFaro no pudo ser de mayor duración porque éste murió a la temprana edad de 25 años, su sustituto Chuck Israels (el que aparece en el video), logró casi la misma compenetración con Evans  que la que tenía LaFaro y que consistía en que ambos instrumentos hicieran el doble papel de acompañamiento y de solistas, con estos formatos de trío, Evans dejó muchas grabaciones deslumbrantes y ejemplares, verdaderas cátedras de las posibilidades del pìano en la música de Jazz, una selección de sus mejores grabaciones podría ser ésta: 

1957: "New Jazz Conceptions" (Riverside)
1958: "Everybody Digs Bill Evans" (Riverside)
1959: Portrait in Jazz (Riverside/OJC)
1961: Explorations (Riverside/OJC)
1961: Sunday at the Village Vanguard [live] (Riverside/OJC)
1961: Waltz for Debby [live] (Riverside)
1963: Conversations With Myself (Verve)
1965: Trio '65
1977: Cross-Currents (Fantasy/OJC)
1979: Paris Concert, Edition One [live] (Elektra)
2000: The Last Waltz (Milestone)
2003: Portraiture (Fuel 2000)

Los cinco primeros, forman parte de una colección de reciente edición llamada "The Riverside years", y se consiguen con facilidad, así al mayoreo resulta mucha música a poco precio, para fans de Evans y para curiosos que deseen entrar al mundo musical de este extraordinario pianista, de exquisita técnica, desbordada creatividad y sólidos conocimientos musicales. 

Bill Evans inició su carrera en el Jazz, en pleno auge "bopero", pero su estilo es muy "blanco", para distinguirlo de los pianistas de Jazz de tradición "blusera" y afroamericana en general como Art Tatum, Horace Silver o el mismísimo Thelonious, para los críticos e historiadores, Evans es un pianista de tradición "europea", con técnica y virtuosismo de concertista, una de las definiciones más atinadas que se han hecho del estilo de Evans es que es "un pianista debussiano o raveliano", por la influencia de Debussy y de Ravel en su estilo. 

El video que se incluye en la nota, es una demostración del virtuosismo de Evans, de su emotividad, su sentido musical, su capacidad improvisatoria y su grandeza como instrumentista, ¿te parece que exagero? ¿ pierdo la objetividad?, muy probablemente querido lector(a), pero no puedo evitarlo, soy fan adorador de la música de este genio.





viernes, 8 de agosto de 2014

DISCOS FAVORITOS. El Sabor de mis palabras.



BETSY PECANINS.

"El Sabor de mis Palabras".
1987.




Betsy Pecanins nació en Arizona, la explicación: su padre es norteamericano; vivió muchos años en Barcelona, la explicación: su madre es catalana y en 1977 llegó a México para quedarse, aquí ha hecho su carrera de cantante y le ha crecido tanto el amor que se nacionalizó mexicana, por eso, las biografías de Betsy empiezan "cantante mexicana...


Su carrera discográfica empezó con "Viendo tus ojos", donde cantaba canciones de Federico Alvarez del Toro, siguió con un álbum de canciones catalanas, luego empezó a grabar Blues, un género que siempre le ha apasionado, su disco "Betsy Pecanins canta Blues" fue el primero de una serie que grabó con la transnacional WEA y en su cuarte grabación, también para el gigante discográfico, Betsy llevó a cabo un cambio significativo: debutó como compositora, escribiendo la música de la mayoría de las canciones, empezó su gusto por las fusiones entre géneros que le son entrañables e inició una fructífera relación con poetas jóvenes que hicieron la mayoría de las letras de las canciones.


 
Los poetas jóvenes que hicieron sociedad con Betsy eran Alberto Blanco, Magalí Lara y David Huerta y los músicos inovadores que cedieron canciones fueron Guillermo Briseño, Marcial Alejandro y Miguel Ríos, con ésta combinación de gente de letras y gente de música, el álbum resulta una joya, que tiene su lado flaco en las melodías de Betsy bastante insípidas, por otra parte, letras, arreglos y ejecución instrumental, son creativos y de alta calidad.

Betsy ha seguido haciendo discos de Blues, Jazz, Bolero y otros géneros, es una de nuestras divas del canto y su integridad es a prueba de todo, con una gran voz, podría estar cantando cualquier cosa vendible, pero ella prefiere seguir cobijada en el arte y la independencia, siempre apoyada solidariamente por gente que piensa como ella. Por último, decimos que es una joya en vinil, porque WEA jamás lo reeditó, no existe formato CD de ésta grabación y es poco menos que inconseguible, pero como una forma de hacerle justicia y darlo a conocer a las nuevas, no tan nuevas generaciones y las viejas que no lo conozcan...