En el disco de Mercedes Sosa conocido como "¿Será posible el sur?" y fechado en 1984, "La Negra" juntó un repertorio fino y significativo, piezas que se volvieron indispensables en su historia y sus presentaciones, "Todavía cantamos" del inmenso Víctor Heredia y la que ella misma hizo conocida en toda latinoamérica "Todo cambia" del chileno Julio Numhauser, también formó parte del conjunto "Corazón de estudiante" de los brasileños Milton Nascimento y Wagner Tiso.
La que da nombre al álbum, "Agosto en Tucumán", "Como pájaros en el aire" de Peteco Caravajal y todas las del disco que lo hacen disfrutable de principio a fin, pero entre todas estas piezas extraordinarias, asoma una tierna y conmovedora, un vals de Osmar Maderna en la música y Homero Expósito en la letra, escrita en 1949 e interpretada por muchos cantantes, yo no conocía la pieza hasta que la escuché en la voz de la gran Mercedes, redonda y sin desperdicio, música con magia y una letra-historia que trata sobre todo del amor simple y llano, no queda claro si está dedicada a una niña pequeña o a una mujer muy joven que despierta sentimientos nobles y hace que el mundo sea soportable y hasta bello, el milagro que hace el amor, el acontecimiento más extraordinario de la vida y la experiencia inigualable.
PEQUEÑA.
Donde el río se queda y la luna se va,
donde nadie ha llegado, ni puede llegar,
donde juegan conmigo los besos en flor
tengo un nido de plumas y un canto de amor.
Tú que tienes los ojos mojados de luz
y empapadas las manos de tanta inquietud
con las alas de tu fantasía
me has vuelto a los días de mi juventud.
Pequeña, te digo pequeña,
te llamo pequeña con toda mi voz,
mi sueño que tanto te sueña
te espera, pequeña, con esta canción. La luna, ¿qué sabe la luna?
la dulce fortuna de amar como yo,
mi sueño que tanto te sueña
te espera, pequeña, de mi corazón.
Mercedes Sosa la gran diva de la canción folclórica y combativa de la Argentina hizo este disco en 1962, el grueso del repertorio se conformó con canciones de un dueto de compositores que eran extraordinarios, Armando Tejada y Oscar Matus,* en esos días la voz exepcional de Mercedes estaba en plenitud y llena de musicalidad, su inclinación vocacional era por entonces el folclor de su tierra y la pareja Tejada - Matus hacían piezas llenas de paisajes y movimiento humano, río. nauraleza y personas adquirían vida en una grabación asombrosa, entre todas las joyas musicales siempre me gustó más que todas la melancólica e impactante "El indio muerto" de Gerardo López.
*Piezas compuestas por Tejada y Matus.
Los Hombre Del Río* - 2:27"2. -
Recuerdos Del Paraguay - 2:16". - (Ben Molar y Demetrio Ortíz)
Canción Del Jangadero - 2:24"4. - (Ramón Ayala y Vicente Cidade)
La Zafrera* - 2:48"5. -
El Río Y Tu* - 2:14"
Tropero Padre* - 2:45"
Nocturna* - 2:26"
El Indio Muerto - 2:30" ( Gerardo López)
Zamba De Los Humildes* - 2:51"
Zamba De La Distancia* - 2:53"
Selva Sola* - 2:07"
Sin Saber Por Qué - 2:22" ( Ben Molar y Florentín Gimenéz)
La canción de Ariel Ramírez y Félix Luna puso en el mapa de los no lectores a Alfonsina Storni casi treinta años después de su muerte en 1938, la poetisa llegó a Argentina en 1896 cuando sus padres regresaron después de una estancia en Suiza y vivió su infancia en Rosario donde su padre estableció un café y en el que trabajó como mesera, pero como no pensaba ser mesera en el café de su padre para siempre se fue de su casa con la ilusión de ser actriz.
Probó incorporándose a una compañía tetral después de un tiempo que fue maestra de la escuela domiciliaria que su madre creó y en esa época escribió obras de teatro y poesía que se publicaron en revistas literarias locales, a fines de 1911 se trasladó a Buenos Aires, y al año siguiente nace su hijo Alejandro, era una mujer sola que ya sabía que iba a enfrentar la vida y sus circunstancias con lo que decidiera y sus consecuencias.
Al ser aceptados algunos de sus poemas en las revistas literarias capitalinas, entró en contacto con los poetas latinoamericanos modernistas o cercanos al modernismo, este hecho la incorporó al grupo de escritores y poetas de su patria y otros países, sus talentos y su mundo interior atormentado desde siempre produjeron una poesía que ni una sociedad patriarcal podía ignorar.
En 1922 o más o menos, conoció a Horacio Quiroga y entre ellos nació una amistad que influyó a ambos poderosamente, cuando Quiroga dejó Buenos Aires pidió a Alfonsina que fuera con él, pero la poetisa no se decidió y eso los mantuvo alejados, en 1936 Quiroga se suicidó, poco tiempo después de que Alfonsina fuera operada para tratar de erradicar su cáncer de mama.
Su obra literaria le trajo el reconocimiento y la publicación de sus poemas, diversas distinciones nacionales o extranjeras la hicieron conocida en el ámbito pero su enfermedad no cedía y eso más el suicidio de su amigo la decidió a terminar con su vida ejerciendo su derecho a decidir el momento de su muerte, el 23 de Octubre de 1938 estando en Mar del Plata se arrojó al mar desde una escollera, la imagen de la canción de Ariel Ramírez es sólo imaginación pero hizo que medio mundo que escuchó la famosa pieza, creyera en esa idea de su suicidio.
1968 fue un año convulsionado y en la vecindad mexicana la "cosa estaba que ardía": la guerra de Vietnam, el asesinato de Luther King, las luchas por los derechos de los afroamericanos, las luchas juveniles y de las mujeres, más muchos otros sucesos, entre ellos se dió uno en apariencia menor, Johnny Cash realizó un concierto en la prisión de alta seguridad de Folsom, California, un sueño que Johnny tenía desde que compuso "Folsom Prison Blues" en 1955.
Johnny Cash marcado por la época y con una vida convulsionada, se convirtió un icono de la música popular de la talla de Dylan, Guthrie o cualquier gigante de la cultua musical, pero llegar a ese sitio fue todo menos fácil, pasó por todos los infiernos grandes o pequeños y se sentía hermanado con los que estaban presos, después de él otros fueron a dar conciertos a los presos, pero ninguno como Cash, por convicción y genuinidad.
Había estado cantando en otras prisiones pero nunca su actuación había sido grabada y por eso convenció a Columbia de hacer el disco, se dice que a la disquera no le entusiasmó la idea y no estaban dispuestos a invertir mucho, al apoyo de Cash acudieron sus amigos que lo acompañaron: Carl Perkins, June Carter su ángel y otros para ensayar las canciones, presentarlas y grabarlas.
El disco de la Prisión de Folsom fue por lo menos extraño, pero el tiempo le dió otra dimensión, era el gesto extraordinario del que contra todo y contra todos cambió la música popular, pues Cash no era sólo un cantante de country, tuvo que ver con el nacimiento y vuelo del Rock and Roll y sus canciones-historias dejaron una serie de imágenes de la vida norteamericana realistas, crudas y nada románticas ni coloreadas de rosa, Johnny venía de visitar los infiernos y su visión del mundo no daba concesiones.
En Folsom Cash se presentó dos veces y cuando se editó el disco quedó guardado mucho material, en la edición de 1999 se agregaron canciones no aparecidas antes, pero la actuación completa aún espera su edición definitiva, en 2003 la librería del Congreso incorporó el disco al registro nacional, pasando a ser patrimonio histórico y cultural.
A su muerte hasta película de su vida hicieron, enteró a algunos miopes o ignorantes como yo de que dejaba una obra monumental apenas reconocida y valorada, así cambió la idea muy generalizada de que era un artista sólo del ámbito country ignorando sus contribuciones a la cultura "gringa" y universal.
Agustín Lara fue en su tiempo el compositor de canciones más importante de México, porque revolucionó la música popular con una nueva forma de hacer boleros en fusión con danzones, tangos y música folclórica; porque le dió a la canción popular mexicana una nueva lírica, con referencias decimonónicas, con una pizca de las letras peninsulares (de Yucatán) y con la inmortal cultura del "romanticismo" como suele decirse de todo lo que tiene que ver con el amor, sus variantes, problemáticas y estados de desvario.
En los años treinta, cuarenta y cincuenta, Lara fue el acontecimiento más importante en la música popular, con una gran cantidad de cantantes haciendo fila para grabar una canción del "músico poeta" y proyectar su carrera, en las décadas posteriores decayó su popularidad, sobre todo a partir de su muerte en 1970, pero aún así, cantantes de todos los géneros: folclóricos, cumbieros y baladistas incluyeron una o dos canciones de Lara como homenaje y condición para asegurar un disco exitoso.
De los noventa hasta la plenitud del siglo actual, Lara tuvo una resurrección: nuevos estudios biográficos, ensayos sobre su obra y regrabación de sus canciones con una modalidad distinta, discos como álbumes de canciones de Lara exclusivamente y de ellos tengo una trilogía consentida: "Ven acá" (1989) de Eugenia León, un delicioso experimento musical desde la óptica del Jazz; "Mujer divina" (2012) de Natalia Lafourcade, canciones de Lara en un disco de Música Pop, increíblemente bien hecho e insospechadamente posible; y este disco de Blues, Música Caribeña, Jazz, Tango y Música de Cámara.
Los músicos que acompañaron a Betsy son: un guitarrista, un cellista, un bajista, una percusionista, un armoniquista, y complementando piano, teclados electrónicos, acordeón y coros, una mezcla de este tipo habla de la intención del trabajo, eclecticismo y experimentación con resultados muy interesantes e inovadores, los cómplices de la empresa fueron:
En 2009 se editó un disco de Eugenia León dedicado al Cine Mexicano, aunque mejor dicho y definido, hizo un disco dedicado a la música en el Cine Mexicano, como suele suceder Eugenia concibio el proyecto, hizo la investigación que consistió en revisar más de 300 películas desde 1931 hasta el año 2000, se puso en contacto con muchos músicos excelsos, la mayoría amigos y cómplices conocidos a lo largo de diversos proyectos que ya son un cuarto de centena.
Entre los compañeros de aventura musical están: Horacio Franco; "Tambuco", el ya muy conocido grupo de percusiones solamente; Enrique Nery, arreglista de gran experiencia y mente siempre inovadora; Omar Guzmán, el arreglista extraordinario en muchos discos de Eugenia; Fernando de la Mora, celebridad en el medio del bel canto; el Cuarteto Latinoamericano, el grupo de cámara con muchas décadas de notable trabajo; la Banda de Música del Estado de Oaxaca y muchos más que yo no conocía, pero que hacen todos un trabajo colectivo y amoroso.
Lo que caracteriza al trabajo es la elección de canciones sacadas del Cine a partir de dos criterios: la importancia de las películas y el gusto de Eugenia por cada canción que en total son 22 y que por supuesto pudieron ser 100, la gloria del canto mexicano hace una elección de grandes piezas y para no sólo cantarlas tal y como se escucharon en las películas, a todas les hicieron arreglos que convierten al conjunto, canciones, arreglos y voz en un disco extraordinario que según su redactor, en otras latitudes sería ya un clásico conocido en todo el mundo, en mi amada Patria esto no funciona así y nos guardamos nuestras joyas para que sólo conozcan los "espejitos" en el resto del mundo.
Para no guardarse nada Eugenia inicia con "Tierra Brava" de Lorenzo Barcelata y Ernesto Cortázar arreglada por Luis Martínez y grabada por 11 músicos y coristas que hacen con la voz de Eugenia una versión que invita de inmediato a escuchar todo el disco varias veces, sigue la celebrísima "Dios nunca muere" de Macedonio Alcalá uno de nuestros grandes compositores de los siglos XIX y XX, con un arreglo basado en la marimba y las percusiones con apariciones esporádicas de un bandoneón que se escuchan entre la tradición y la posmodernidad.
Una joya de muchos kilates es "El relojito" de Francisco Gabilondo Soler, canción infantil que cantó Tin Tan en "Chucho el remendado" a Eugenia y al maestro Horacio Franco se les ocurrió un arreglo que creó el afamado flautista sólo con sus flautas y la Voz de la señora León, el resultado es genial, después vienen muchas otras, todas arregladas, pulidas y registradas como el trabajo del orfebre, con talento, amor e inspiración, "Pereza" de Juan García Esquivel, con el Cuarteto de Saxofones Anacrúsax y su arreglo es la prueba.
Eugenia León renunció a grabar sus discos con las grandes compañías que aportan el billete grande junto con los condicionamientos y las imposiciones, León lo hace a su modo, se apoya en sus amigos músicos y en las instituciones y empresas que fomentan la cultura, Canal 22, CONACULTA y Radio Universidad pusieron el financiamiento y hasta los estudios de grabación, para completar el paquete, se hizo un DVD de la grabación del disco con una entravista a Eugenia y escenas del registro de las canciones incluído con el CD y al mismo precio.
Amparo está muy olvidada, en los setenta era una de nuestras grandes divas del canto y además de ser una voz extraordinaria no decidió cantar canciones para vender discos sean cuales fueran, se incorporò al Canto Nuevo, grabó en compañías independientes, siempre en Discos Pueblo y su repertorio era de canciones de lucha, de cuestiones sociales, de la justicia y la injusticia, de la libertad, de los niños y de la mujer.
En su natal Sinaloa empezó a cantar y era maestra rural, la profesión habìa sido elegida para toda la vida pero la música ganó y se trasladó a México para inscribirse en la Escuela Nacional de Música, al tiempo empezó a cantar en las Peñas donde se cantaba folclor y canto nuevo que era canciòn de protesta, de lucha, de fusiòn y otras corrientes no comerciales de consumo masivo.
En el 1985 grabó uno de sus grandes discos, fiel a su espíritu de buscar piezas de calidad y con mensajes significativos, armó el disco con canciones sobre la mujer, sus luchas, sus problemas, su emancipación, todas de autores latinoamericanos de diversos países, integró canciones de Gloria Martìn, Fernando Ubiergo, del grupo "Haciendo punto en otro Son", Ramòn Rodrìguez del canto chicano, Carlos Mejia Godoy el compositor de Nicaragua, y la ya clásica "La Mujer" de Teixeiro.
En el disco la voz de Amparo se juntó con excelentes músicos y arreglistas del ámbito del Jazz, del Son, Los Folcloristas y gente que estaba haciendo música distinta rompiendo los acostumbradas formas de hacer y vender lo mismo de siempre, el disco debería ser más conocido por los grandes públicos pero Amparo nunca tuvo el interés de "venderse" como se decía y se creía en los setenta, siguió viajando, cantando donde su canto era solidario con las más distintas luchas y dejó de cantar antes de cumplir los cincuenta años el 8 de Febrero de 1984, escribir esto es recordarla y darla a conocer para quien no sepa que existió la entrañable Amparo Ochoa.
Y para concluir, el disco sigue reditándose por Discos Pueblo al igual que toda su discografía, incluso hay una colección con 14 cd que incluye todos sus discos, no ha muerto ni hay que buscar en aire, tierra y mar, se consigue con facilidad
Jobim es sin lugar a dudas el compositor brasileño más importante de la historia musical amazónica, compositor, cantante, guitarrista, pianista y como creador de música abordó varios géneros: bossa nova, música sinfónica y todas las formas de la música popular brasileña, a los veinte años siendo estudiante de arquitectura decidió dedicarse a la música, ya tocaba en pequeños locales nocturnos y sus preferencias eran muy claras, se acercaba mucho a los sonidos del Jazz y amaba la Samba y todo el folclor brasileño. En 1958 ya despertaba atención por sus capacidades como compositor y fue grabado el disco de Joao Gilberto con canciones de Jobim y producción del mismo más arreglos de Gilberto, la combinación de ambos talentos es considerado el nacimiento del género bossa nova, una revolución musical descendiente de la Samba, en él se grabó Chega de saudade, la canción iniciadora del movimiento. En 1962 Stan Getz el Jazzista norteamericano grabó Desafinado con gran éxito, fue la inspiración para que Jobim y otros músicos brasileños fueran invitados a Norteamérica, el bossa cautivó a la Unión Americana y muchos músicos grabaron piezas de los compositores amazónicos, a partir de eso nació una fusión musical de Jazz y música brasileña. Las grandes canciones de Jobim se sucedieron una tras otra sin parar, parecía que la inventiva e imaginación de Tom no tenía límite e inundaron al mundo, su canción más emblemática es Aguas de Marzo, grabada por él en principio, pero fue en 1974 que grabó el disco llamado "Elis y Tom" con canciones de Jobim e interpretación de ambos que la joya se volvió universal, la grabación fue una de los grandes discos de la historia y la canción inició su canonización, hoy es considerada la mejor canción brasileña de la historia.
Musicalmente es perfecta, sencilla y prodigiosa por su ritmo mágico, sus ires y venires y la forma de ir soltando las frases, su letra es poesía de gran belleza para hablar de algo tan terrestre como el agua se suceden las imágenes de los paisajes, la naturaleza, los climas, las plantas, los objetos inanimados, las creaciones humanas, las emociones, los sentimientos, los animales y todo lo bello y conmovedor que puebla nuestro mundo, cuando escucho esta canción no puedo evitar evocar a otro poeta inconmensurable, que no era músico sino escritor, al genial Ray Bradbury que hable de lo que hable como Jobim, conmueven hasta las lágrimas y nos hacen creer en un mundo de esperanzas.
AGUAS DE MARZO.
Es palo, es
piedra, es el fin del camino
Es un resto de tronco, está un poquito solo
Es un casco de vidrio, es la vida, es el sol
Es la noche, es la muerte, es un lazo, un anzuelo
Es un árbol del campo, un nudo en la madera
Caingá, candela, es matita de pera.
Es madera del viento, alud en el despeñadero
Es misterio profundo
Es el quiera o no quiera
Es el viento venteando, el fin de la ladera
Es la viga, es el vano, la fiesta del tijeral
Es la lluvia lloviendo, la voz de la ribera
De las aguas de marzo, el fin del cansancio
Es el pie, es el suelo, es marcha caminera
Pajarito en la mano, piedra del tira-piedras.
Un ave en el cielo, un ave en el suelo
Un arroyo, una fuente
Un pedazo de pan
Es el fondo del pozo, es el fin del camino
En el rostro el disgusto, está un poquito solo.
Es un tarugo, un clavo
Una punta, un punto
Una gota goteando
Una cuenta, un cuento
Es un pez, es un gesto
Es la plata brillando
Es luz de la mañana, un ladrillo llegando
Es la leña, es el día, es el fin de la huella
La botella de ron, reventón caminero.
El proyecto de casa, es el cuerpo en la cama
Es el coche atascado, es el barro, es el barro
Es un paso, un puente
Es un sapo, una rana
Es un resto de campo en la luz de la mañana
Son las aguas de marzo cerrando el verano
Es la promesa de vida en tu corazón.
Es palo, es piedra, es el fin del camino
Es un resto de tronco, está un poquito solo
Es una culebra, es un palo, es Juan y José
Un espino en la mano, es un corte en el pie
Son la aguas de marzo cerrando el verano
La promesa de vida de tu corazón.
Es palo, es piedra, es el fin del camino
Es un resto de tronco, está un poquito solo
Es un paso, es un puente
Es un sapo, una rana
Es un bello horizonte, una fiebre terciana
Son las aguas de marzo cerrando el verano
La promesa de vida en tu corazón.
Palo, piedra, fin del camino
El resto de tronco, está un poquito solo.
Palo, piedra, fin
del camino
El resto de tronco, está un poquito solo.
Palo, piedra, fin
del camino
Resto
de tronco, un poquito solo.
Palo,
piedra, fin del camino
Resto
de tronco, un poquito solo.
AGUAS DE MARÇO
É pau, é pedra, é
o fim do camino
É um resto de
toco, é um pouco sozinho
É um caco de vidro, é a vida, é o sol
É a noite, é a morte, é um laco, é o anzol
É peroba do campo, é o nó da madeira
Cainga, candeia, é
o Matita Pereira
É madeira de vento, tombo da ribanceira
É o mistério profundo
É o queira ou nao queira
É o vento ventando, é o fim da ladeira
É a viga, é o vao, festa da cumeeira
É a chuva
chovendo, é conversa ribeira
Das aguas de marco, é o fim da canseira
É o pé, é o chao,
é a marcha estradeira
Passarinho na mao, pedra de atiradeira
Uma ave no céu, uma ave no chao
É um regato, é uma
fonte
É um pedaco de pao
É o fundo do poco,
é o fim do caminho
No rosto o desgosto, é um pouco sozinho
É um estrepe, é um prego
É uma ponta, é um
ponto
É um pingo pingando
É uma conta, é um
conto
É um peixe, é um
gesto
É uma prata
brilhando
É a luz da manha, é o tijolo chegando
É a lenha, é o
dia, é o fim da picada
É a garrafa de cana, o estilhaco na estrada.
O projeto da casa,
é o corpo na cama
É o carro enguicado, é a lama, é a lama
É um passo, é uma
ponte
É um sapo, é uma
ra
É um resto de mato, na luz da manha
Sao as aguas de
marco fechando o verao
É a promessa de vida no teu coracao
É pau, é pedra, é o fim do caminho
É um resto de
toco, é um pouco sozinho
É uma cobra, é um pau, é Joao, é José
É um espinho na
mao, é um corte no pé
Sao as aguas de marco fechando o verao
É a promessa de
vida no teu coracao
É pau, é pedra, é o fim do caminho
É um resto de
toco, é um pouco sozinho
É um passo, é uma ponte
É um sapo, é uma
ra
É um belo horizonte, é uma febre terca
Sao as aguas de
marco fechando o verao
É a promessa de vida no teu coracao
É pau, é pedra, é o fim do caminho
É um resto de
toco, é um pouco sozinho
É pau, é pedra, é o fim do caminho
É um resto de
toco, é um pouco sozinho
Pau, pedra, fim do caminho
Resto de toco,
pouco sozinho
Pau, pedra, fim do caminho,
Resto de toco,
pouco sozinho Letra original y traducción, tomadas de: "Corazón de canción", Blog dedicado al amor y las canciones, adjunto link.
Hace 34 años que Elis murió de 36 y sigue siendo la mejor cantante brasileña de música popular,después de ella han llegado muchas y muy grandes, pero parece que el aura de Elis no puede ser opacada, nació en Marzo de 1945 en Porto Alegre y empezó a cantar en los concursos de radio a los 11 años, avisando desde la primera nota que era un acontecimiento y desde entonces su carrera se volvió vertiginosa, como si supiera que no tenía mucho tiempo.
A los 14 años ya tenía un contrato en Radio Gáucha y a los 15 ya estaba en Rio de Janeiro grabando su primer disco "Viva a Brotolândia", 1962 fue el año de "Poema de Amor" su segunda grabación y en 1965 apareció "Dois na bossa" su exitoso disco con Jair Rodrigues vendiendo más discos que nadie en la historia brasileña, Elis y la música eran la estrella brasileña que empezaba a hacerse universal.
En los sesenta Elis se incorporó al movimiento musical llamado "Tropicalia" que pretendía ser una renovación del bossa nova y Elis era su puente, así colaboró con los nuevos cantantes y músicos revolucionarios en plena dictadura militar iniciada en 1964, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa, Jorge Ben y otros artistas de todas las disciplinas junto con cineastas y artistas plásticos, la idea era renovar todos los ámbitos de la sociedad y la cultura, por supuesto que un movimiento de esa naturaleza no era vista con buenos ojos por los disctadores.
En esa época en la que Elis era la gran estrella, había perdido su timidez natural y hacía todo tipo de declaraciones sin medir consecuencias, desde entonces se convirtió en una crítica constante de la dictadura su famosa declaración donde llamaba "gorilas" a los militares que gobernaban le dió un lugar privilegiado en la lista negra del gobierno.
En su mejor momento, se presentó en el Festival de Montreaux, y luego continuó la gira por Milán, Roma, París y Barcelona conquistando Europa y haciendo declaraciones audaces e impactantes como la que menciona Xavier Velasco en su artículo para El País de 2005: "Europa necesita entender que no somos un simple pueblo de Carnaval; no he venido hasta aquí para hacer concesiones".
Elis Regina en el Festival de Montreux, Suiza en 1979.
Como otras reinas doloridas, Elis era bipolar, introvertida, insegura y no una mujer bella de acuerdo a los parámetros imperantes, su estrabismo era su debilidad y su fuerza, oscilaba entre su trauma y su aceptación, como otras diosas, tuvo un amor atormentado, el famoso compositor Ronaldo Bôscoli quien en un principio fue su compañero artístico, después su pareja y al final su mayor fuente de dolor y furia, Regina era celosa, iracunda y a la vez manipuladora dicen sus biógrafos mientras que Ronaldo no era una dulzura y su convivencia iba del amor al odio con suma frecuencia, con él tuvo a su primer hijo y al final de su relación empezó un romance con su pianista Cesar Camargo Mariano, otra relación tormentosa y al parecer las únicas que podían tener esta mujeres sufridas.
La dictadura militar ya había expulsado del país a muchos artistas y si soportaban a la intocable Elis era por su enorme popularidad rayando en la idolatría, ella por su parte, iba desmoronándose poco a poco entre su vida atormentada, sus problemas con los dictadores y su natural inestabilidad emocional, el 19 de Enero de 1982, Elis llamó a su pareja Samuel McDowell de Figuereido quien sólo escuchó la extraña voz de Regina que no avisaba nada grato, cuando llegó a su casa la gran Elis Regina había muerto con un coctel mortal de alcohol, cocaína y tranquilizantes, su funeral fue una gran tragedia para el pueblo brasileño que no podía creer que la diva estuviera muerta antes de cumplir los cuarenta, destino inevitable de las reinas del dolor.
"Bright side of the road" del álbum "Into the music" de 1979 es una de las más deliciosas canciones que ha compuesto e interpretado Van Morrison, existen muchas otras, unas exitosas como "Gloria", tal vez la más conocida de su autoría y entre las más populares de la historia, hay otras exquisitas y magistrales como "Moondance", favorita de intérpretes de varios géneros y de escuchas exigentes que aprecian estas joyas.
"El lado luminoso del camino" es de otro tipo, de esas que nacen sencillas, de una inspiración más de la emoción que del cerebro, una simple canción de amor que apela a la reflexión vital: ¿qué es la vida? ¿qué hacemos en ella? ¿por qué es tan corta? y al mismo tiempo es el pedido desesperado de quien siente que la vida está desperdiciada y se acaba muy pronto si no está con uno la persona amada, quiere recuperarla como si se recupera el tiempo, quiere volver a compartir las cosas hermosas y quiere salir de la obscuridad de los malos tiempos para rencontrar la luz, la metáfora es la calle con sus claroscuros y todo esto hace que la canción sea conmovedora y gozosa a la vez.
"El lado luminoso del camino" *
Del lado obscuro de la calle al luminoso del camino seremos otra vez amantes en el lado iluminado del camino.
Amorcito ven conmigo ¿te gustaría ayudarme a descargar este peso? del extramo obscuro de la calle al lado iluminado del camino.
En esta vida en que nacimos nena, a veces no sabemos por qué el tiempo parece que vuela en un abrir y cerrar de ojos.
Vamos a disfrutar mientras podamos ¿quieres ayudarme a cantar mi canción? del extramo obscuro de la calle al lado iluminado del camino.
Del lado obscuro de la calle al luminoso del camino seremos otra vez amantes en el lado iluminado del camino.
*Traducción de Ariel Martínez.
"Bright Side Of The Road"
From the dark end of the street
To the bright side of the road
We'll be lovers once again
on the bright side of the road.
Little darlin', come with me
Won't you help me share my load?
From the dark end of the street
To the bright side of the road.
Into this life we're born
Baby sometimes we don't know why
And time seems to go by so fast
In the twinkling of an eye.
Let's enjoy it while we can
Won't you help me sing my song
From the dark end of the street
To the bright side of the road.
From the dark end of the street
To the bright side of the road
We'll be lovers once again
On the bright side of the road
We'll be lovers once again
Premiata
es el grupo progresivo italiano mayormente conocido fuera de Italia,
quedaron conformados como tal, en 1970, en el '71 hicieron su debut en
la ciudad de Milán, ni más ni menos que como teloneros
de Yes, en su primera gira por Italia y en 1972 grabaron su primer
disco, el que aquí presentamos, es del mismo año, pero es su segunda
aventura discográfica.
Sus
integrantes originales eran Franz Di Cioccio, baterista y fundador de
la banda; Franco Mussida, guitarrista, mandolina y lo que le pongan
enfrente que tenga cuerdas; Flavio Premoli, tecladista
con peso muy importante en el sonido "progresivo" del grupo, con sus
sintetizadores; Giorgio Piazza, bajista y Mauro Pagani que tocaba flauta
y violín y también aportaba un porcentaje importante del sound de Premiata, dice la historia el grupo ensayaba en el sótano de una panadería y en ella había un cuadro que decía que la panadería Marconi recibió un premio y de allí nació el nombre de la banda.
El susodicho sound es
dentro del progresivo italiano, uno de los que más se acercan al
concepto de "Rock sinfónico", porque este grupo hace un rescate profundo
de sus raíces musicales en las que por supuesto están, la música de
cámara, la ópera y la música sinfónica y todo esto esta perfectamente
bien ensamblado con los sonidos poderosos de las guitarras y
percusiones roqueras, más el toque progre de los teclados electrónicos.
Premiata
fue el único grupo italiano de rock que tuvo giras extensas y ventas
importantes de discos en USA y El Reino Unido, el detonador de esta
popularidad fue Photos of Ghost, que es la versión inglesa de "Per un Amico" con letras en inglés que hizo, Peter Sinfield, el letrista de King Crimson.
La
primera vez que escuché a PFM, como también se les conoce, fue en un
programa de radio que tenía Juan Villoro en Radio Universidad y el
impacto fue total, me quede sin habla, impresionado por la forma en que
estos músicos llenan los espacios con sonidos contrastantes pero
complementarios, antiguos y contemporáneos, en obras maestras del arte.
