CANCIONES FAVORITAS. A whiter shade of pale.

A WITHER SHADE OF PALE.

Autores: Booker, Fisher y Reid.

Intérprete: Procol Harum.

  

"A Whiter Shade of Pale", ha sido considerada en diversas ocasiones, la segunda mejor canción de todos los tiempos, después de "Like a Rolling Stone", ¿qué criterios se aplican para estas consideraciones?, no lo sé, pero la susodicha posee muchas características que la hacen merecedora de tal distinción:

Con tres elementos clave, milagrosamente conjuntados, una gran melodía, inspirada en la "Aria de la cuarta cuerda de Bach" compuesta por Gary Booker, una letra surrealista y deslumbrante de Keith Reid, el procol que no tocaba en la banda, pero que era pieza fundamental con sus aportaciones poéticas, como lo sería después Peter Sinfield para King Crimson y la introducción con el órgano creada por Mathew Fisher, una de las más memorables de la historia, la "blanca palidez, la pálida blancura o la sombra de blanca palidez", llegó directo a la sensibilidad, las emociones y el gusto de las masas.

Por otro lado, para muchos críticos e historiadores, es la pieza que inauguró el "rock sinfónico" y la letra es considerada prototipo de los textos surrealistas, de la sicodelia escrita y del rock "oscuro" y con imaginación fantástica. Como detalles adyacentes: llegó al número 1 de ventas en Gran Bretaña y 5 en EUA, compitiendo contra todo el "Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band" y en principio apareció con créditos de autoría que ignoraban a Fisher, al volverse una pieza inmortal, clásica y de éxito permanente, Mathew, demandó a Booker y los tribunales le otorgaron su participación en la coautoría con un 40%.

UNA SOMBRA DE BLANCA PALIDEZ.

Olvidamos el fandango suave

giramos y rodamos por el piso

me sentí un poco mareado

pero la multitud pedía más

en la habitación un zumbido intenso

como si el techo se fuera volando

cuando pedimos otro trago

y el camarero trajo una charola.

Y así fue que más tarde

como el molinero contando su cuento

que su rostro, primero fantasmal

se trastocó en una sombra de blanca palidez.

Ella dijo: no existe razón alguna

y la verdad es más que obvia

pero yo vagaba a través de las cartas de la baraja

y no iban a dejarla ser

una de las dieciséis  vírgenes castas

quienes partían por la costa

y aunque tenía los ojos bien abiertos

bien podría haberlos tenido cerrados.

Y así fue que más tarde

como el molinero contando su cuento

que su rostro, primero fantasmal

se trastocó en una sombra de blanca palidez.

Ella dijo: estoy aquí 

con un permiso de tierra

a pesar de que estábamos a millas en alta mar

hice notar ese detalle

y la forcé a aceptarlo

diciendo: usted debe ser la sirena

que trajo el rey Neptuno a pasear

y ella me sonrió con tal dulzura

que mi enojo murió de inmediato.

Y así fue que más tarde

como el molinero contando su cuento

que su rostro, primero fantasmal

se trastocó en una sombra de blanca palidez.

Si la música es el alimento del amor

entonces, la risa es su reina

y asimismo si atrás esta al frente

entonces, la suciedad es realmente limpieza.

Mi boca como de cartón

parecía deslizarse recta, a través de mi cabeza

entonces colisionamos repentinamente

y atacamos el fondo del océano.

Y así fue que más tarde

como el molinero contando su cuento

que su rostro, primero fantasmal

se trastocó en una sombra de blanca palidez.*

*Traducción de Ariel Martínez, quien se disculpa porque la traducción sea "una pálida sombra" del texto original, debido a que sus conocimientos de la lengua inglesa son más que precarios y la única pretención que se persigue es acercar al lector al texto en inglés. 

A WHITER SHADE OF PALE.

We skipped the light fandango
turned cartwheels 'cross the floor
I was feeling kinda seasick
but the crowd called out for more
The room was humming harder
as the ceiling flew away
When we called out for another drink
and the waiter brought a tray

And so it was that later
as the miller told his tale
that her face, at first just ghostly,
turned a whiter shade of pale

She said, "There is no reason
and the truth is plain to see."
But I wandered through my playing cards
and they would not let her be
one of sixteen vestal virgins
who were leaving for the coast
and although my eyes were open wide
they might have just as well been closed

And so it was that later
as the miller told his tale
that her face, at first just ghostly,
turned a whiter shade of pale

She said, "I'm here on
a shore leave,"
though we were miles at sea.
I pointed out this detail
and forced her to agree,
saying, "You must be the mermaid
who took King Neptune for a ride."
And she smiled at me so sweetly
that my anger straightway died.

And so it was that later
as the miller told his tale
that her face, at first just ghostly,
turned a whiter shade of pale

If music be the food of love
then laughter is its queen
and likewise if behind is in front
then dirt in truth is clean
My mouth by then like cardboard
seemed to slip straight through my head
So we crash-dived straightway quickly
and attacked the ocean bed

And so it was that later
as the miller told his tale
that her face, at first just ghostly,
turned a whiter shade of pale.

CANCIÓN LIBRE. A pesar usted.

"A PESAR DE USTED"

Autor Inrprete: Chico Buarque

Chico Buarque es uno de los compositores de canciones más asombroso de la Patria Latinoamericana y del mundo entero, es un creador de historias verdaderamente extraordinario, los elementos que utiliza para tal misión son: Ambientes mágicos, pero muy ligados a la problemática cotidiana de la gente; personajes entrañables y maravillosos que encarnan lo mejor y lo peor del género humano; una sensibilidad muy especial para indagar en el alma humana; un manejo de las palabras, las ideas y las imágenes poéticas, poco usual y por si fuera poco, les pone música a sus relatos para hacerlos aún, más atractivos, todo esto en un marco de imaginación y creatividad increíbles.

"A pesar de usted", se publicó en 1970, en plena dictadura de los militares y tuvo un gran éxito, pero cuando los censores de la dictadura, de quienes Buarque era cliente favorito, se percataron de su contenido, la prohibieron y los discos fueron retirados de las tiendas, ¿qué decía la canción, que resultaba tan subversiva y peligrosa?, era un discurso libertario que no mencionaba la palabra libertad ni ninguno de sus derivados, no hablaba tampoco de derechos, ni de presos políticos, ni de la dictadura directamente, pero les decía a los secuestradores de la libertad, que ninguno de sus esfuerzos los haría controladores de sucesos hermosos y libres como el amanecer.

Chico pregunta cosas por demás provocadoras, del tipo de: ¿cómo va a impedir al gallo que cante? o ¿qué va a hacer cuando vea al cielo clarear impunemente?, y así, con un enorme ingenio, conmovedora belleza e irrefutable lógica, Buarque devela el lado débil de todos los dictadores: su incapacidad para tener control de todo, porque hagan lo que hagan, no pueden impedirnos el amor o la alegría.

Hoy es usted el que manda

lo digo, está dicho

es sin discusión, no?

toda mi gente hoy anda

hablando bajito

mirando el rincón, vió?

usted que inventó ese estado

e inventó el inventar

toda la oscuridad

usted que inventó el pecado

olvidóse de inventar

el perdón

a pesar de usted

mañana ha de ser

otro día

yo quisiera saber

dónde se va a esconder

de esa enorme alegría

cómo le va prohibir

a ese gallo insistir

en cantar

agua nueva brotando

y la gente amándose

sin parar

Cuando llegue ese momento

todo el sufrimiento

cobraré seguro, juro

todo ese amor reprimido

ese grito mordido

este samba en lo oscuro

usted que inventó la tristeza

tenga hoy la fineza

de desinventar

usted va a pagar

y bien pagada

cada lágrima brotada

desde mi penar

a pesar de usted

mañana ha de ser

otro día

daría tanto por ver

el jardín florecer

como usted no quería

cuánto se va a amargar

viendo al día asomar

sin pedirle licencia

cómo voy a reír

que el día ha de venir

antes de lo que usted piensa

a pesar de usted

mañana ha de ser

otro día

tendrá entonces que ver

al día renacer

derramando poesía

cómo se va a explicar

ver al cielo clarear

de repente, impunemente

cómo va a silenciar

nuestro coro al cantarle

bien de frente

a pesar de usted

mañana ha de ser

otro día

  

PERSONAJES. Las cinco famosas.

LAS CINCO FAMOSAS

Emily Murphy

Las luchas por los derechos de las mujeres se dieron por todo el mundo, sobre todo en los siglos XIX y XX: derecho al voto, al empleo, a salarios iguales que los de los hombres; en Canadá a fines de la década de 1920, "las cinco famosas", cinco valerosas mujeres, que se enfrentaron a la Suprema Corte de Justicia y al Imperio Británico, porque aunque Canadá había conseguido su independencia desde 1867, seguía siendo dominio británico y siguió siéndolo hasta 1931, tuvieron que empezar su lucha para que las mujeres pudieran ser impartidoras de justicia, desde ser reconocidas como personas, pues la ley no las consideraba ni eso.

Emily Murphy, Nellie McClung, Irene Parlby, Henrietta Edwards y Louise McKinley, conocidas en la historia de Canadá, como "Las Cinco Famosas", emprendieron esa lucha en Agosto de 1927, con la petición a la Suprema Corte de justicia, de que aclararan si cuando la ley hablaba de personas y de sus derechos, se refería también a las mujeres o ellas estaban excluidas, la respuesta de la Corte fue, por supuesto, que ellas no estaban incluidas en esa categoría.

Con esta pregunta que aparentemente tenía como respuesta una obviedad, llamaron la atención de la sociedad canadiense e iniciaron una lucha que tuvo como uno de sus principales consecuencias, la elección de la primera senadora en la historia de Canadá, las cinco eran mujeres muy preparadas y estudiosas: Murphy era jurista y escritora; Parlby, líder de las campesinas, Edwards, líder de trabajadoras y fundadora de una asociación de enfermeras; McClung, luchadora por el sufragio femenino y McKinley, la primera mujer elegida como legisladora en Alberta.

CANCIONES FAVORITAS. Body and Soul.

BODY AND SOUL

Autores: Johnny Green (música)

Edward Heyman, Robert Sour y Frank Eyton (letra)

Body and Soul es para muchos y por muchas razones "la canción del Jazz", la que nadie duda para identificar con el género, la más grabada e interpretada y desde que la grabó Coleman Hawkins, la canción reto, el examen profesional para los saxofonistas, porque había sido una pieza poco interpretada, hasta que Hawkins la grabó y enseñó al mundo las posibilidades que tenía la canción en el mundo del Jazz.

Johnny Green, un compositor poco reconocido la hizo por encargo de la actriz Gertrude Lawrence quien además era cantante y finalmente nunca la grabó, dice la historia que Green la compuso contra reloj porque tenía un plazo improrrogable de su clienta, y que fue modificada en su texto por Edward Heyman, Robert Sour y Frank  Eyton, los autores de la letra reconocidos, aún después de haber sido registrada.

Las primeras grabaciones hechas por grandes orquestas, tuvieron problemas para su difusión en la radio, porque los locutores se negaban a pronunciar la palabra "body" cuerpo, debido a que se consideraba que aludía a la sexualidad, la grabó Louis Armstrong y varias orquestas de directores "blancos" que eran los que la preferían: Paul Whiteman la llevó al número 1 de las listas en el otoño de 1930, año de su creación, Leo Reisman también la grabó a mediados de la década. luego vendrían los registros de Henry Allen, Benny Goodman y Art Tatum.

Pero fue Hawkins quien con mayor decisión la llevó al Jazz, creando una o varias versiones que tocaba en vivo en las que la improvisación de gran complejidad era el sello, sus versiones eran tan largas que no cabían en los discos de 78 rpm. así que los ejecutivos de RCA, le pidieron una versión de aproximadamente 3 minutos, Hawkins sintetizó sus experimentos y extrajo lo mejor de ellos y los puso en una grabación que se hizo clásica instantáneamente y tuvo un éxito masivo, a pesar de la complejidad con que la desarrolló Coleman, resultando una pieza musical muy "intelectual" que sorprendentemente, aceptaron los grandes públicos.

El siguiente "grande del sax" que la tocó y grabó con obsesiva meticulosidad fue Charlie Parker, quien hizo varias versiones en las que era evidente la influencia de Hawkins, pero con las aportaciones de "Bird", que superaron en muchos sentidos a su predecesor, a partir de ese momento, se volvió la obsesión de los saxofonistas que parecían empeñados en hacer versiones cada vez más novedosas y sorprendentes.

En las décadas de 1950 y 1960, aparecieron varios estilos: bebop, cool jazz o hard bop  los más eminentes y "Body and Soul" siguió siendo interpretada, recreada y regrabada por todos los grandes del Jazz, en estas dos décadas la grabaron: John Coltrane, Thelonious Monk, Charles Mingus, Sonny Rollins, Stan Getz, The Modern Jazz Quartet, Freddie Hubbard, Wayne Shorter, Bud Powell, Dave Brubeck, Gerry Mulligan, Art Pepper, Sonny Stitt, Dexter Gordon y muchos más, del interés por la pieza de parte de los saxofonistas, siguió el de los pianistas: Monk, John Lewis, Powell o Brubeck.

Y hablando de los cantantes que la han grabado, también están en la lista, las tres grandes divas del Jazz: Ella Fitzgerald, Billie Holiday Y Sarah Vaughan, acompañadas por otra grande entre las grandes, Carmen McRae, también existen grabaciones clásicas de Frank Sinatra y Tony Bennett, este último hizo la más reciente grabación de la pieza con éxito en todo el orbe, la que realizó a dúo con Amy Winehouse, pocos meses antes de la muerte de la diva londinense.

CANCIÓN LIBRE. Tratando de crecer.

"Tratando de crecer"

Autor: Fito Páez

Intérprete: Juan Carlos Baglietto

Baglietto, junto con Fito Páez, son los personajes más conspicuos de la famosa "Trova Rosarina", movimiento musical que revolucionó al Rock Argentino y a la música argentina en general, después de actuar como cantante de varias bandas rosarinas (Baglietto no es compositor), llegó a Buenos Aires a fines de los años setentas y principios de los ochentas, acompañado de algunos de sus paisanos que eran los músicos de su banda, pero que no sólo eran músicos destacados, sino también compositores fuera de serie, en los dos primeros discos de Baglietto, aparecen composiciones de: Fito Páez, Adrián Abinizio, Ruben Goldin, Jorge Fandermole y Fabián Gallardo, y es tal la calidad de las canciones, tanto en letra como en música, que da la impresión que se está frente a un solo compositor que además es un cantante excepcional.

Lo que pasaba era que, Baglietto uniformaba las piezas al crear un estilo y era tan pareja la calidad de las canciones que si no se ponía atención a los créditos, podía uno vivir engañado, su servidor vivió así un buen tiempo, y entonces llegó el tercer disco de Juan Carlos, mejor conocido como Baglietto simplemente y allí aparece la canción que aquí presentamos, el susodicho disco fue el primero que su redactor escuchó de este intérprete y la canción que de inmediato lo impresionó fue esa.

De la autoría de Páez, quién en esos tiempos tenía sólo 19 años y ya era un genio hacedor de canciones, "Tratando de crecer" es una especie de himno libertario, como muchos de la época, canciones que hablaban de la libertad sin mencionarla para poder burlar a la censura que los militares imponían tan férrea, como ridículamente, porque los compositores se burlaron una y otra vez de ellos con textos que los censores no entendían pero los melómanos sí.

El discurso es tan sencillo como ingenioso: la fé, la emoción, la gratitud y la esperanza, como sinónimos de la libertad y frases que invitan a no rendirse " voy tratando de crecer y no de sentar cabeza" o "todavía hay mucha gente que está viva" y la muy clara "Multiplicar, es la tarea, es la tarea" y así el gran Fito creó una de sus más grandes canciones, que reinventó Baglietto y a quien todo el mundo identifica con ella, tal y como si fuera propia.

TRATANDO DE CRECER.

Como decía un catalán, voy tratando de crecer

y no de sentar cabeza, pibe de barrio buen tropero en la partida

un miembro más del circo desesperado

un punto en un planeta, un bicho que camina

oh, oh, oh.

Aún resuenan los acordes, de una guerra en si bemol

sin ninguna melodía, una mamá le pone nombre a su machito

y así las flores crecen junto a los cardos

y derrotan las tormentas, y se caen y levantan

oh, oh, oh.

Todavía me emocionan ciertas voces

todavía creo en mirar a los ojos

todavía tengo en mente cambiar algo

todavía y a dios gracias todavía

El sol quema la lengua de los lagartos

la verdad es buen veneno pa' las tripas

todavía hay mucha gente que está viva

todavía y Dios gracias todavía.

Multiplicar, es la tarea, es la tarea ...

Como canción de carnaval, se metió por el bolsillo

un cielito pa' mis hijos, un tiempo nuevo y bueno

pincelado de otras formas, tirando un poco más

a los colores fuertes, donde el mar salude a todos

donde un beso sea moneda corriente.

Todavía me emocionan ciertas voces …

DIVAS DEL JAZZ. Stacey Kent.

STACEY KENT

"The changing lights" 

2013

Stacey Kent nació norteamericana y estudió literatura en su pais natal, al terminar sus estudios, se trasladó al Reino Unido en plan medio de descanso y también buscando opciones de vida, allí conoció músicos de Jazz que le revivieron su gusto por este género cantado y entró a la Guildhall School of Music and Drama, donde conoció a su futuro esposo Jim Tomlinson, saxofonista de Jazz quien la animó a cantar profesionalmente y así empezó su carrera musical en pequeños locales londinenses.

En 1997 grabó su primer disco y de allí en adelante, no ha parado de grabar discos hasta completar una decena y media, ha grabado discos en francés de gran éxito que le han llevado a recibir importantes distinciones y a ser considerada francesa como su segunda nacionalidad.

A principios de este año apareció su más reciente grabación que es una exploración de la música brasileña, de la que también es entusiasta seguidora, con la dirección musical de Tomlinson y un grupo de músicos de poca fama pero muy competentes, más la voz cálida de Kent, quien tiene un extraño encanto, no es una cantante que desborde emotividad, pero abriga y da una sensación de bienestar a cambio de la exaltación que otras producen.

Las versiones angloparlantes de la música brasileña que presenta Kent, se combinan con las que canta en idioma original, con extraña pronunciación y sin la cadencia de la música amazónica, pero con una dulzura nunca escuchada por este redactor en interpretaciones de la riquísima música del Brasil, si se te antoja algo novedoso y decididamente hija de la globalización, este disco es recomendable sin pensarlo mucho.