El
primer disco de Juan Carlos Baglietto anunciaba un acontecimiento
extraordinario en la música argentina en general y en el rock argentino
en particular,
la voz excepcional del cantante rosarino y las composiciones y arreglos
de sus paisanos: Fito Páez, Ruben Goldin, Jorge Fandermole y Adrián
Abonizio, marcaron línea en el aire, porque estaban creando un rock fino
y virtuoso, nutrido de la tradición de toda la música argentina y
latinoamericana, caracterizado por una lírica de gran altura poética.
El
segundo disco y los poteriores confirmaron el augurio con nuevas
canciones de gran inspiración, repletas de imágenes poéticas e
imaginación, historias cotidianas con un toque sórdido y oscuro,
combinadas con brisas de esperanza, emotivas y amorosas, pero a la vez
terribles y recurrentes, con arreglos de Fito Páez quien a los veinte
años era un portento de músico y la gran capacidad de Juan Carlos para
matizar emociones con su voz.
Éste
fue el primer disco de Baglietto que escuché y uno de los dos únicos
que se editaron en México, porque se estaba promoviendo el Rock en
Español, pero el más accesible y complaciente, bandas como Soda Stereo,
Enanitos Verdes, Miguel Mateos y otros roqueros que podrían llegar con
mayor facilidad a los grandes públicos y Baglietto con su equipo, eran
demasiado complejos y elaborados, además de finos y virtuosos para esos
públicos masivos, pero a mí, explorador de propuestas me encandiló de
inmediato y desde hace casi treinta años lo recomiendo y regalo a mis
amigos que raramente lo conocen por la escasa difusión de sus discos en
México.
Si fuera
cierto que 1967 es el mejor año del Rock, 1968 es su inmediata
continuación, cronológicamente y creativa, parece que seguían
apareciendo bandas y obras que no anunciaban el fin de la época dorada
del Rock, sino su mejor momento, 1968 fue un año de ruptura mundial, el
mundo experimentó cambios notorios e irreversibles, sólo que los
protagonistas del nuevo mundo, no eran los dirigentes, los estadistas y
los dueños de las decisiones, apareció un nuevo contexto historico, las
masas en muchos sentidos, los hartos de la guerra, las vanguardias del
arte, los jovenes. las mujeres, una y varias revoluciones: culturales,
sexuales, económicas, educativas, artísticas y políticas y esa irrupción
del nuevo Rock en muchos rumbos del mundo fue el sello principal del
año.
SONG TO A SEAGULL (JONI MITCHELL).Joni Mitchell era en
1968 la pintora que hacía canciones en Toronto donde estaba avecinada
(nació en Alberta) o la cantante de música folk que pintaba, hoy
es un icono de la cultura norteamericana, por su origen canadiense y su
estrecha relación con el escenario musical estadounidense, desde niña se
sintió atraída por ambas vertientes del arte y nunca se decidió sólo
por una, supongo que en algún momento, decidió que no tenía por qué
renunciar a nada mientras pudiera hacerlo. Empezó a cantar en
locales pequeños rondando los 20 años y de inmediato llamó la atención
por tres cualidades poco comunes reunidas en la misma artista: su voz
con gran amplitud de registros, su técnica para tocar la guitarra única y
sus letras de gran calidad literaria y su poesía natural.
Se desplazó a mediados de los sesenta a Nueva York donde estaba el gran movimiento del folk
vanguardista, allí la conoció David Crosby quien se convirtió en su
protector, produjo su primer álbum con Joni, su voz y su guitarra,
Crosby estaba impresionado con Joni y quería hacer un disco "natural",
sin efectos especiales, arreglos o músicos invitados, al parecer se pasó
de naturalista y el sonido salió un tanto viciado y hasta que fue
remasterizado para borrar sonidos que se colaron en la grabación y que
estaban en el ambiente se pueden escuchar como se pretendió en la
grabación original.
Joni continuó con su
trabajo pictórico y para conjuntar sus artes, ha hecho sus propias
portadas de disco, la de "Song of seagull" fue la primera y desde
entonces aparecen estas obras plásticas con doble función.
QUICKSILVER MESSENGER SERVICE(QUICKSILVER MESSENGER SERVICE). Este
es su disco debut, uno de esos debuts por demás afortunados, como
muchos otros en el rock, con músicos creadores de sonoridades nuevas,
mucho empuje, inspiración y fé en
lo que estaban haciendo y en el caso del rock de estas épocas se
consideraba algo en verdad trascendental, mucho más allá de ganarse un
buen varo.
Desde "Pride of Man", la canción de inicio, el escucha sabe que está
ante algo especial, los coros, las formas de cerrar cada estrofa, la
utilización de las guitarras (en el Quick rasgo característico) le
avisan que no va a escuchar más de lo mismo. Y
para que el goce vaya en aumento, se liga con "Light your mirrors",
fina pieza de orfebrería musical con las guitarras otra vez resaltando
inmensamente, ambas piezas de inicio preparan la entrada de "Dino´s
Song", bella balada de esas simples pero que no les falta nada para
conquistar al oído y luego un rolón inconmensurable que
se llama "Gold and Silver", haciendo honor al nombre, más orfebrería en
metales preciosos, esta vez en una pieza instrumental que devela todos
los secretos del sonido Quick en lo que concierne al uso de las
guitarras. Y
el cierre que mantiene la tensión placentera, la fuerza combinada con
la delicadeza en dos piezas, la primera, otra balada muy roquera al
estilo de la canción de Dino y la larguísima "The Fool", otra lección de
como hacer piezas largas, al estilo del jazz, sin ser aburridos, sin cansar y al contrario, generar el deseo en el auditorio de que jamás termine.
OGDENS' NUT GONE FLAKE (SMALL FACES). El quinto álbum del
grupo inglés formado y lidereado por Steve Marriott quien después
también estuvo al frente de Humble Pie, es considerado por muchos, el
mejor de toda la discografía de Small Faces y de su sucesor Faces, para
muchos otros, como uno de los grandes álbums de toda la historia del
rock y por si fuera poco, en su momento tuvo gran éxito comercial y
llegó al número uno de las listas inglesas en 1968. "Ogdens'
nut...tiene la también la característica histórica de ser uno de los
muchos álbums de rock que nacieron bajo el estímulo y la influencia de
"Sgt, Pepper's Lonely Hearts Club Band", la obra maestra del rock y la
música en general que abrió caminos como pocas y representó al espíritu
de la sicodelia, sintetizado precisamente en la capacidad ilimitada de
expandir la mente, el conocimiento, la percepción y los sentidos y estos
atributos produjeron una música genial y revolucionaria sin la que no
hubieran existido muchas de las manifestaciones artísticas desde la
segunda mitad del siglo pasado, hasta ahora.
ODESSEY AND ORACLE (THE ZOMBIES) Antes de Odessey... los discos de los Zombies eran una mezcla de canciones de sus dos compositores y covers de
canciones famosas, pero en el que se reseña, por primera vez, todo el
material grabado era propio y en su realización se conjuntaron diversos
factores que le dieron su calidad atemporal: la calidad de Argent y
White como armadores de canciones; el "momento de la época", pleno auge
de la sicodelia que los hizo concebir, un disco de complejas estructuras
y texturas musicales; la calidad que como instrumentistas tenían todos y
cada uno de los muertos ambulantes y las armonías vocales insuperables
que imaginaron y plasmaron.
De modo que hicieron una
obra maestra de Rock-pop-sicodélico, fina y elegante, sobria y
envolvente, una de esas que por mucho tiempo fueron subestimadas o
llanamente ignoradas, pero que, al paso del tiempo, fueron revaloradas y
situadas en el sitio correspondiente entre las mejores de su momento y
de cualquier tiempo.
THE FAMILY THAT PLAYS TOGHETER (SPIRIT). The Family plays together,
grabado en 1968, fue el segundo disco de la banda californiana Spirit,
formada por Randy California, guitarrista excepcional, compositor y
cantante; Ed Cassidy, baterista prófugo del ambiente jazzero que también tocaba teclados; Mark Andes, compositor , bajista y cantante y Jay Ferguson, percusionista y cantante.
El torrente de luz deslumbrante que produce The family...
es, en resumen, la combinación acertada y genial de: el virtuosísmo de
California, llevando con sus líneas melódicas y sus experimentaciones
sónicas a cada canción por rumbos sorpresivos e impredecibles, es el
elemento sin freno que ejerce su libertad sin cortapisas, la dirección
del maestro Cassidy quien desde la batería y los teclados, contiene a
las canciones, les da rumbo, estructura y forma, una especie de
contrapeso al desbordado talento de Randy, el bajo exacto de Andes, uno
de esos bajistas que convertían al bajo en instrumento solista y la
inclusión de otros elementos, coros, arreglos de cuerdas, flautas,
violín solitario, todo ensamblado de forma impecable.
MUSIC IN A DOLL'S HOUSE (FAMILY). Los músicos que conformaban la banda, eran
todos multiinstrumentistas y esto les permitió una grabación de gran
riqueza tímbrica, creada por instrumentos de todos los tipos, cuerdas,
aliento, y percusión, que en piezas de estructuras complejas, daban a
luz un sonido que hoy, sigue sonando un paso adelante, pero que en 1968, era
algo extraordinario. El sonido de La música en la casa de muñecas, es
una mezcla ecléctica, muy bien lograda de: folk, sicodelia, rock ácido y
jazz y aunque en ese tiempo no estaba aún patentada la etiqueta rock progresivo, este disco era un anticipo muy claro.
Desde
que empieza el disco, hay que reorganizar la mente porque no es posible
entender nada con nuestro viejo cerebro maravillado con los Beatles,
Rollings, Cream, The Who, e incluso Pink Floyd, todas ellas viejas
glorias clásicas, tal vez la única banda emparentada muy lejanamente con
ellos es Jethro Tull, pero el asunto es que, "Music in a doll's house"
está impregnado de ácido lisérgico y mucho más, la voz de Chapman, por
ejemplo, no sólo está cantando rock, en su voz hay teatro, literatura y
poesía, de allí que la voz del susodicho tenga esa teatralidad única.
Y
no se diga de las estructuras musicales, de la utilización de los
instrumentos, de las músicas de cualquier espacio y tiempo, es una
visión universal, irreverente, desencadenada y por desgracia, muy a
menudo incomprendida, haz la prueba con tus conocidos y lleva un
registro del tiempo que escucha el disco cada escucha y a ver cuántos lo
escuchan completo y aún más, cuántos lo escuchan completo y algo
transforma su vida.
SUPER SESSION (MIKE BLOOMFIELD & AL KOOPER).Mike Bloomfield y Al Kooper, se conocieron en la grabación de Highway 61 revisited, de
Bob Dylan y de inmediato comprendieron que podían complementar sus
talentos y formaron un dúo que hizo presentaciones sensacionales que
afortunadamente han sido editadas y puestas a disposición del gran
público, pero la grabación estelar de estos dos músicos la hicieron en
1968, acompañados por Steve Stills, la llamaron Super Session, porque estaba pensada como una jam session, como
se llama en el jazz, a las sesiones musicales donde los músicos
improvisan con sus instrumentos, en un ejercicio gozoso y lúdico.
Esta es la tónica del disco, hacer versiones de canciones de otros y combinarlas con piezas concebidas por ellos dos, entre las prestadas están Man's temptation de Curtis Mayfield; It takes a lot to laugh, it takes a train to cry de Bob Dylan, aparecida originalmente en el Highway 61...y Season of the witch, la inmensa pieza musical de Donovan, covereada en forma sensacional.
A
este disco lo han considerado historiadores y críticos del rock como
"la obra maestra del blues blanco" que ya es decir mucho, pues el blues
hecho por músicos blancos ya tiene una larga historia y en ella hay
grabaciones extraordinarias, el caso es que han pasado 47 años y sigue
siendo reeditado, ¡sí lector, lo puedes conseguir en las tiendas de
discos! y sigue siendo escuchado, por cincuenteros de preferencia, pero
también por muchos melómanos jóvenes, una joya que no puede faltar en tu
fonoteca, y si no tienes ni un disco rockblusero, empieza tu colección
con este.
S.F. SORROW (THE PRETTY THINGS). "S.F. Sorrow" de 1968, considerado, la primera ópera rock de la
historia, anterior a "Tommy", aunque sin los reflectores de aquella,
pero con una consistencia y calidad indiscutibles, música de rock
imaginativa y emotiva en un formato hasta entonces virgen y que
requería, solvencia compositiva y ejecutiva, elección inteligente de los
elementos a combinar y el espíritu de la época, libre romántico y
amoroso; colorido, rebelde y futurista.
La
historia no tiene nada de extraordinario: los orígenes comúnes de
Sorrow, quién casualmente o premonitoriamente se apellida "dolor o
tristeza", lo llevan a conocer la injusticia en la fábrica del pueblo,
el amor que resulta de un enamoramiento y los planes juveniles de
matrimonio se ven frustrados y la desilusión lo llevan a participar en
la guerra, sobrevive a ella y a su regreso emigra al parecer a América y
cuando su prometida va en su búsqueda, el globo en que viajaba estalla y
ella muere.
Si
la historia no es un portento literario, la música ideada por los
Pretty, tiene la audacia de explorar estructuras musicales que los
colocaron como inovadores en el ambiente revolucionario que permeaba a
toda la música juvenil británica y esta característica convirtió a S.F.
Sorrow en una obra fundamental en el rock británico, en el rock de
cualquier época y aunque no ha recibido aún el reconocimiento justo, ha
sido revalorada, reeditada y conocida por más melómanos, de modo que
otras generaciones están conociéndola.
TRILOGY FOR THE MASSES. (FORD THEATRE). Ford
Theatre, la banda de rock sicodélico oriunda de Boston Massachusetts
adoptó el nombre del famoso teatro de Washington donde fue asesinado
Abraham Lincoln, presidente de Estados Unidos en 1865, a fines de la
década de 1960 la banda se formó con músicos incorporados de lleno a la
sicodelia, desde el nombre, buscando originalidad, hasta el sonido que
no era el conocido de la Costa Oeste, sino el que se llamaba sonido bosstown, característico de Boston.
"Trilogy...
fue compuesto y grabado como historia continua, o lo que empezó a ser
llamado Rock Ópera, en el año del nacimiento de estas formas y aunque
parezca una banda más, tuvo un éxito modesto que para muchos críticos
estaban destinados a ser un grupo excepcional que iba a hacer historia,
por razones que ignoro, Ford Theatre sólo grabaron dos discos de gran
calidad que extrañamente fueron publicados en México donde tenían muchos
seguidores y la famosa pieza llamada "I've got the fever", programada
en las estaciones radiales fue muy conocida.
Con
el tiempo ambos discos han sido revaluados por melómanos que han
accedido a ellos difundiéndolos en la red y otros medios, yo he tratado
de conseguir reediciones de esos discos en CD sin ningún resultado,
ignoró si la razón es que sólo existen en LP, pero parece que así es.
IT'S ALL ABOUT (SPOOKY TOOTH).A primera escucha, se
destaca el órgano de Wright, imposible no notarlo, y la influencia de la
música sacra, entre la religiosa y el gospel, blanco y negro en
perfecta armonía y a continuación la voz de Harrison, sin duda uno de
los grandes vocalistas de la época y aún no reconocido debidamente, pero
esta mancuera brillaba y adquiría movimiento al entrar en contacto con
la otra, la base rítmica tocada por Kellie y Ridley ¡qué aportación
increíble!, un tanto agazapada, muchas veces oculta pero indispensable
en la amalgama. Y la guitarra de
Grosvenor en este primer disco, daba la impresión de escaso
protagonismo, al contrario de la mayoría de los grupos del momento, todo
era cuestión de que tomara su turno porque cuando esto aparecia,
teníamos a un guitarrista sobrio y de excelsa técnica, está claro que el
compositor principal era Wright y no se si por el liderazgo que éste
ejercía, pero Grosvenor además de su aportación guitarrística, era el
segundo compositor, pero todos tenían su parte en la composición, parece
que eran un equipo de alta competencia. Su disco debut es
mayoritariamente compuesto por los Spooky y estaba equilibrado con
varias piezas ajenas reinterpretadas por los Tooth: "Society's child" de
Janis Ian, "To much of nothing" de Bob Dylan, "Tobacco road" de
Loudermilk, en versión extraordinaria que fue muy comentada y escuchada,
más por último, "The Weight", la clásica de The Band, que en la versión
americana aparecia y en la británica no, la decisión fue acertada para
la aceptación del disco en Norteamérica, esta buena costumbre de
versionar canciones conocidas la mantuvieron en sus discos posteriores.
VINCEBUS ERUPTUM (BLUE CHEER).Ese mismo año pero al
otro lado del Atlántico, en la cuna del Rock sicodélico, San Francisco
California, nació una banda memorable, venerada y para muchos,
precursora de un género histórico, ni más ni menos que el heavy metal, recalcando
que antes de Black Sabbath, eran tercos, iban contra la moda, fuera de
la corriente principal y para muchos primitivos, fueron la primera
agrupación que afinaba sus guitarras más graves que lo usual y eran
también un trío elemental, casi minimalista.
Como power trio, se
hicieron famosos en sus presentaciomes, no tenían más que lo
indispensable: bajo, guitarra, batería y voz, no necesitaban más que
Rock, sicodelia elemental y Blues, para estar seguros de dónde pisaban
el suelo y mucho ruido, hasta ser conocidos como la banda más ruidosa
del mundo, era la respuesta al elaborado y exquisito Rock británico y
nadie les negaría su aportación al Punk y al todavía futurista Grunge,
lo cierto es que se ganaron una reputación indiscutible, una fama
increíble y un recuerdo de que la rebeldía es naturaleza del Rock.
Y a propósito de discos
debutantes del '68, los Blue Cheer empezaron su carrera discográfica con
esta grabación que inicia con la inmensa reelaboración de la clásica
del genial Eddie Cochran, "Summertime Blues" y para muchos que en esa
época los escuchamos, creíamos que era su canción, fue el pasaporte para
ser reconocidos en todo el mundo, pero eso no era todo, el disco amplió
las percepciones, equilibró a las corrientes, endureció al Rock y se
convirtió en un clásico inmediatamente.
BORN TO BE WILD (STEPPENWOLF).Steppenwolf es la
derivación de la banda Sparrows de Toronto y al trasladarse a San
Francisco dejaron el Blues y empezaron a tocar folk, la metamorfosis
producto de encontrar un estilo propio los llevó a endurecer su sonido e
ingresar a las nacientes filas del hard rock, género que iniciaba su época dorada. El estilo definitivo del
Lobo Estepario, nombre que tomaron de la célebre novela de Hermann
Hesse muerto en 1962 y canonizado por los hippies y jóvenes rockers, se
definió como una mezcla de Blues y Rock duro, dos rasgos lo hicieron
destacar: la voz de John Kay y el sonido duro que conseguian los
guitarristas Kay y Michael Monarch junto con el bajo de Rushton Moreve;
el instrumento que le daba cuerpo al sonido era el órgano de Goldy
McJohn, todos encuadrados en el ritmo que marcaba la batería de Jerry
Edmonton y cuatro músicos cooperaban con los coros, no hacía falta más
para tener un sonido atractivo, sin complicaciones y muy honesto.
TRAFFIC (TRAFFIC). Otra
joya del año 1968 es el segundo disco de Traffic, con un cuarteto de
lujo: Dave Mason, Steve Winwood, Chris Wood y Jim Capaldi, Steve el niño
genio era la carta fuerte, pero sus compañeros no eran figuras
decorativas, Capaldi el encargado de los tambores y percusiones de todo
tipo hacía aportaciones a las composiciones con mucha presencia, sobre
todo haciendo mancuerna con Winwood, Mason tenía mucha facilidad para
imaginar canciones, con melodías y sus respectivas armonías muy
afortunadas y Wood quien participaba poco en la composición era un
músico fino y virtuoso que con la sección de los alientos, daba a la
banda un sonido único, no es gratuito, Traffic era una banda fuera de
serie y con ellos hacían su propia revolución en el Rock Británico.
THE SOFT MACHINE Volume 3 (SOFT MACHINE). Soft
Machine, el grupo de culto, precursor del Rock Progresivo y con una
duración de varias décadas, debutó en la grabación de discos en el año
de 1968, sus fundadores provienen de la escena de Canterbury, esa rama del Rock Británico de fines de los sesenta que dejaron una estela y un estilo muy reconocible, sus miembros eran el trío que se hizo célebre como músicos vanguardistas que no sólo estaban en la corriente sicodélica, sino también el Jazz y otras experimentaciones que desembocaron en el Rock Progresivo Inglés.
El que destacó desde el principio fue Kevin Ayers que pronto salió de la banda e inició una carrera de solista con albums memorables y celebrados
como obras trascendentes de un músico con talentos especiales, él y sus
compañeros Waytt y Ratledge junto con Hooper compusieron estas piezas
oscuras y surrealistas, ácidas y experimentales, llenas de magia y
energía, la obra completa de The Soft Machine es muy diversa con muchos
músicos participando en ella, Wyatt y Ratledge estuvieron juntos en los tres o cuatro discos posteriores, este último pèrmaneció hasta 1975, toda la obra es muy interesante pero el debut, con la genialidad de Ayers es sin duda insuperable.
CHEAP THRILLS (JANIS JOPLIN). El
'68 también nos trajo esta joya de muchos kilates, el primer disco
verdaderamente contundente y nacido para pasar a la historia
protagonizado por Janis Joplin, antes había participado en su disco
debutante con su primera banda, una grabación muy dispareja, algunas piezas que anunciaban al gran acontecimiento y otras que no conectaban con los oyentes.
Janis ya estaba en San Francisco sumergida en el mundo hippie
en contacto con la nueva música ácida y tal vez eso y su asombrosa voz
la llevaron al Festival de Monterey, ella sorprendía a los nuevos
públicos que la topaban y
en los meses posteriores grabaron el segundo disco de la banda, en el
primer mes se vendieron un millón de copias, el grupo había despegado y
todos sabían que era Janis la que impulsaba el fenómeno, así que este clásico instantáneo martavilló al mundo, no hay mucho que agregar,
se vendió entonces y sigue vendiéndose, se reedita de todas las formas y
no deja de escucharse, si no forma parte de tu discoteca, estás
cometiendo un grave error, apresúrate a corregirlo.
El film tiene como motivo, la gira del Zep en 1973 por la Unión Americana, el album y la película se grabaron el 27, 28 y 29 de Julio de 1973 durante tres noches en el Madison Square Garden de New York, el álbum se publicó en el año de 1976.
La película y la banda sonora no tenían todas las piezas, en ambas había omisiones, en 2007 se reeditaron remasterizados ambos formatos incluyendo todas las piezas antes faltantes, la lista de esa edición apareció así:
PURPLE HAZE. THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE. Tal
vez el debut discográfico más importante de la historia, el disco que asombró a
todo el mundo, tenía como carta fuerte esta pieza situada exactamente entre lo
"comercial", que es sinónimo de convencional y lo revolucionario,
Hendrix presentándose ante el orbe como un compositor extraordinario y un
instrumentista de otro planeta.
LET'S SPEND THE NIGHT TOGHETER. THE ROLLING SONES. "Between the buttons", el primer álbum perfecto de los Rolling, nos regaló está joya, redonda e inmortal, reciclada por medio mundo, una de esas piezas que tienen todo: emoción, actitud, mensaje, combinación perfecta entre letra y música y una aura de himno generacional.
NIGHTS IN WHITE SATIN. MOODY BLUES. En una época en la que la creatividad era su sello y la innovación su condición "Days of future passed", fue un disco extraordinario en ambos sentidos, tal vez el primero de Rock Sinfónico, con piezas como esta que para publicar como "single" fueron recortadas por el temor de que no gustara su duración y sus partes instrumentales, el tiempo la puso en su justo sitio y varios años después se volvió una clásica del Rock de todos los tiempos.
A WHITER SHADE OF PALE. PROCOL HARUM. "A Whiter Shade of Pale", ha sido considerada en diversas ocasiones, la segunda mejor canción de todos los tiempos, después de "Like a Rolling Stone", ¿qué criterios se aplican para estas consideraciones?, no lo sé, pero la susodicha posee muchas características que la hacen merecedora de tal distinción:
Con tres elementos clave, milagrosamente conjuntados, una gran melodía, "inspirada" en la "Aria de la cuarta cuerda de Bach" compuesta por Gary Booker, una letra surrealista y deslumbrante de KeithReid, el procol que no tocaba en la banda, pero que era pieza fundamental con sus aportaciones poéticas, y la introducción con el órgano creada por Mathew Fisher, una de las más memorables de la historia, llegó directo a la sensibilidad, las emociones y el gusto de las masas.
Por otro lado, para muchos críticos e historiadores, es la pieza que inauguró el "rock sinfónico" y la letra es considerada prototipo de los textos surrealistas, de la sicodelia escrita y del rock "oscuro" y con imaginación fantástica.
SUNSHINE OF YOUR LOVE. CREAM. El mayor éxito y la más emblemática canción de Cream, la superbanda de Clapton, Baker y Bruce, compuesta en letra por Bruce y Pete Brown y en música por la colectividad, tal vez una de las canciones más conocidas por su "riff" y más versionadas y tomadas como influencia y hablando de influencias, se dice que la escribieron después de asistir a un concierto de un músico que tenía asombrado a todo el Reino Unido, un tal Jimi Hendrix.
NO SO SWEET MARTHA LORRAINE. COUNTRY JOE AND THE FISH. En pleno auge del movimiento "hippie", Joe McDonald, hijo de militantes de izquierda, se subió a la cresta del "hippismo" con canciones antibelicistas, a favor de los derechos de las minorías y abogando por una moral sin hipocresía, su banda tuvo una muy corta duración, pero suficiente para convertirse en uno de los símbolos del "flower power", el Verano del Amor y el movimiento Hippie-antiguerra.
MELLOW YELLOW. DONOVAN. Una de las canciones más vendidas y difundidas del año, con ella iniciaba el álbum del mismo nombre de un Donovan que ya había despegado, dejando de ser un "dylancito" para revelarse como un compositor de altos vuelos, supo sintetizar el espíritu de la Costa Oeste norteamericana, con el folclor escocés y todas sus influencias, "Mellow Yellow" es una cátedra viva de como hacer "pop" que se venda por millones sin necesidad de hacer lo que todos hacen como receta infalible.
LUCY IN THE SKY WITH DIAMONDS. THE BEATLES. Del famoso episodio en el que el hijo de Lennon le platicó a su papá acerca de su amiga Lucy que se dibujaba volando, el beatle hizo esta pieza inmortal, que fue víctima del escándalo desatado por las "buenas conciencias" quienes la repudiaban como apología del uso de drogas, la letra surrealista de Lennon y la verdaderamente alucinada versión de que las siglas de lucy, L S D, lo confirmaban, le dieron publicidad gratuita a la canción que, el tiempo demostró, no necesitaba, pues se sostenía sola con su calidad.
SHE'S A RAINBOW. THE ROLLING STONES. Una de las piezas más conocidas de los Rolling, de su disco más sicodélico en el año de la sicodelia por autonomasia, es una canción amorosa y dulce que habla del enamoramiento y se le reconoce en todo el Universo, por el "solo" de piano concebido y ejecutado por el gran Nicky Hopkins, quien se murió sin recibir el debido reconocimiento masivo de la comunidad "rocker" mundial.
WHITE RABBIT. JEFFERSON AIRPLANE. La canción más conocida de Grace Slick, basada en "Alicia en el País de las Maravillas", es considerada como emblemática del "acid rock", del Verano del Amor, con ella Grace, abogaba por la despenalización de las drogas alucinógenas, que permitían otros estados de la conciencia que permitían ver al mundo desde otras perspectivas, admiraba al genio de Lewis Carroll y estaba segura de que él había consumido drogas para imaginar todo el alucinante mundo que narra en su famosa novela.
LIGHT MY FIRE. THE DOORS. Fue una de las canciones más exitosas del año, llegando a la cima de las listas de popularidad, escrita por Krieger, pero conocida por la introducción que ideó Manzarek, como muchas canciones de la época habla de la experiencia sensorial al consumir sustancias estimulantes y fue el pretexto para una de los muchos actos rebeldes e iconoclastas que protagonizó Morrison en su papel de enfant terrible, cuando en el famoso "Show de Ed Sullivan", el más prestigioso de la televisión, le pidieron cambiar la letra para ocultar las alusiones a las drogas, Jim aceptó de buena gana, pero no cambió ni una letra, luego se disculpó y alegó haber olvidado la letra que le propusieron por el exceso de nervios.
MY BACK PAGES. THE BYRDS. Una de las canciones más conocidas de Dylan, precisamente gracias a esta versión que la hizo conocida en el mundo entero, al grado de ser más conocida que la del propio Bob, fue un exitazo que de paso dió a conocer al prodigio de la música norteamericana en todo el orbe, una clásica de todos los tiempos.
NEON RAINBOW. THE BOX TOPS. Los Box Tops, junto con bandas del tipo de Young Rascals, protagonizaron el movimiento musical llamado "blues de ojos azules" y se refería a bandas de anglos que hacían música al estilo de los negros, esta canción junto con "The Letter" del mismo disco fueron de las más exitosas del año y desde entonces son ejemplo y muestra de la gran variedad de propuestas en el mundo del rock de esos años, otra pieza que a muy temprana edad ya era una clásica.
PAINTING BOX. THE INCREDIBLE STRING BAND. El grupo escocés que con más audacia y desparpajo abordó el llamado "folk-rock" en el Reino Unido, la Increíble era un grupo en verdad "sui generis" y novedoso, con una gran variedad de instrumentos y una gran creatividad cambiaron a la música con el muy viejo pero difícil truco de cambiar sus elementos de lugar, sin inventar nada nuevo, esta es una de sus pìezas más conocidas por su belleza y sencillez.
